Programas musicales 5h51i

Obras de Morton Feldman (segunda parte) Vertical Thoughts 1 (1963) John Tilbury, Philip Thomas (8.00) Two Pieces for Three Pianos (1966) John Tilbury, Philip Thomas, Catherine Laws (18.00) False Relationships and the Extended Ending (1968) John Tilbury, Philip Thomas, Catherine Laws, Anton Lukoszevieze, Mira Benjamin, Rodrigo Constanzo, Barrie Webb (16.25) Between Categories (1969) John Tilbury, Philip Thomas, Anton Lukoszevieze, Seth Woods, Mira Benjamin, Linda Jankowska, Rodrigo Constanzo, Taneli Clarke (11.45) Presentamos el segundo de dos programas con música para pianos e instrumentos de Morton Feldman contenida en un disco doble publicado por el sello británico Another Timbre en 2014. Recordemos que este disco se concentra en un periodo particular en la carrera del autor estadounidense, la década de 1960, cuando experimentó con la notación de las alturas y la indeterminación de las duraciones. También empleó líneas verticales y diagonales para enlazar las alturas y especificar en qué momento y qué orden debían interpretarse los sonidos. A pesar de que esta estética podría presentar similitudes con la música de Ligeti de este periodo, como Atmósferas, las obras de Feldman no se basan en complejos cromáticos o ramificaciones de clusters que progresan. Es el caso del ciclo Vertical Thoughts en que los grupos de sonidos están ordenados de manera secuencial, separados por silencios de duración variable y no poseen un sentido de dirección. Tenemos Vertical Thoughts 1 de 1963 por John Tilbury y Philip Thomas en pianos. Otra importante obra para piano, escrita en 1966, planteó un nuevo camino, Two Pieces for Three Pianos. Mientras la segunda pieza sigue el tipo de coordinación y escritura secuencial de Vertical Thoughts 1, la primera combina dos tipos de notación: dos pianos tocan aquella escritura sin duraciones y el tercer piano sigue una notación muy precisa en que las duraciones, la métrica e incluso los cambios de tempi están indicados. La textura resultante inicial es muy densa y los acordes cromáticos de los tres pianos se van “adelgazando” gradualmente en el desarrollo de la partitura. No hay coordinación entre las partes y los límites entre acordes y clusters se van difuminando hasta que la obra finaliza de manera dispersa, mientras los dos primeros pianos abordan eventos más altos y delicados. Two Pieces for Three Pianos con John Tilbury, Philip Thomas y Catherine Laws. La combinación de notación estricta y notación variable marcó también la exploración en las obras instrumentales False Relationships and the Extended Ending de 1968 y Between Categories de 1969. Además, ambas dividen al conjunto en dos subgrupos, lo que en el caso de la primera consiste en violín-trombón-piano y cello-campanas-dos pianos, este último, subdividido en campanas-piano y cello-piano hacia el final. Los conjuntos están anotados de manera sincrónica en la partitura, uno arriba del otro, pero en cierto momento comienzan a separarse debido a que hay indicaciones de tiempo completamente distintas para ambos grupos. Este desplazamiento es controlado a través de ciertas señales entre los ensambles y da la impresión de que todos los eventos están coordinados de manera muy precisa. False Relationships and the Extended Ending es interpretada por John Tilbury, Philip Thomas y Catherine Laws en pianos, Anton Lukoszevieze en cello, Mira Benjamin en violín, Rodrigo Constanzo en campanas y Barrie Webb en trombón. Concebida para dos grupos de violín-cello-campanas-piano, Between Categories sigue las ideas de False Relationships and the Extended Ending, pero también incorpora otra preocupación de Feldman: la audición de la música o la percepción del auditor, y qué es lo que la domina, lo vertical o lo horizontal, y su solución es el crecimiento de formas a partir de una tensión entre ambos planos auditivos. Between Categories es interpretada por John Tilbury y Philip Thomas en pianos, Anton Lukoszevieze y Seth Woods en cellos, Mira Benjamin y Linda Jankowska en violines, Rodrigo Constanzo y Taneli Clarke en campanas.

MCCOY TYNER “Reaching Fourth” grabado en 1962, es el segundo LP del pianista McCoy Tyner como líder. Es un trío con el bajista Henry Grimes y el baterista Roy Haynes. Tyler, junto con Bill Evans, es uno de los pianistas más originales e influyentes que emergieron en la década de 1960, sus voces de acordes son únicas y su facilidad para tocar creativamente de cierta manera aceleraron la evolución del piano en el jazz. Esta sesión, aunque no es tan intensa como su trabajo con el Cuarteto John Coltrane, es memorable. McCoy Tyner “Reaching Fourth” – Englewood Cliffs, N.J., November 14, 1962 Reaching fourth, Goodbye, Theme for Ernie McCoy Tyner (p) Henry Grimes (b) Roy Haynes (d) KENNY WHEELER Igualmente influyente en su instrumento, el fliscorno, con un perfecto control de su lírica inconfundiblemente melancólica con saltos repentinos, pero no se puede negar la dura realidad de la edad. Wheeler, que tenía 81 años cuando se grabó One of Many en 2006, parece estar predispuesto al rango medio del fliscorno; aunque aún nos sorprende al ejecutar saltos interválicas , por ejemplo en “Anticipation”, el segundo de nueve temas que aparecen por primera vez en esta, la quinta grabación de Wheeler en dúo con John Taylor, su pianista preferido. Kenny Wheeler “One of Many” – Ludwigsburg, , July 30 & 31, 2006 Phrase 3, Anticipation, Any how, Fortune’s child Kenny Wheeler (flhrn) John Taylor (p) Steve Swallow (el-b) MATTIAS CARLSON El saxofonista Mattias Carlson nació en Suecia en 1972. En la secundaria comenzó a tocar el saxofón, que ha sido su instrumento principal desde entonces. La música ha llevado a Mattias a presentarse través de Europa y varias veces al otro lado del Atlántico. “Presentation 7211” es su excelente primer álbum con su cuarteto se editó en 2004, aparentemente es su único disco. Hoy Carlsson forma parte de Aorta, grupo liderado por Anders Nilsson. Mattias Carlson “Presentation 7211” – Malmo, June 1, 2003 Billy the Kid, Twenty-five, Hornin’ in Mattias Carlson (ts,sop) Krister Jonsson (g) Mattias Hjorth (b) Anton Jarl (d) Roberto Barahona Los Angeles, California

