Los Vinilos de Barbarella 1e4x6r

Oliver Taylor Hawkins (17 de febrero de 1972 - 25 de marzo de 2022) fue un músico estadounidense, ampliamente conocido como el baterista de la banda de rock Foo Fighters, con quien grabó nueve álbumes de estudio entre 1999 y 2021. Antes de unirse a la banda en 1997, fue el baterista de gira de Sass Jordan y Alanis Morissette, así como el baterista de la banda experimental progresiva Sylvia. En 2004, Hawkins formó su propio proyecto paralelo, Taylor Hawkins and the Coattail Riders, en el que tocó la batería y cantó, lanzando tres álbumes de estudio entre 2006 y 2019. Formó el supergrupo NHC con los de Jane's Addiction Dave Navarro y Chris Chaney en 2020, donde también asumió tareas de voz principal y batería. Después de una gira durante la primavera de 1996, Foo Fighters ingresó a un estudio de Seattle con el productor Gil Norton para grabar su segundo álbum. Según los informes, estalló un conflicto durante la grabación entre Dave Grohl y el baterista William Goldsmith, lo que finalmente provocó que Goldsmith dejara la banda. La banda se reagrupó en Los Ángeles y volvió a grabar casi por completo el álbum con Grohl en la batería. El álbum, The Color and the Shape, fue lanzado el 20 de mayo de 1997. Grohl llamó a Hawkins, un conocido en ese momento, buscando sus recomendaciones para que un nuevo baterista se uniera a la banda. Grohl tenía la impresión de que Hawkins no dejaría la banda de gira de Morissette, dado que ella era un acto más grande que Foo Fighters en ese momento. Sin embargo, para sorpresa de Grohl, Hawkins se ofreció como voluntario para unirse a la banda, explicando que quería ser baterista en una banda de rock en lugar de actuar como solista. La banda anunció que Hawkins sería su nuevo baterista el 18 de marzo de 1997. Hawkins apareció por primera vez con los Foo Fighters en el video musical del sencillo de 1997 "Monkey Wrench", aunque la canción fue grabada antes de unirse a la banda. Además de tocar la batería con Foo Fighters, Hawkins también proporcionó voz, guitarra y piano en varias grabaciones. Interpretó la voz principal en una versión de "Have a Cigar" de Pink Floyd. Se lanzaron dos versiones de la canción, una como cara B de "Learn to Fly" y otra en el álbum de la banda sonora de Mission: Impossible 2. Más tarde cantó la voz principal en "Cold Day in the Sun" de In Your Honor, que luego se lanzó como sencillo, así como una versión de "I Feel Free" de Cream, que apareció como cara B de "DOA". y en el EP Five Songs and a Cover. Hawkins también cantó la voz principal para la versión de la banda de "Life of Illusion" de Joe Walsh. Más tarde, cantó la voz principal de "Sunday Rain", una pista del álbum Concrete and Gold de Foo Fighters de 2017. Cantó la voz principal en algunas canciones durante los shows en vivo de Foo Fighters, como una versión de "Somebody To Love" de Queen en su último concierto con la banda. También contribuyó a la composición de canciones de la banda y fue incluido como coautor en todos los álbumes desde There Is Nothing Left to Lose. La última actuación de Hawkins con los Foo Fighters antes de su muerte fue en el festival Lollapalooza Argentina el 20 de marzo de 2022. Hawkins ganó póstumamente tres premios Grammy con los Foo Fighters el 3 de abril de 2022.

