Programas musicales 5h51i

ANAT FORT El segundo proyecto para ECM de Anat Fort sigue las líneas espirituales y meditativas de su primera grabación, A Long Story. Aquí la pianista israelí usa formas temáticas más cortas que se deslizan suavemente hacia sus conclusiones, bellamente elaboradas con tonos claros. El trío, que lo componen Gary Wang (bajo), y Roland Schneider (batería), se abre paso a través de composiciones originales relativamente concisas con serenidad firmemente en su lugar. El piano de Fort tiende a inclinarse hacia frases pasivas que envuelven el corazón. También se escuchan sonidos de himnos y folclóricos, que incluyen homenajes al legendario baterista Paul Motian. Anat Fort “And If” – Oslo, Norway, February, 2009 Paul Motian (#1), Clouds moving, Lanesboro, Minnesota Anat Fort (p) Gary Wang (b) Roland Schneider (d) IRVIN STOKES Esta grabación le da un merecido reconocimiento a Irvin Stokes, el excelente trompetista de jazz, que está en su mejor momento. En sus setenta años, solo mejora con la edad. Sus solos tienen sentido, transmiten pasión y están bien situados sobre un buen conocimiento armónico. Su actuación ha sido aclamada por su colega, el fallecido Doc Cheatham, y si Doc era el Eubie Blake de finales del siglo XX, entonces tal vez Irvin Stokes sea el Doc Cheatham del siglo XXI. Suena bastante joven a lo largo de la relajada sesión, al igual que el subestimado pianista Lloyd Mayers, el bajista Earl May (quien grabó con John Coltrane en 1957) y el baterista Eddie Locke, un veterano de los años 50. Estas son magníficas interpretaciones que nos centran centran en el casi olvidado Irvin Stokes. Irvin Stokes “Just Friends” – New York, December 4 & 5, 1997 Blues for Dew, Sweet Lorraine Irvin Stokes (tp) Lloyd Mayers (p) Earl May (b) Eddie Locke (d) CECIL BRIDGEWATER Un trompetista talentoso y confiable por tanto tiempo que es sorprendente la poca cantidad de sesiones que ha dirigido a través de los años. En los años 70 tocó con Horace Silver, Thad Jones y Mel Lewis de 1970 a 1976. También estuvo en el cuarteto de Max Roach, una asociación de décadas. Además de participar en los grupos de Dizzy Gillespie, Art Blakey, Randy Weston, Joe Henderson y Sam Rivers. En esta fecha de hard bop moderno, Bridgewater reproduce un par de canciones que escribió para una suite en honor a Cannonball Adderley. La canción que le da título al disco, “Mean What You Say,” fue escrita por Thad Jones. Cecil Bridgewater “Mean What You Say” – New York, September 29, 1997 In the open, Like an old song (vr vcl), Cheeka’s dance Cecil Bridgewater (tp,flhrn-1) Ronald Bridgewater (ts) Mulgrew Miller (p) Kenny Davis (b) Billy Hart (d) Vanessa Rubin (vcl) Roberto Barahona Los Angeles, California

Suite Lulú (1934) para voz y orquesta Juliane Banse, Filarmónica Viena / Claudio Abbado (32.20) A la Memoria de un Ángel (1935), concierto para violín y orquesta Isabelle Faust, Orquesta Mozart / Claudio Abbado (28.00) Completamos una semana dedicada a Alban Berg y su ópera Lulú. Aunque Berg completó la partitura abreviada de Lulú en la primavera de 1934, una serie de circunstancias retrasaron y eventualmente truncaron la orquestación. El poder ganado por los nazis condujo a la exclusión de Wozzeck de los teatros germanos y la expulsión de los músicos judíos de cargos cívicos, entre ellos Schoenberg, quien era profesor en la Academia de Arte de Berlín desde 1925. Berg tenía la esperanza de que Kleiber dirigiera el estreno de Lulú en Berlín tal como lo hiciera con Wozzeck, pero por el momento sería imposible presentarla en Alemania. No obstante, seguía contando con Kleiber para la primera audición de la suite sinfónica que había preparado para promover la nueva ópera, lo que tuvo lugar el 30 de noviembre de 1934, cuatro días antes de que Kleiber renunciara a su cargo en Berlín. Con sus secciones Rondo, Ostinato, Lied der Lulu, Variaciones y Adagio, la Suite Lulú la interpretan la soprano Juliane Banse, la Filarmónica de Viena y Claudio Abbado. Otra interrupción en la orquestación de Lulú se produjo en la primera mitad de 1935 tras el encargo que Berg recibió del violinista estadounidense Louis Krasner. Inició entonces la composición de un concierto, pero el estímulo artístico y emocional definitivo para la partitura lo provocó la muerte de Manon, la hija de dieciocho años de Walter Gropius y Alma Mahler. Sin saberlo, este concierto sería también el epitafio de Berg, ya que unos meses después de completarlo, y mientras trabajaba en la orquestación del tercer acto de Lulú, murió en un hospital vienés a causa de una septicemia. En la madrugada del 24 de diciembre dejó de existir a los cincuenta años de edad y sin poder terminar la ópera ni escuchar su obra final. Subtitulado “a la memoria de un ángel”, el concierto tiene un patrón simétrico, en cuatro movimientos agrupados en dos pares, y un programa extramusical “público”, que retrata a la joven Manon, su inminente catástrofe, muerte y transfiguración. Pero también posee un contenido “privado”, según algunos estudiosos, que evocaría las relaciones amorosas de Berg con una criada, y de la cual nació una hija ilegítima, y con Hanna Fuchs. Con sus partes andante, allegretto, allegro y adagio, este Concierto “A la memoria de un ángel” es interpretado por Isabelle Faust en violín y la Orquesta Mozart. Dirige Claudio Abbado.