Luciano Berio Coro (1975-77) para voces y orquesta Coro y Orquesta Radio Colonia / Luciano Berio (56.55) Presentamos Coro de Luciano Berio. Al igual que Sinfonía, Ópera o Recital, partituras del mismo Berio, la obra Coro, escrita entre 1975 y 1976, pone en jaque a otro arquetipo musical. El coro aparece muy poco como tal, ya que el autor lo explora de manera que las voces no sean absorbidas por la masa orquestal ni tampoco actúen como solistas o pequeños grupos al unísono. A ellos suma la equivalencia entre voz e instrumento, ubicando a cada cantante cerca del instrumento correspondiente a su tesitura y conformando cuarenta dúos voz-instrumento que frecuentemente actúan juntos. Solamente un cuarteto con piano, órgano eléctrico y dos percusionistas no tiene un equivalente vocal. Para distinguir entre música individual y de masa, Berio emplea dos tipos de texto. Las voces solistas están asociadas a una especie de poesía folclórica, en varios idiomas, que habla de la unidad entre hombre y naturaleza, una vida ordenada por el rito y acepta el amor y la muerte sin confusiones. Esa poesía, sin embargo, no contiene citas textuales, sino más bien técnicas vinculadas a ella, ya que Berio recurre a diversas técnicas vocales, como si se tratara de una síntesis de la historia humana, abarcando desde la polifonía y el lied hasta el canto africano y la canción popular. Y para la masa coral hay versos de Pablo Neruda que unifican las cuarenta voces en los tutti. A manera de refrán aparece el verso “venid a ver la sangre por las calles” y al final adquiere sentido al decir “¿preguntareis por qué esta poesía no nos habla del sueño, de las hojas, de los grandes volcanes del país natal?…venid a ver la sangre por las calles”. La versión de Coro que presentamos fue revisada en 1977 por Berio y grabada en 1980 por el Coro y la Orquesta Sinfónica de la Radio de Colonia dirigidos por el compositor.

JURE PUKL Nacido en Eslovenia y su esposa, Melissa Aldana en Chile, son saxofonistas que comparten una visión musical y un vocabulario común en “Doubtless”. En el tema “Intersong” de Ornette Coleman, alternan voces armónicas y en unísono. Hay mucha influencia de Coleman aquí y en todo el disco, junto con un toque de Albert Ayler. También hay otros aspectos notables, como el contrabajo melódico de Joe Sanders en “Elioté”. Los pasajes al unísono, funcionan extremadamente bien y agregan una cualidad quejumbrosa. A pesar de sus obvias alusiones a Coleman, Pukl manifiesta su propia voz, además sus composiciones y arreglos son estupendos. Jure Pukl “Doubtless” – Slovenia February 27th, 2017 Doubtless; Intersong; Elioté; Elsewhere Jure Pukl, Melissa Aldana: tenor saxophone; Joe Sanders: bass; Gregory Hutchinson: drums. GIOVANNI MIRABASSI Es un pianista de jazz italiano radicado en París. Autodidacta, aprendió escuchando a Bud Powell, Art Tatum y Oscar Peterson, aunque fuertemente influenciado por Enrico Pieranunzi. A los diecisiete años, después de algunas experiencias importantes en Italia, tocó con Chet Baker en 1987 y con Steve Grossman en 1988). Se instaló en París en 1992. Mirabassi ha producido una docena de CDs. Giovanni Mirabassi “Live “Blue Note”, Tokyo, Japan” – April 21-23, 2010 It’s us, Here’s the captain Giovanni Mirabassi (p) Gianluca Renzi (b) Leon Parker (d) ABRAHAM BURTON Saxofonista neoyorquino, cuya familia proviene de Belice, lleva más de tres décadas como una figura prominente en la escena del jazz y ha sido solista en dos álbumes ganadores de premios Grammy; ha participado en más de cien grabaciones. Estudió bajo la tutela del gran Jackie McLean en la Hartt School of Music, donde recibió su Licenciatura con honores en Artes en Música. Abraham se inició con el legendario baterista Arthur Taylor. Durante sus cinco años con “Taylor’s Wailers” grabó “Mr. A.T.” y “Live at the Village Vanguard “. Abraham estableció su reputación con los músicos más prestigiosos del jazz, artistas como Wynton Marsalis, Milt Jackson, Louis Hayes, Kenny Barron y Jimmy Smith, por nombrar solo unos pocos. En 1994 formó “The Abraham Burton Quartet” que grabó “The Magician” y “Closest To The Sun” para Enja Records. El grupo realizó giras y presentaciones en Europa yAustralia, y participó en algunos de los mejores festivales de jazz. Abraham Burton “Closest To The Sun” – Brooklyn, NY, March 11 & 12, 1994 Laura, E=MC, Left alone Abraham Burton (as) Marc Cary (p) Billy Johnson (b) Eric Mherson (d) Roberto Barahona Los Angeles, California

Flashbacks (1995) The New York New Music Ensemble (10.10) Synchronisms N°10 (1992) David Starobin (9.25) Romancero (1983) Susan Narucki, Speculum Musicae (13.30) Festino (1994) Speculum Musicae (11.00) String Trio (1982) Speculum Musicae (10.50) Presentamos un disco del sello Bridge dedicado a música de Mario Davidovsky. Este compositor nació en Argentina en 1934 y se estableció en Estados Unidos en 1960. Desde entonces ha sido uno de los creadores y profesores más importantes en este país, enseñando en las universidades de Michigan, Yale, Columbia y Harvard o dirigiendo el Columbia Electronic Music Center. Ha ganado varias becas Guggenheim, Rockefeller, Koussevitzky y Brandeis, así como el Premio Pulitzer y el National Seamus Award. Para comenzar tenemos la obra que da título e inicia este disco, Flashbacks, que data de 1995 e interpreta el New York New Music Ensemble: Jayn Rosenfeld en flautas y Jean Kopperud en clarinetes, Linda Quan en violín y Chris Finckel en cello, James Winn en piano y Daniel Druckman en percusión. Dirige Jeffrey Milarsky. Davidovsky fue uno de los pioneros de la música electrónica y logró fama con una serie de obras para instrumentos y sonidos sintéticos pregrabados llamada Synchronisms. Fue con el N°6 para piano que obtuvo el Pulitzer en 1971 y su catálogo incluye, hasta ahora, doce Synchronisms, siendo uno de los más importantes el N°10 para guitarra, escrito en 1992 y cuyo motivo inicial genera crecientes líneas y un contrapunto muy complejo. David Starobin interpreta este Synchronisms N°10. Así como Synchronisms N°10 se basa en clichés de la guitarra, que podrían recordar a su herencia española, el ciclo de canciones Romancero de 1983 suma ecos de esa herencia con la judía. De hecho, Davidovsky incorpora en esta evocación ciertos giros modales y melódicos en la voz que suenan casi folclóricos, tal como sucede con esa espontaneidad con la que responden los instrumentos al canto. Morenita a mí me llaman, Arriba canes arriba, Seguidillas y Triste estaba el rey David son las partes de Romancero que interpretan Speculum Musicae: Susan Narucki en voz, Laura Gilbert en flautas, Allen Blustine en clarinetes, Curtis Macomber en violín, Chris Finckel en cello y Donald Palma en la dirección. Continuamos con Festino, una obra de 1994 que traspasa gestos y efectos asociados a la música electrónica al terreno puramente acústico. Un trío de cuerdas se convierte en una especie de imitador y amplificador de la guitarra solista dentro de esta partitura donde el orden y la anarquía se entrecruzan, quizás como rebelión inconsciente del propio autor a ese idioma más estricto que cultivó en los años 60. Festino es interpretada por del conjunto Speculum Musicae: David Starobin en guitarra, Maureen Gallagher en viola, Eric Bartlett en cello y Donald Palma en bajo. Finalmente tenemos String Trio, una partitura de 1982 en que Davidovsky desarrolla un set de oposiciones dinámicas (como lento-rápido, calmo-agitado o contrapunto-gesto) y de intrincadas texturas en que los elementos contrastantes se funden en un gesto denso y único, todo aprovechando la capacidad de los instrumentos con arco para producir notas extensas casi sin pausas, diversos tipos de sonidos y rearticulaciones rápidas y precisas. Este String Trio es interpretado por Curtis Macomber en violín, Lois Martin en viola y Eric Bartlett en cello, de Speculum Musicae.