Mientras bandas como Muse o U2 se diluyen en giras interminables y discos venidos a menos, Placebo ha sorprendido a propios y extraños, con un disco increíble, muy potente y que demuestran que tras 22 años de carrera pueden volver a estar en lo más alto de las listas de ventas y ser una verdadera sorpresa para los que ya los conocíamos o los que gracias a esta nueva entrega que este larga duración ‘Never Let Me Go’ han podido empezar a conocer. Las bandas crean bastante ‘hype’ con los lanzamientos de adelantos de sus discos, y no se equivocan con ellos, casi siempre esas primeros tanteos con el público denotan de qué va a ir el resto del trabajo. No solemos equivocarnos: cuando esas entregas son flojas, cuando el disco sale a la luz, sigue siendo flojo. Placebo son un dúo londinense, aunque en algunos momentos de su carrera llegaron a ser 3 componentes. La banda se creó en 1994, formada inicialmente por el cantante y guitarrista Brian Molko y el bajista y guitarrista Stefan Olsdal. Brian y Stefan coincidieron en el American International School of Luxembourg, por lo visto sin conocerse personalmente. Justo en el año de formación de la banda fue cuando ambos por fin coincidieron en la estación del metro de South Kensington. Oldslad volvía de tomar unas clases de guitarra. Molko le vio con la guitarra y le invitó a ir a un concierto suyo. En ese concierto nació la semilla de Placebo, aunque en esos primeros pasos se llamaron Ashtray Heart, que era una canción de la banda Capitan Beefheart. Ese nombre lo tuvieron por poco tiempo, para pasar a llamarse definitivamente Placebo. Brian escogió como baterista a Steve Hewitt, que era su amigo, aunque con fecha de caducidad porque tenía otros compromisos con la banda local Breed. Al final, Hewit y otro baterista, Robert Schultzberg iba turnándose en la banda. Fue éste último quien grabó el disco homónimo de Placebo. El primero y el último, volviendo de nuevo Hewitt. El punto álgido de su carrera llegaría en 1997, participaron en el concierto homenaje del 50 cumpleaños de David Bowie que se realizó en el Madison Square Garden. Ese año empezarían gira e incluso llegaron a telonear a U2. Sólo un año después, en 1998 aparecía su segundo disco ‘Without You I’m Nothing’. En ese larga duración aparecería uno de sus grandes temas ‘Every Me Every You’, que tantas alegrías les ha dado. Este tema pasó a formar parte de la banda sonora de la película ‘Crueles Intenciones’, en el que el propio Bowie hace dúo con Molko a las voces. Ese año grabarían otro tema icónico del rock de todos los tiempos: ‘20th Century Boy’ de Marc Bolan y T. Rex. Recordemos que el fallecido Marc se codeaba con Bowie en la década de los 70 por el disputado puesto de Rey del Glam-Rock, aunque ambos eran muy amigos. Dicho tema se incluyó en la banda sonora de la película ‘Velvet Goldmine’, además de hacer un cameo en la misma. También tocaron ese tema junto a su mentor, Bowie en los Brit Awards. Llega el cambio de milenio y aparecen con otro disco bajo el brazo: ‘Black Market Music’, donde cambian radicalmente de estilo, alejándose de ese sonido melancólico de sus baladas. En 2003 aparecería ‘Sleeping With Ghosts’, donde experimentaron abiertamente con la electrónica. Nuevamente, 3 años después aparece ‘Meds’, en el que aparecen como músicos Mosshart de The Kills y Stipe de R.E.M. Era 2006 y Placebo cumplían sus 10 años juntos, por lo que aprovecharon para reeditar su primer disco incluyendo además rarezas y un DVD de ellos mismos presentando los temas. En 2008 se preparan para grabar nuevo disco, con nuevo batería, Steve Forrest, batería de Evaline que les había telefoneado en alguna gira. El disco aparecería un año después, ‘Battle for the Sun’. Hizo falta una espera de 4 años para que sacaran otro trabajo, ya sin ninguno de los baterías hasta ahora mencionados. El disco ‘Loud Like Love’, es considerado por Molko como el mejor hasta entonces. Estaban preparando nuevo álbum cuando nos cogió a todos por sorpresa la pandemia, posponiéndose hasta 2021. En mayo de ese año, aparecería la primera entrega con el tema ‘Beautiful James’, que es con el que hemos abierto el programa. En noviembre ‘Sorrounded by Spies’, con el que desvelarían el nombre de su nuevo disco ‘Never Let Me Go’ que hoy nos ocupa. Al final, fue en 2022 cuando apareció, aunque esas dos primeras entregas dejaron buen sabor de boca y dieron lugar a que fuese realmente un disco muy esperado. El sonido de Placebo es fácilmente reconocible por la voz nasal de Molko y las cadencias oscuras de sus composiciones. Es una banda que, al igual que su mentor, David Bowie, no ha tenido miedo al experimentar con nuevos instrumentos o sonoridades. Sus letras y su puesta en escena, sobre todo por las reconocibles camisetas de tiras de Molko, les ha permitido hablar sobre la homosexualidad (Olsdal es homosexual y Molko bisexual) y el uso de drogas.