Dos producciones de Charito Acuña y su Coro de Colores. Dos producciones de Charito Acuña y su Coro de Colores. Dos producciones de Charito Acuña y su Coro de Colores.

El don del baterista Ed Thigpen fue ampliamente reconocido durante los seis años que estuvo en el trío de Oscar Peterson junto al sobresaliente bajista Ray Brown. Thigpen dejó el trío en 1965 y aunque grabó un álbum para Verve como líder durante ese período, se mantuvo más activo como baterista de primera convocatoria para varias bandas de bebop. En 1965, se unió al grupo de Ella Fitzgerald y actuó con ella hasta 1972, cuando estableció residencia en Copenhague, donde permaneció hasta su muerte. Thigpen inició el grupo Rhythm Features en 1998; la segunda grabación de la banda, en un concierto de 2001 en el Copenhagen Jazzhouse, incluye un invitado especial, en saxo tenor el gran Joe Lovano. Con cada miembro del cuarteto aporta composiciones originales, junto con un par de standards de la época. Ed Thigpen “The Element of Swing” – Live “Copenhagen Jazzhouse”, Copenhagen, Denmark, October 1 & 2, 2001 ETP, Hello Joe Joe Lovano (ts,sop) Carsten Dahl (p) Jesper Bodilsen (b) Ed Thigpen (d) DAVID GILMORE En su debut como líder para el sello Criss Cross “Transitions”, el guitarrista David Gilmore rinde homenaje a los recientemente fallecidos maestros: el vibrafonista Bobby Hutcherson, Toots Thielemans, Victor Bailey y el legendario trompetista Woody Shaw. Durante su carrera ha servido en las bandas de Wayne Shorter, Don Byron, Greg Osby, Steve Coleman y el grupo de fusión experimental Lost Tribe. Se le unen en impecables unísonos el saxofonista Mark Shim y el vibrafonista Bill Wareed. El resto del grupo lo completan el pianista Victor Gould, Carlo DeRosa en contrabajo y E.J. Strickland batería. La selección del material de Gilmore es bastante variada: un par de temas originales y desafiantes composiciones de varios clásicos post-bop: de Woody Shaw dos de Bobby Hutcherson. David Gilmore “Transitions” – Brooklyn, NY, September 19, 2016 Blues Mind Matter, Farralone (1) David Gilmore, guitar; Mark Shim, tenor saxophone; Victor Gould, piano; Carlo DeRosa, bass; E.J. Stickland, drums; Bill Ware, vibraphone (1). ARI AMBROSE & STEPHEN RILEY Tanto Ari Ambrose como Stephen Riley han grabado separadamente, esta es la primera sesión de ellos juntos en la que emulan muchas de esas reuniones de dos tenores a lo largo de la historia moderna del jazz. Con el bajista Jay Anderson y el baterista Matt Wilson, seleccionaron una mezcla de estándares y composiciones familiares de jazz. El blues “Tenor Madness” de Sonny Rollins es un excelente punto de partida, ya que presenta a todos los músicos y estimula el trabajo en equipo y un punto destacado es el diálogo de “Let’s Cool One” de Thelonious Monk. Ari Ambrose / Stephen Riley “Tenor Treats” – New York, March, 2008 Tenor madness, Let’s cool one Ari Ambrose, Stephen Riley (ts) Jay Anderson (b) Matt Wilson (d) Roberto Barahona Los Angeles, California