Octavio Hasbún entrevista a Franco Bonino, miembro y director de Syntagma Musicum, a propósito de los 40 años de existencia de este emblemático conjunto chileno dedicado a la música antigua. De su discografía se presentan obras de Diego Ortíz, Esteban Salas, Capistrano Coley, Tomás de Torrejón y Velasco, Arcangelo Corelli, Radesca di Foggia y del Archivo Musical de Guarayos.

Notes From The Village” es el cuarto CD como líder de la clarinetista Anat Cohen, esta vez en un moderno cuarteto de jazz progresivo, reproduce su música original y los estándares e influencias multiculturales como Klezmer, música africana y música gospel. Con el extraordinario pianista Jason Lindner, el bajista Omer Avital y el baterista Daniel Freedman, Cohen tiene un grupo de compañeros talentosos, experimentados y de ideas afines para ejecutar plenamente su visión y marca personal del jazz. El toque de baile de “Washington Square Park”, una de las tres selecciones con el guitarrista invitado Gilad Hekselman, es absolutamente irresistible, mientras que una plácida versión de “After the Rain” de John Coltrane es reforzada por el clarinete bajo de la líder. Anat Cohen “Notes From The Village” – New York, May 14 & 15, 2008 Washington Square Park, J blues, After the rain Anat Cohen (cl,ts,sop,b-cl) Jason Lindner (p,el-p) Gilad Hekselman (g) Omer Avital (b) Daniel Freedman (d,perc) JIMMY ROWLES Durante décadas, Jimmy Rowles fue considerado por los músicos como uno de los mejores acompañantes en el jazz, sirviendo en esa capacidad para prácticamente todas las principales cantantes de jazz, incluidas Billie Holiday, Ella Fitzgerald, Sarah Vaughan, Helen Humes, Carmen McRae, Tony Bennett y Peggy Lee. El genio particular de Rowles era su habilidad para hacer que las armonías fluyeran lógicamente, incluso cuando agregaba a las melodías sus propios toques distintivos. Uno de los pianistas de jazz más líricos, produjo un sonido magnífico, rico y contemplativo. Jimmy Rowles “Piano Playhouse” – Hollywood, CA, September 13 & 14, 1957 Jordu, That old devil called love, Laugh clown laugh Jimmy Rowles (p) MICHAEL “SPIKE” WILNER PLANET JAZZ Michael “Spike” Wilner nació en la ciudad de Nueva York. Empezó a tocar el piano a una edad temprana, inspirado por Scott Joplin para aprender a tocar Ragtime Music. En su programa de jazz de la escuela secundaria conoció al pianista Peter Martin, quien lo presentó y lo inspiró a aprender jazz más moderno. Wilner ingresó al departamento de Jazz y Música Contemporánea del New School for Social Research, dirigido por el saxofonista Arnie Lawrence, era un foro experimental donde jóvenes músicos de jazz interactuaban y tocan juntos con grandes maestros del jazz. En este fértil entorno musical, Wilner conoció y se hizo amigo de muchos de los principales músicos de jazz de la actualidad: Peter Bernstein, Larry Goldings, Brad Mehldau, Roy Hargrove y muchos otros. Actualmente es copropietario y director musical de Smalls Jazz Club, una institución y centro de jazz en Nueva York. SmallsLIVE Audio / Video Archive es un proyecto en marcha con la directiva de documentar cada actuación en el Club. Hasta la fecha, el archivo contiene más de 10,000 videos y grabaciones de audio de espectáculos y representa a más de 1000 artistas que han actuado en el Smalls Jazz Club desde 2007. Planet Jazz “Live “Smalls Jazz Club”, New York, August 23 & 24, 2009 A foolish lament, Contemplations Joe Magnarelli (tp) Jerry Weldon (ts) Spike Wilner (p) Peter Bernstein (g) Neal Miner (b) Joe Strasser (d) Roberto Barahona Los Angeles, California

A Flock Descends Into the Pentagonal Garden (1977) Sinfónica de Boston / Seiji Ozawa (12.55) Ring (1961) Ryu Noguchi, Harumi Ibe, Mitsuhiko Hamada (9.25) Sacrifice (1962) Ryu Noguchi, Mitsuhiko Hamada, Keiko Abe / Hiroshi Wakasugi (6.25) Valeria (1965/1969) Ensamble / Hiroshi Wakasugi (6.30) Quatrain (1975) Conjunto Tashi, Orquesta Sinfónica de Boston / Seiji Ozawa (16.55) Presentamos música del compositor japonés Toru Takemitsu. Comenzamos con “Una bandada desciende al jardín pentagonal”, una obra orquestal que comparte el carácter evocador y onírico de otras creaciones del autor inspiradas por las estaciones del año, los jardines, el agua, el mar, la distancia y la soledad. La inspiración provino de un sueño del mismo Takemitsu en el que una bandada de pájaros bajaba volando hasta un jardín geométrico. Mientras las cuerdas representan al jardín, los otros instrumentos a los pájaros que descienden sobre ese campo sonoro. Grabación de 1978 con la Sinfónica de Boston dirigida por Seiji Ozawa. Nacido en 1930 y fallecido en 1996, Takemitsu inició su carrera integrando agrupaciones dedicadas a la experimentación con diversos medios. Para ellas escribió sus primeras obras que empleaban disonancias, ritmos irregulares, juegos timbrísticos y electrónica. Sigamos con tres obras de la década de 1960. La primera es Ring y data de 1961. Su título proviene de las letras iniciales de sus secciones: Retrograde, Inversion, Noise y General theme. La partitura incluye técnicas aleatorias, interludios improvisados y notación gráfica. Luego tenemos Sacrifice, compuesta en 1962 y que también deja algunos elementos libres que involucran sobre todo las ideas expresivas de los ejecutantes. Y después Valeria, escrita en 1965 y que explora una una amplia gama de efectos y contrastes. Ring, Sacrifice y Valeria fueron grabadas en 1969 por Ryu Noguchi y Takeshi Koizumi en flautas, Mitsuhiko Hamada en laúd, Saburo Ueki en violín, Yoshio Hattori en cello, Harumi Ibe en guitarra, Keiko Abe en vibráfono y crótalos y Yuji Takahashi en órgano eléctrico. La influencia de Webern y la música sa, desde Debussy hasta Messiaen, marcó el siguiente periodo estilístico de Takemitsu. Sin embargo, el uso de elementos locales fue dando mayor independencia a su lenguaje y trascendencia al timbre, la textura y el silencio. Buena muestra del puente cultural musical establecido por el autor japonés entre oriente y occidente se aprecia en una obra de 1975 llamada Quatrain. En ella enfrenta a la orquesta con cuatro instrumentos solistas: clarinete, violín, cello y piano. El título hace referencia al carácter cuatripartito de la composición, no sólo por el cuarteto solista, sino también, porque está construida sobre grupos de cuatro compases y la naturaleza de sus intervalos generadores. Quatrain fue grabada en 1977 por el conjunto Tashi (Peter Serkin en piano, Ida Kavafian en violín, Fred Sherry en cello, Richard Stoltzmann en clarinete) y la Sinfónica de Boston.