ué lanzado por Movieplay en 1975, producido por Gonzalo García Pelayo. Tuvo una promoción prácticamente nula, llegando a estar descatalogado en algunas tiendas, el exito de los siguierntes trabajos, llevó a volver a relanzarlo. El propósito inicial del grupo era fundir el flamenco con rock psicodelico y rock progresivo, con la vista puesta en grupos como Pink Floyd, Caravan, Procol Harum, Traffic y los primeros King Crimson, fusión sonora que ha definido al rock andaluz en general. Aquí podemos hacer un inciso para comentar que las discográficas rechazaban el material de Triana porque no tenían nada claro que fuera a funcionar essa fusión entre el flamenco y el progresivo. Si há lugar, también comentamos los problemas de Lole y Manuel, de Camarón con La Leyenda del Tiempo, y hasta del mísmo Paco de Lucía com los puristas del flamenco. El disco no tuvo apoyo publicitario, excepto el proporcionado por el productor del disco, García Pelayo, que lo radiaba asiduamente. Solamente vendió unas decenas de copias en el primer trimestre de su publicación. Pero pasados unos meses, en 1976, y gracias al boca a boca, Triana fueron afianzándose con fuerza y consiguieron llenos en varias discotecas de Madrid. En la grabación de este trabajo tenemos a Jesús De La Rosa en la voz y los teclados, Juan José Palacios (Tele) batería y percusión y a Eduardo Rodriguez Rodway a la guitarra española. Como músicos de apoyo tenemos a Manolo Rosa al bajo electrico y Antonio Pérez a la guitarra elctrica. El diseño de la portada corrio a cargo de Máximo Moreno. El embrión de Triana lo tenemos que buscar en el grupo Tabaca, que en sus filas contaba con Carlos Attias (bajista de Miguel Ríos), Emilio Souto, cantante de Los Solitarios y Eduardo Rodriguez guitarrista de Los Payos. Su segunda etapa arranca en 1980 con su único número 1 en sencillo, Tu frialdad. De su álbum Un encuentro, seguirían Un mal sueño en 1981 y su ultimo trabajo en 1983, Llegó el día. La vida creativa del grupo acabó un 14 de octubre de 1983, con la muerte de Jesús De La Rosa en un accidente grave de circulación. Se de un lugar, es el tema que escuchamos a continuación. Tras la finalización de Triana, Eduardo inició una carrera en solitario a mediados de los 80, mientras que Tele volvió a los escenarios en los 90 con el nombre del grupo, ayudándose de excomponentes de antiguos grupos que incluía a Juan Reina, Pepe Bao, Julián Planet, Raúl Fernández o Andrés Herrera (El Pájaro), entre otros. Editaron dos discos, Un jardín eléctrico (1997) y En libertad (1999). En la madrugada del 8 de julio del 2002, Tele ingresó en el Hospital Ramón y Cajal de Madrid para ser operado de una rotura de la artería aorta, no sobreviviendo a la operación. Tras la muerte de Tele, Juan Reina ingresó en Triana en el 2007, adoptando el nombre como propio y grabando Un camino por andar acompañado por músicos ajenos al grupo. Tras la edición de este CD, Eduardo el único sobreviviente acusó a Reina de querer lucrarse a costa del nombre de la banda. Los derechos del nombre y el logo del grupo pertenecen a la viuda de Palacios (Tele), de nombre Janice Richard, impulsora del disco y con el permiso de esta el grupo sigue activo. En 2016, vuelven a la carretera, hecho que desembocó en que Eduardo volviera a arremeter en su contra, llamándoles The Mangurrinos, por este hecho fue condenado a indemnización en 2021, siendo poco después absuelto.