Durante un tiempo a mediados de los años 50, Zoot Sims ocasionalmente también tocó el saxo alto, aunque pronto optó por el tenor de forma exclusiva, con el que tenía una personalidad musical más fuerte. En la reedición en CD del LP de 1956 Zoot !, Sims toca el alto en dos de las siete pistas. El pianista George Handy, quien contribuyó con cuatro originales e hizo todos los arreglos, es sin duda el músico clave de apoyo; el bajista Wilbur Ware y el baterista Ossie Johnson proporcionan un discreto apoyo. Aunque los arreglos de Handy son un tanto modernos, esta es una sesión melódica y de gran swing. Zoot Sims “Zoot” – Chicago, October 12, 1956 9:20 special, The blue room, Bohemia after dark (1), That old feeling Zoot Sims (ts,as1) John Williams (p) Nabil “Knobby” Totah (b) Gus Johnson (d) KEVIN BRADY El trío transatlántico del baterista / compositor Kevin Brady, con Bill Carrothers en piano y Dave Redmond en contrabajo, se unieron por primera vez en 2006. Ensam es la tercera salida del grupo. Brady, que escribió todas las canciones, deja mucho espacio para que sus colegas exploren dentro del marco de estas sutilmente hipnóticas composiciones. A pesar que los del trío de Brady se mantienen involucrados en una cantidad de proyectos y además de estar divididos por el Océano Atlántico, este combo continuará, como lo ha hecho durante diez años, con reuniones ocasionales. Kevin Brady “Ensam”, Dublin, Ireland, December, 2016 Checkpoint Charlie; Ensam; Yoopers Kevin Brady: drums; Bill Carrothers: piano; Dave Redmond: bass. DAYNA STEPHENS Saxo tenor que creció en la Bahia San Francisco, hace su auspicioso debut en el sello de Criss Cross con Today Is Tomorrow: una colección de originales y clásicos del jazz que incluyen desde Skylark de Hoagy Carmichael a Black Narcissus de Joe Henderson. Stevens se graduó el 2003 del Thelonious Monk Institute, luego después tuvo la oportunidad de trabajar con artistas del tenor de Dave Holland, Wayne Shorter y Herbie Hancock. Más recientemente, Dayna ha aparecido con artistas como Carlos Santana, Kenny Barron, Terence Blanchard, Gretchen Parlato y muchos otros. Se unen a Stephens en Today Is Tomorrow un elenco estelar, Aaron Parks en el piano, Kiyoshi Kitagawa en el bajo y Donald Edwards en la batería. Con Julian Lage en la guitarra y Michael Rodriguez, en trompeta como invitados. Dayna Stephens “Today Is Tomorrow” – Brooklyn, NY, October 27, 2011 Skylark, Kwooked Stweet (1), Black narcissus (1,2) Michael Rodriguez (tp-1,flhrn-1) Dayna Stephens (ts) Raffi Garabedian (ts-3) Aaron Parks (p) Julian Lage (g-2) Kiyoshi Kitagawa (b) Donald Edwards (d) Roberto Barahona Los Angeles, California

You Are (Variations) (2004) Coro y Sinfónica Radio Leipzig / Kristjan Järvi (27.00) Daniel Variations (2006) Coro y Sinfónica Radio Leipzig / Kristjan Järvi (28.10) Presentamos un disco editado en 2016 por Sony Classical, con música de Steve Reich dirigida por Kristjan Järvi. Comenzamos con una obra de 2004 que marcó el retorno del compositor estadounidense a la música coral después de terminar su segunda ópera Three Tales. Combina textos del salmo XVI, Nachman de Breslov, Ludwig Wittgenstein y el Talmud sobre la existencia. La partitura evoca las armonías oscuras y cromáticas de Tehillim y Desert Music. Se titula You Are (Variations) y fue grabada por el Coro y la Sinfónica de la Radio de Leipzig. Sigamos con otra obra contenida en este disco doble editado en 2016 por Sony Classical con música de Steve Reich. Se trata de la versión sinfónico-coral de Daniel Variations, obra escrita originalmente en 2006 en memoria de Daniel Pearl, un periodista del Wall Street Journal que fue raptado y asesinado en Pakistán en 2002. El primer y tercer movimientos emplean textos de la Biblia que recogen el diálogo entre el profeta Daniel y el rey Nabucodonosor sobre la interpretación de un aterrador sueño, mientras que el segundo y cuarto usan palabras del periodista asesinado, unas emitidas en el video grabado en su cautiverio y otras dichas a un amigo antes de viajar a Asia. Los movimientos se titulan I saw a dream, My name is Daniel Pearl, Let the dream fall back on the dreaded y I sure hope Daniel likes my music, when the day is done.