bILLY PIERCE Saxofonista y educador, comenzó su carrera en Boston tocando R & B con estrellas como Stevie Wonder y Marvin Gaye. Sin embargo, es esencialmente músico de jazz, algo que claramente demostró durante sus temporadas con los Jazz Messengers de Art Blakey y el quinteto de Tony Williams. Aquí lidera un cuarteto de estrellas interpretando las composiciones de Thelonious Monk y Sonny Rollins. “In Walked Toot”, un tributo del pianista Donald Brown basado en “In Walked Bud”. Billy Pierce “Epistrophy” – New York, December 22, 1992 Bye-ya, In walked Toot, Pent-up house Billy Pierce (ts) Donald Brown (p) Christian McBride (b) Billy Drummond (d) FRED HERSCH Evanessence es un homenaje del pianista Fred Hersch a la persona con la que ha sido comparado: Bill Evans. Sin duda que Evans tuvo un gran impacto en el pianismo cristalino y elegante de Hersch. Pero Hersch (cuyas otras influencias principales incluyen a Ahmad Jamal y Keith Jarrett) está lejos de ser un imitador servil de Evans, y el hecho de que él es en gran medida su propia persona lo ilustra en composiciones de Evans: “Turn Out the Stars”) y “ing the Rain”. Aparecen como invitados Toots Thielemans, harmónicaca y Gary Burton, vibráfono. Fred Hersch “Evanessence” – New York ?, August 16, 1990 Turn out the stars (1); Medley :(2) Nardis / Lonely woman; Peri’s scope (4); ing the rain (2,3) Fred Hersch (p) Marc Johnson (b-1) Michael Formanek (b-2) Toots Thielemans (hca-3) Gary Burton (vib-4) BLACK ART JAZZ COLLECTIVE La mitad de los del Colectivo son líderes de jazz en sus cuarenta y principios de los cincuenta. Incluyen al trompetista Jeremy Pelt, el saxofonista tenor Wayne Escoffery y el pianista Xavier Davis. Los más jóven son el trombonista James Burton III, el bajista Vicente Archer y el baterista Jonathan Blake se mezclan en un sexteto moderno inspirado, en parte, por los escritos de Wayne Shorter y por las bandas pre-electrónicas de Miles Davis. Black Art Jazz Collective “Armor of Pride” editado el 2018 Miller Time; Black Art Wayne Escoffery: tenor saxophone; Jeremy Pelt: trumpet; James Burton III: trombone; Xavier Davis: piano; Vicente Archer: bass; Johnathan Blake: drums. Roberto Barahona Los Angeles, California

Concierto de Cámara (1923-25) para piano, violín y trece instrumentos de viento Mitsuko Uchida, Christian Tetzlaff, Ensemble Intercontemporain / Pierre Boulez (32.00) Suite Lírica (1926) para voz y cuarteto de cuerdas Renée Fleming, Cuarteto Emerson (28.25) Este miércoles 22 de agosto se estrena en Chile la ópera Lulú de Alban Berg, y como un adelanto a esta presentación en el Teatro Municipal de Santiago, dedicamos esta semana de Siglo XXI a esta obra y las partituras que Berg compuso antes de ella. Recordemos que el compositor austríaco nació en 1885 y falleció en 1935. Estuvo entre los alumnos y colegas más importantes de Arnold Schoenberg, con quien estudió desde 1904 hasta 1910. Luego trabajó como compositor, profesor y organizador de conciertos, pasó tres años en el ejército e inició la creación de su primera ópera, Wozzeck, la que no terminó hasta 1922 y recién pudo estrenar en 1925. Después del estreno de Wozzeck en Berlín, Berg retornó al terreno instrumental con una partitura en la que adoptó gradualmente el sistema dodecafónico. Completado en 1925 y estrenada en 1927 por Scherchen, el Concierto de Cámara plasmó, más que ninguna otra obra, la fascinación del autor por los diseños formales intrincados y esquemas abstractos y matemáticos como determinantes estructurales. Además, el concierto fue la primera obra instrumental de Berg cuya estructura dependió de aspectos extra musicales. Él mismo dijo en una carta a Schoenberg que el motivo que abre la obra se basó en letras musicales de los nombres de Schoenberg, Webern y Berg, así como el número tres con sus múltiplos fue un factor determinante para la longitud de las secciones, marcas de metrónomo, naturaleza de la instrumentación y otros aspectos. Los bosquejos revelan que los elementos programáticos van más allá. Por ejemplo, cada una de las variaciones del primer movimiento, llamado “Amistad”, retrata a un miembro diferente del círculo de Schoenberg. El segundo movimiento, “Amor”, emplea una cifra musical basada en el nombre Mathilde, así como cita a Pelleas y Melisande, para evocar la relación entre Schoenberg y su esposa. Y el movimiento final representa al “Mundo”. Igualmente complejos son los recursos técnicos. El movimiento inicial para piano solo y vientos superpone formas sonata y variación, con el tema propuesto por los vientos y las cinco variaciones correspondiendo a repetición, desarrollo y recapitulación. El adagio se basa en una serie de doce notas y el movimiento final se estructura en el ritmo y no en la altura mientras fusiona las formas sonata y rondó. Tenemos este Concierto de Cámara para piano, violín y trece instrumentos de viento por Mitsuko Uchida, Christian Tetzlaff y el Ensemble Intercontemporain bajo la conducción de Pierre Boulez. Sus tres movimientos están indicados: Tema scherzoso con variazioni, Adagio y Rondo ritmico con introduzione. Las primeras incursiones de Berg en el serialismo se remontan a esta época. En octubre de 1925 musicalizó un texto de Storm y usó la misma serie resultante de la canción para concebir el primer movimiento de su Suite Lírica para cuarteto de cuerdas, partitura que concluyó un año después y siguió con la tendencia del Concierto de Cámara de basar su estructura y contenido en elementos extramusicales, secretos, privados y subjetivos. Gracias a que George Perle descubrió en 1976 un manuscrito en que Berg anotó detalles de su programa autobiográfico, esta Suite Lírica demuestra de una manera documentada y muy completa hasta qué punto aquellas consideraciones extramusicales actuaron sobre las decisiones compositivas. La secuencia de los movimientos sugería la presencia de un contenido extramusical e incluso especulaciones pero todo salió a la luz con Perle. Esta “ópera latente”, como la llamó Adorno, retrata el amorío entre Berg y Hanna Fuchs Robettin, esposa de un empresario millonario de Praga y hermana de Franz Werfel. Sus seis movimientos pasan por el primer encuentro, un retrato de Hanna y sus dos hijos, la declaración de amor, una descripción de “los horrores y las penas” de los días y noches siguientes y, finalmente, la aceptación de una relación sin esperanza. El aspecto más notable del programa secreto en esta Suite Lírica no es la presencia o la naturaleza del programa mismo, sino la manera en que Berg transforma detalles de este programa en elementos que determinan no sólo el estado y el carácter, sino también los detalles técnicos y formales de la música. De hecho, el material musical esencial deriva de las cuatro notas A-B-B-F que evocan las iniciales de Alban Berg y Hanna Fuchs. Numerosos elementos abundan en la partitura, como el requerimiento que las cuerdas se interpreten con sordina, incluso en los fortissimo, como símbolo del secreto y naturaleza reprimida del amor entre ambos. Alternando movimientos rápidos y lentos, los primeros son crecientemente más rápidos y los segundos más lentos. Y cada uno cita al anterior y el sexto se hunde en la nada citando también al primero para cerrar el círculo. Tal como algunos están en desacuerdo de que el público conozca “el contenido secreto” de la Suite Lírica, otros no creen correcto interpretar su último movimiento con voz, lo que habría sido la idea original de Berg. Esta versión salió a la luz hace algunas décadas y desde entonces existen interpretaciones que incluyen la voz para cantar la traducción de Stefan George de “De profundis clamavi” de “Las Flores del Mal” de Baudelaire. Precisamente vamos a escuchar la Suite Lírica en una grabación del Cuarteto Emerson y la soprano Renée Fleming. Los movimientos son Allegretto giovale, Andante amoroso, Allegro misterioso y trio estatico, Adagio apionato, Presto delirando y tenebroso, y Largo desolato.

Su interés en la música comenzó en su ciudad natal, Filadelfia, hoy vive en Nueva York, donde tocó primero con Tal Farlow y Don Friedman y luego en las grandes bandas dirigidas por Cab Calloway, Les y Larry Elgart, Maynard Ferguson y la Thad Jones y Mel Lewis Band. Continúa recorriendo el mundo como solista, tocando en clubes y festivales de jazz con sus propios grupos y como solista destacado con la Orquesta de Jazz Toshiko Akiyoshi. En este Lp apoyado por el bajista John Heard y el baterista Billy Higgins, Tabackin toca la flauta en dos composiciones originales y el tenor en las otras cinco piezas. Tabackin sobresale en tenor, especialmente en “I Mean You” de Thelonious Monk, y los estándares “You’ve Changed” y “After You’ve Gone”. Lew Tabackin “Black & Tan Fantasy” – Hollywood, CA, August, 1979 I mean you, Black and tan fantasy, You’ve changed, After you’ve gone Lew Tabackin (ts) John Heard (b) Billy Higgins (d) MICHEL PETRUCCIANI Petrucciani combina su asertivo y dominante piano con dos tríos diferentes. En parte del programa se presenta con la combinación del bajista Gary Peacock y el baterista Roy Haynes, aumentada en “One For Us” por la discreta guitarra de John Abercrombie. En la otra, el bajista Eddie Gómez y el baterista Al Foster ofrecen un soporte un tanto más suave, quizás más convencional, con un ocasional toque latino. Las composiciones de Petrucciani son ciertamente piezas valiosas, pero como siempre, los solos directos e inteligentes del pianista dejan atrás el material de origen; él es un improvisador de principio a fin. Michel Petrucciani “Michel Plays Petrucciani” – New York, September 10,12, 24 1987 One for Us Michel Petrucciani (p) John Abercrombie (g) Eddie Gomez (b) Al Foster (d) She did it again (1) Mr. K.J. (1) Michel Petrucciani (p) Gary Peacock (1) (b) Roy Haynes (1) (d) VICTOR LEWIS Victor Lewis es uno de los mejores bateristas de la actualidad. Desde el principio de su carrera actuó con algunos de los mejores músicos: Dexter Gordon, Woody Shaw y Stan Getz. Por un tiempo co-dirigió la banda Horizon con Bobby Watson, uno de las mejores pequeños grupos de jazz de los años 80 y 90. Lewis también es un excelente compositor y seis de sus canciones aparecen en el CD EEEYYESS !. en el que Lewis ha reunido una banda de jóvenes emergente en 1996: Seamus Blake, saxofón, el trompetista Terell Stafford, que también tocó con Horizon; Stephen Scott en el piano y Ed Howard en el bajo completan la sección rítmica. Victor Lewis “Eeeyyess !” – Brooklyn, NY, July 21 & 22, 1996 Eeeyyess !, Buttercups, Here’s to…you babe Terell Stafford (tp,flhrn) Seamus Blake (ts,sop) Stephen Scott (p) Ed Howard (b) Victor Lewis (d,vcl) Don Alias (perc) Roberto Barahona Los Angeles, California