Dirty Angel (2010) Deutsches Symphonie-Orchester Berlin / Susanna Mälkki (10.00) Khul (2010) Cuarteto Arditti (8.35) Wegda! (2011) Ruth Rosenfeld, Österreichisches Ensemble für Neue Musik / Titus Engel (10.10) Schöne Worte (2007) Hsin-Huei Huang, Irvine Arditti, Ralf Ehlers, Lucas Fels (10.25) Lovely Monster (2009) ORF Radio-Symphonieorchester Wien / Peter Eötvös (10.00) Presentamos obras de Bernhard Gander incluidas en el disco “Monsters and Angels” editado en 2012 por el sello Kairos. El tirolés Bernhard Gander nació en Lienz en 1969 y estudió en Innsbruck, Graz y París con maestros como Beat Furrer, Julio Estrada y Curtis Roads. Ha ganado los premios de composición Erste Bank en 2006 y Ernst Krenek en 2012, participado en los festivales de Donaueschinger, Wien Modern y Musikprotokoll y sus obras han sido estrenadas por Klangforum Wien, Ensemble Modern, Cuarteto Arditti y Neue Vocalsolisten Stuttgart. Comenzamos con una obra de 2010 titulada Dirty Angel. Se inspira en el Apocalipsis de San Juan y está gobernada por el número siete, aludiendo a los siete ángeles y las siete trompetas del texto. Acordeón y flugelhorn solistas representan las alas del ángel y sus intentos por emprender el vuelo, intentos que la orquesta interrumpe hasta que el ángel logra coordinar el movimiento de sus alas y elevarse. Dirty Angel fue grabada en 2010 por la Deutsches Symphonie-Orchester Berlin dirigida por Susanna Mälkki con Krassimir Sterev en acordeón y Anders Nyqvist en flugelhorn. Continuamos con Khul, una obra para cuarteto de cuerdas compuesta en 2010. El título deriva de Hulk, el antihéroe de los comics, y la música intenta representar movimientos, estados mentales y acciones del perturbado personaje. Las secuencias sonoras contienen numerosas indicaciones verbales escritas en la partitura para que los intérpretes puedan entender las ideas musicales con mayor claridad. Khul fue grabada en 2011 por el Cuarteto Arditti. Sigamos con la partitura de 2011 titulada Wegda! (fuera de aquí). La palabra propone un juego fonético con el apellido de María Fekter, ministra del interior austriaca cuyas duras políticas sobre los refugiados y la inmigración inspiraron a Gander a componer la obra. El texto proviene de distintos foros de internet, comentarios, entrevistas y citas de la prensa sobre aquellas políticas. Wegda se divide en cuatro secciones, cada una de las cuales es introducida por un gong. Las primeras tres comienzan con textos hablados provenientes de aquellas fuentes. Cada una termina con fragmentos cantados tomados de comentarios de la ex ministra. Y la cuarta y última sección revela a la política como un monstruo a pesar de que repite varias veces “no soy un monstruo”. Wegda fue grabada en 2011 por la soprano Ruth Rosenfeld y el Österreichisches Ensemble für Neue Musik dirigido por Titus Engel. Este disco también incluye Schöne Worte (palabras bonitas), una partitura de 2007 que Gander compuso a partir de la rabia que tenía con una construcción vecina a su casa y su experiencia con el rap. La primera sección revela el intento por encontrar quietud y paz en medio del ruido, la segunda transfiere un texto ficticio a la escritura instrumental siguiendo el flujo típico de los raperos, mientras que la tercera y final es un melancólico y quizás resignado canto del cisne. Schöne Worte fue grabada en 2011 por Hsin-Huei Huang en piano, Irvine Arditti en violín, Ralf Ehlers en viola y Lucas Fels en cello. Completamos este programa con Lovely Monster. Data de 2009, explora la manera en que los cuerpos de los monstruos y sus sonidos son representados, así como se basa en textos de dos canciones de Iron Maiden. Del comienzo de Number of the Beast, que parafrasea dos pasajes del Apocalipsis, Gander transfiere el ritmo en láminas de metal y lo coloca como epígrafe al inicio de la primera sección de la partitura. Mientras la segunda sección de Lovely Monster se abre con el inicio de la canción The Prisoner, la tercera sección no se basa en un texto concreto, y en esta parte final de la obra emergen dos monstruos, uno femenino y uno masculino, caracterizados por ritmos distintos. Intentan encontrarse y la lucha inicial entre los dos se convierte en un ritual de cortejo y la mezcla final de sus dos personalidades rítmicas. Lovely Monster fue grabada en 2009 por la ORF Radio-Symphonieorchester Wien dirigida por Peter Eötvös.

Programa radial sobre el maestro Aaron Copland. Radio Beethoven