BENNY GOODMAN Benny Goodman aprovechó algunas oportunidades estilísticas durante sus11 años con Capitol. Escuchó atentamente el bebop durante este tiempo, sin alterar su propia ejecución basada en el swing, pero dentro de un marco de bop. También tocó swing tradicional en varios grupos pequeños. Las sesiones de este álbum de cuatro discos de Mosaic muestran a Goodman mezclando y combinando estilos, conservando el suyo propio y su visión, y finalmente optando por volver a la música que le hacía sentir más cómodo componiendo y tocando: el swing. Benny Goodman The Complete Capitol Small Group Recordings Of Benny Goodman 1944 – 1955: Hollywood, March 28, 1947 The bannister slide, Eight, nine and ten, I never knew Benny Goodman (cl), Tommy Todd (p) Dave Barbour (g), Peggy Lee (vcl Los Angeles, April 17, 1947 Benny’s boogie Benny Goodman (cl) Ernie Felice (accor-1) Jimmy Rowles (p) Al Hendrickson (g-2) Harry Babasin (b) Tommy Romersa (d) RANDY WESTON & BILLY HARPER La asociación de Randy Weston y Billy Harper se remonta a la primera gira extendida de Randy por Europa. Esta colaboración musical se basa tanto en su mutuo amor por los tonos más oscuros de sus respectivos instrumentos como en su amor por los blues. Su primera colaboración registrada fue durante una actuación de Weston el 5 de julio de 1974 en el Montreux Jazz Festival, donde también contó con Gil Evans y el Art Ensemble of Chicago. De la banda de Gil, Randy se invitó a Billy Harper para aumentar su trío, e hizo lo mismo con el baterista de AEC Don Moye. El resultado fue publicado en la etiqueta Freedom y posteriormente reeditado por Arista Records. $0 años después siguen cooperando, esta vez en “The Roots of the Blues” Randy Weston / Billy Harper “The Roots of the Blues” – New York, February 8 & 9, 2013 Carnival, Blues to Senegal, Berkshire blues, Body and soul Billy Harper (ts) Randy Weston (p) STEVE TURRE El trombonista Steve Turre sigue la escuela más melódica dentro de los trombonistas, de la cual la élite incluye a Curtis Fuller y J.J. Johnson. El CD Colors for the Masters es fácilmente uno de los mejores lanzamientos de Turre en años. Ha reunido a un grupo ilustre compuesto por maestros legendarios: el pianista Kenny Barron tiene esa combinación perfecta de fuego y gracia melódica. Y el pulso de Ron Carter es inigualable, de hecho, Turre sagazmente le permite al maestro tomar una buena parte de sus propios espacios como solista. Luego está Jimmy Cobb, todavía con un swing de miedo con 87 años. Steve Turre “Colors For The Masters” – New York, February 25, 2016 Taylor made, Quietude, Colors for the masters, United Steve Turre (tb) Javon Jackson (ts-1) Kenny Barron (p) Ron Carter (b) Jimmy Cobb (d) Roberto Barahona Los Angeles, California

Sinfonia (1996) LENsemble / Vykintas Baltakas (3.25) Pasaka (1995-97) Benjamin Kobler (8.45) Poussla (2002/2006) Sinfónica SWR Baden-Baden Freiburg / Johannes Kalitzke (14.50) Ri (2007) Rita Balta (9.20) Saxordionphonics (2013) Marcus Weiss, Teodoro Anzellotti, Sinfónica WDR Colonia / Emilio Pomarico Presentamos un disco del sello Kairos editado en 2016 y dedicado a Vikintas Baltakas. Este compositor lituano nació en 1972 y se trasladó a Alemania en 1993 para completar su formación con Wolfgang Rihm, Andreas Weiss y Peter Eötvös. Poco después logra sus primeros premios y recibe encargos de la Radio de Colonia y la Bienal de München. Con una miniatura de 1996, titulada Sinfonia, Baltakas se desligó por completo de su herencia lituana con una música cáustica que se burló de la música tradicional de su país inspirada en danzas y melodías folclóricas. Sinfonia es interpretada por el Lituanian Ensemble Netword que dirige Baltakas. La nueva estética de Baltakas continuó con Pasaka (Cuento de Hadas), una partitura de 1997 donde el pianista tiene que tocar el instrumento y narrar de manera simultánea la versión mitológica india de la creación del mundo. Esta mirada musical irónica y absurda de una historia real posee dos versiones, una para piano con electrónica y otra para piano solo, las que derivan del mismo material musical pero conducen a diferentes expresiones dramatúrgicas. Tenemos las dos versiones de Pasaka a cargo del pianista Benjamin Kobler. Sigamos con la obra orquestal titulada Poussla de 2006 que se basa en una partitura para ensamble llamada Pusline de 2000. La música se desarrolla de manera no lineal y los siete instrumentos de Pusline se convierten en solistas en Poussla. Poussla es interpretada por la Sinfónica de la Radio de Freiburg y Baden-Baden dirigida por Johannes Kalitzke. Baltakas inició en 2004 una expansión “genealógica” con un ciclo de obras. La primera se llamó Outoboros y de esta partitura surgió el germen para (co)ro(na), mientras que RiRo generó Ri, Redditio y Redditio 2. Ri fue escrita en 2007 y se enfoca en la extensión de la voz a través de la electrónica. El título alude a la soprano Rita Balta, quien no sólo estrenó Ri, sino también RiRo para voz y trompeta y la ópera Cantio de 2004. Rita Balta también grabó Ri. La partitura más reciente en este disco es Saxordionphonics para acordeón, saxofón y orquesta, escrita en 2013 y donde el sonido resultante de las articulaciones y los colores específicos del saxofón y el acordeón es reforzado y extendido por la orquesta. Interpretan Teodoro Anzellotti, Marcus Weiss y la Sinfónica de la Radio de Colonia que dirige Emilio Pomarico.

En 1978, durante dos días, Muse Records documentó una jam session completa con los saxos tenor Arnett Cobb y Buddy Tate, el altoist Eddie “Cleanhead” Vinson, el pianista Ray Bryant, el bajista George Duvivier y el baterista Alan Dawson. Seis registros resultaron, dos cada uno encabezado por los tres saxofonistas. En este primer LP, (a excepción de “Broadway” ha sido reeditado en CD), Cobb participa en cuatro seleccioness con el trío antes de dar la bienvenida a sus compañeros saxofonistas. Arnett Cobb / Buddy Tate “Live at Sandy’s Jazz Revival”, Beverly, MA, Aug 25 & 26 1978 Blues for Lester Arnett Cobb / Buddy Tate (ts-) Ray Bryant (p) George Duvivier (b) Alan Dawson (d) EDDIE COSTA Eddie Costa fue más conocido por su trabajo como vibrafonista que como pianista durante su breve carrera. En su último álbum como líder, aparece exclusivamente en piano, junto al bajista Wendell Marshall y al baterista Paul Motian. Su versión de “The House of Blue Lights” de Gigi Gryce tiene un tono oscuro en general, muy percusivo a veces y, a menudo, incorpora frases rápidas. Su “My Funny Valentine” es bastante temperamental, como si la separación entre amantes pareciera ser inminente. Marshall y Motian le brindan un gran apoyo durante estas sesiones experimentales. Eddie Costa “The House Of Blue Lights” – New York, January 29 & February 2, 1959 The house of blue lights, My funny Valentine Eddie Costa (p) Wendell Marshall (b) Paul Motian (d) MARY HALVORSON – RON MILES – GREG SAUNIER A pesar que este LP se titula “Great American Songbook” El Gran Cancionero de Musica Popular Norte Americana, no incluye canciones que muchos seguidores del jazz puedan conocer. La pista más omnipresente es “Luke and Leia (From Return of The Jedi)”.[la banda] no optó por eligir Feliz cumpleaños o We Will Rock You o cualquier canción que sea la más solicitada en el karaoke. En vez de eso, optaron por una lista surrealista de favoritos. El trío se dio a sí mismo una satisfacción perversa eligiendo joyas poco apreciadas, comenta el baterista Greg Saunier. Estas incluyen canciones como (“Little Pad”) de los Beach Boys, y de Elliot Smith (“Everything Means Nothing to Me / Last Call”). Y una colaboración de Duke Ellington / Billy Strayhorn en “Day Dream”. Cuesta creer que esta sea la primera vez que Halvorson y Miles trabajan con Saunier. La banda brilla durante los 40 minutos del LP, adoptando con gran éxito una amplia gama estilística de composiciones. Mary Halvorson – Ron Miles – Greg Saunier “New American Songbooks- Volume 1” 2017 Luke and Leia, Snow Morning, Everything Means Nothing To Me-Last Call, Day Dream, Little Pad (The Beach Boys)-Caught In The Game (Survivor)-Kitty Kat (Empress Of) Mary Halvorson, g – Ron Miles, t – Greg Saunier, dr.

El pianista Don Pullen fue uno de los primeros de la vanguardia del jazz en tocar en los estilos postbop y libre improvisación. Esta doble personalidad musical surgió de la experiencia de ser organista de R & B y a la vez miembro del grupo de Charles Mingus. Al igual que Mingus, Pullen encontró una forma de incorporar partes aparentemente caóticas en un todo fluido. Pullen grabó la sesión que escucharemos con un quinteto estelar compuesto por el saxo alto Donald Harrison, el trompetista Olu Dara, el bajista Fred Hopkins y el baterista Bobby Battle. El disco presenta cinco temas de bop-free jazz muy originales. Inspirado por la calidad del piano de Pullen, los solistas aportan contribuciones sorprendentes. Don Pullen “The Sixth Sense” – New York, June 12 & 13, 1985 The sixth sense, Tales from the bright side Olu Dara (tp) Donald Harrison (as) Don Pullen (p) Fred Hopkins (b) Bobby Battle (d) SHIRLEY HORN Cuando la vocalista / pianista Shirley Horn resurgió en 1987 después de un largo tiempo alejada del jazz, el mundo del jazz descubrió lo que muchos de sus seguidores sabían: que Horn era un gran talento y una de las grandes cantantes de jazz que seguía los pasos de leyendas como Sarah Vaughan y Billie Holiday. En sus discos y actuaciones, Horn nunca deslumbra con una técnica impecable o impresionantes trucos vocales. En cambio, cautiva al oyente con su entrega íntima y su poder emocional subestimado pero casi visceral. “But Beautiful: Lo mejor de Shirley Horn” es una compilación de algunos de sus mejores momentos, incluido “You Won’t Forget Me” que presenta a Miles Davis en trompeta, y quizás la mejor versión de “Fever” desde la de Peggy Lee de 1956. Shirley Horn “But Beautiful: The Best of Shirley Horn” – New York City 1986, 1990, & 1995 You won’t forget me (1), Fever, I didn’t know what time it was (2) Shirley Horn (p,vcl) Charles Ables (g) Steve Williams (d) Miles Davis (tp) (1) Frank Wess (ts,fl) (2) BOB ROCKWELL Bob Rockwel, obtiene un potente sonido de su saxo tenor; se crió en Minneapolis. En el inicio de su carrera realizó giras por Estados Unidos en varias bandas de rock y rhythm and blues. A mediados de la década de 1970, tocó con The Thad Jones / Mel Lewis Orchestra, Freddie Hubbard, Tom Harrell, entre otros. Vive en Copenhague desde 1983, donde ha lanzado una gran cantidad de álbumes para SteepleChase Records. Rob Rockwell “The Bob Rockwell Trio” – New York, January 7, 1989 Prisoner of love, So in love Bob Rockwell (ts,sop) Rufus Reid (b) Victor Lewis (d) Roberto Barahona Los Angeles, California

Lulú (1929-35), primer acto Teresa Stratas, Yvonne Minton, otros cantantes y Orquesta de la Ópera de París / Pierre Boulez (61.30) Seguimos una semana en Siglo XXI dedicada a Alban Berg y hoy iniciamos la audición de la ópera Lulú que se estrena este miércoles en el Teatro Municipal de Santiago. Berg se interesó en el contenido dramático y literario de Lulú mucho antes de asistir a la primera representación de Wozzeck en Viena en 1914. Mientras esta ópera fue resultado del impacto inmediato provocado por el drama de Büchner y los años de la guerra, Lulú emergió entre los gustos literarios, los conceptos sociales y las vivencias formadoras en la adolescencia y la juventud del compositor. Berg había conocido las obras “El espíritu de la tierra” y “La caja de Pandora” de Franz Wedekind alrededor de 1905 y comenzó a escribir un único libreto basado en ambas dos décadas después. Si bien tuvo que condensar drásticamente y clarificar el texto, pero sin perder la esencia del lenguaje de Wedekind, el músico obtuvo una obra más coherente y profunda, compleja pero menos complicada y dramáticamente mucho más efectiva. Con una música que contrapone amargura y alucinación con lirismo, como si intentando rescatar la figura trágica y casi diabólica de Lulú, la obra alude a la servidumbre sexual, el erotismo, la sensualidad y la degradación de los instintos. Ya en el prólogo, que tiene lugar en un circo, se exhibe una serie de animales y al final se presenta al más peligroso de todos, la mujer, cuya encarnación más pura es Lulú. Esa corruptora de hombres conduce a la vergüenza, la humillación y la muerte a quienes sucumben al encanto de su cuerpo y llegan a sacrificar por ella honor, dinero, seguridad, felicidad y la vida. Lulú fue sacada de las calles por Schön y convertida en su amante, a pesar de que ahora está casada con un rico anciano. Pero ella también seduce a un pintor y cuando el anciano muere, después de sorprenderlos, contrae matrimonio con el pintor. Cuando Schön reaparece para despedirse de Lulú, porque contraerá matrimonio con una noble, ellos discuten violentamente, llega el pintor, se entera de la vida que ha llevado la ex prostituta y termina suicidándose. Cambia la escena y Lulú se ha convertido en prima ballerina. En pleno espectáculo se desmaya y a su camarín llega Schön. Ella reconoció a la prometida de éste, lo chantajea y obliga a romper su compromiso. En este primer acto de Lulú aparecen la soprano Teresa Stratas como Lulú, los barítonos Toni Blankenheim como Anciano y Franz Mazura como Schön, los tenores Robert Tear como Pintor y Kenneth Riegel como Alwa, otros cantantes y la orquesta de la Ópera de París bajo la dirección general de Pierre Boulez. ARTÍCULOS DESTACADOS NOTICIAS Celebremos el centenario de Leonard Bernstein Aprendiendo música con Paolo Bortolameolli: ¡La entrada es liberada! Camerata U Andes estrena obra de Sebastian Vergara: ¡Tenemos invitaciones dobles! Orquesta Clásica USACH celebra sus 36 años: ¡La entrada es liberada! Cinco de cinco: Víctor Alarcón será el primero en interpretar la integral de las Cantatas de Bach

Agustín Barrios Mangoré – Cuatro Piezas (Fernando González Alvarado) Ronaldo Miranda – Appasionata (Patricio Araya) Toru Takemitsu – In the Woods (Patricio Araya) Stephen Goss – The Chinese Garden (Xuefei Yang)

Octavio Hasbún presenta un programa con obras basadas en “La Folia” de Antonio de Cabezon, Diego Ortiz, Juan del Enzina, Antonio Martín y Coll, Arcangelo Corelli y Marin Marais. Interpretan Jordi Savall en violas da gamba, Rolf Lislevand en vihuela, guitarra y teorba, Michael Behringer en clavecín y órgano, Arianna Savall en arpa, Bruno Cocset en viola baja, Pedro Estevan en percusión y Adela Gonzalez-Campa en castañuelas y cascabeles.

Lulú (1929-35), segundo acto Teresa Stratas, Yvonne Minton, otros cantantes y Orquesta de la Ópera de París / Pierre Boulez (53.50) Continuamos con una semana en torno a Alban Berg y su ópera Lulú. Lulú representó la culminación de las preocupaciones técnicas y estructurales de Berg y el ingenioso “anudamiento” de requerimientos dramáticos y musicales ya desplegado en Wozzeck fue llevado a un nivel mayor. Lulú fue la primera ópera dodecafónica, al igual que Wozzeck había sido la primera ópera atonal completa, y toda la música nace de una serie de doce notas básica que genera una cantidad de series derivadas. La serie básica se desplaza por la partitura y opera de manera independiente a los roles y sus derivaciones originan leitmotifs ligados a personajes e ideas del texto. Es un sistema intrincado de capas simultáneas, donde, por un lado, hay números como arias, conjuntos o cavatinas, claramente identificados por Berg en la obra, y por el otro, una forma única a gran escala sobre la cual se construye cada acto. De este modo, el primer acto en forma sonata asocia los intentos de Schön para liberarse de Lulú con exposición y primera repetición o desarrollo y recapitulación. El segundo es un rondó asociado a las declaraciones de amor de Alwa hacia Lulú y el tercero contiene una serie de variaciones sobre una canción de cabaret del mismo Wedekind que retratan el descenso de Lulú a la prostitución. En un nivel estructural más elevado aparece la relación simétrica a gran escala entre dos mitades, cuyo punto de inflexión está dado por el interludio en que se proyecta un filme mudo entre las dos escenas del segundo acto. Construido como palíndromo musical, ese interludio también marca el giro en la carrera de Lulú y comienza a descender hacia un mundo de pesadilla. En el segundo acto, Lulú ha logrado convertirse en esposa de Schön, pero éste se gunde en la vergüenza y los celos, al espiar y descubrir las numerosas relaciones de la mujer y otros hombres, desde viejos lujurisosos hasta jóvenes estudiantes, incluyendo al criado, el hijo del mismo doctor y una lesbiana, la condesa Geschwitz. En una discusión Schön entrega un revólver a Lulú y ella, en vez de suicidarse, asesina a su marido. En la proyección cinematográfica aparece el juicio, encarcelamiento y envío de Lulú al hospital porque la condesa le contagió el cólera. Pero es la misma condesa quien ayuda a su escape, claro que cuando vuelve con sus amigos, Lulú es abandonada por estar muy vieja y enferma. Solamente Alwa la acoge, vende el periódico de su padre Schön y con el dinero lleva a Lulú a la frontera. En el segundo acto actúan la soprano Teresa Stratas como Lulú, el tenor Kenneth Riegel como Alwa, el barítono Franz Mazura como Schön, la mezzosoprano Yvonne Minton y otros cantantes junto a la orquesta de la Ópera de París que dirige Pierre Boulez.

Lulú (1929-35), tercer acto (completado por Friedrich Cerha) Teresa Stratas, Yvonne Minton, otros cantantes y Orquesta de la Ópera de París / Pierre Boulez (56.00) Estamos presentando una semana dedicada a Alban Berg y sus obras en torno a la ópera Lulú. Con la excepción de los dos meses en el verano de 1929, que ocupó para componer Der Wein, Berg trabajo en Lulú desde mediados de 1928 hasta la primavera de 1934, época en que completó la partitura abreviada de la ópera. Entonces comenzó la orquestación y lo primero que hizo fue preparar una suite de concierto. Después fue instrumentando en orden e hizo una pausa en el verano de 1935 para escribir un concierto para violín. Cuando terminó el concierto, Berg sufrió la picada de un insecto, ésta se infectó y causó su muerte en diciembre de 1935. Los dos actos orquestados se estrenaron en Zürich dos años más tarde y así se presentó la ópera por cuatro décadas, porque la viuda de Berg no quiso que fuera completada. Sólo después del fallecimiento de Helene, el tercer acto fue orquestado brillantemente por Friedrich Cerha y la ópera se escuchó completa en 1979. Al comienzo del tercer acto, Lulú ofrece una gran fiesta en su casa en París, pero decide huir agobiada por dos chantajistas, la inminente llegada de la policía que la busca por el asesinato de Schön y la reciente pérdida de todo su dinero. En la siguiente escena, Lulú vive en Londres y es prostituta, recibe a tres clientes y el último es Jack el destripador, quien la asesina y luego mata a la condesa. Un aspecto único en Lulú, y que responde a una de las tantas simetrías de la ópera, es la reaparición de los mismos cantantes en roles distintos, siendo los más importantes estos tres clientes de Lulú en la escena final que corresponden a sus tres maridos del inicio y, de hecho, Schön vuelve como Jack el destripador. Otros personajes también se doblan y esto no sólo afecta la estructura musical sino también el significado dramático. Además de simbolizar “la venganza de un mundo de hombres por su propia culpa”, este doblaje provoca un balance entre aquellos personajes que habitan ese mundo burgués, y aparentemente respetable, de la primera mitad de la obra, con los habitantes sombríos de mundo “más bajos” descritos en el acto final. La hipocresía sexual, que es el tema sobre el cual pone atención la obra, adquiere así un significado moral y social más amplio. Actúan en el tercer acto, la soprano Teresa Stratas como Lulu, la mezzosoprano Yvonne Minton como la condesa Geschwitz, el tenor Kenneth Riegel como Alwa y los barítonos Toni Blankenheim y Franz Mazura como Jack, otros cantantes y la orquesta de la Ópera de París dirigidos por Pierre Boulez.