Hoy vamos a hablar de la banda estadounidense The White Stripes, una banda que por desgracia ya está extinta que nos dejo con 6 discos de estudio, los cuales algunos de ellos ya firman parte de los mejores álbumes de la historia del Rock. A principios de los años 00s salieron una gran cantidad de géneros revaivaleros desde el paradigma del Indie Rock. Además de que se empezaron a mezclar una gran cantidad de géneros clásicos como por ejemplo el Rock Sureño dando a bandas como Kings of Leon o el Heartland Rock como The War on Drugs, hubo dos movimientos que se des[1]marcaron por encima de todos los demás trayendo un gran número de bandas muy creativas, esos géneros fueron el Post-Punk Revival del cual ya hablaremos en un futuro y el Garage Rock Revival que es el que nos atañe hoy con esta banda. Sin embargo, The White Stripes se escapa de ese sonido más popero del Indie Rock para traernos una música mas guitarrera y más cañera propia del Rock Alternativo de la época el cual estaba más influenciado por géneros como el grunge o el punk. Y ahora si te parece bien vamos a por otra canción y ya si que pasamos a hablar de la historia de la banda. John Anthony Gillis más conocido como Jack White el cual era el cantante principal, guitarrista, bajista y tecladista y por Meg White la cual era baterista y corista del duo. La banda se formó en el año 1997 y antes de eso Jack fue miembro de una banda de Punk como baterista y en otra de Rock como guitarrista, y también con su amigo y mentor Brian Muldoon con el que formaron una banda antes de iniciarse en la formación que nos toca hoy. Jack conoció a Megan White y en el año 1996 y de forma poco ortodoxa fue Jack el que adopto su apellido. Jack siguió tocando en varias bandas y un año después Meg empezó a tocar la batería, y este sorprendido le pidió de tocar juntos como duo y formaron The White Stripes. La banda empezó ya como parte de la escena anteriormente mencionada del garage rock revival surgida en la ciudad de Michigan y llegaron a tocar con varias bandas locales de rock y de punk. Más tarde fue fichada por el sello independiente de punk de Michigan Italy Records después de aceptar la propuesta del manager Dave Buick que les realizó al terminar una actuación que hicieron en un bar. Grabaron su primer single llamado “Let’s Shake Hands” en el año 1998, el cual fue vendido en formato vinilo de edición limitada a solo 1000 copias, y de la misma forma ocurrió con su siguiente single que sacaron un poco mas tarde llamado “Lafayette Blues”. Por último en el año 1999 sacaron “The Big Three Killed My Baby” en esta ocasión ya con otro sello discográfico llamado Sympathy for the Record Industry. El proyecto que estamos escuchando hoy es el White Blood Cells el cual fue el tercer disco de la banda lanzado con el sello Sympathy for Recording Industry el 3 de julio del 2001. Ya en la primera semana de lanzamiento obtuvo un gran éxito que perduró durante todo el año. En el año 2002 el álbum fue regrabado con el sello V2 Records por desavenencias con la su antigua discográfica. Este proyecto fue el que realmente hizo explotar este nuevo movimiento del garage rock revival obtenido un gran recibimiento por parte de la crítica musical y con un gran éxito tanto en el Reino Unido como un poco mas tarde en los Estados Unidos. De hecho se llegó a decir que eran la banda más grande desde los Sex Pistols, el álbum alcanzó la posición 61 en el Billboard americano y el número 55 en las listas de éxitos del Reino Unido sobretodo gracias al único single del proyecto titulado “Fell In Love With a Girl” que fue lanzado con un vídeo musical de animación dirigido por Michel Gondry. A pesar del éxito que cosecharon, el duo se separó en el año 2011 argumentando que no se debía por ninguna diferencia artística, problema de salud o alguna pelea, sino que se trataba de una infinidad de razones externas a ellos, y para poder preservar lo hermoso y especial de la banda. Por desgracia, si bien Jack White además de tener una más que envidiable carrera en solitario, ya que en el año 2009 empezó a trabajar en paralelo con el grupo The Dead Weather como batería y solista, siguió también como miembro de la banda The Go, y por supuesto siguió con la banda que además de The White Stripes es por la que más se le a reconocido que son los The Racounters, Meg desapareció prácticamente por completo del panorama musical salvo en alguna parición esporádica que hizo en algún concierto.

Pocos saben que Barrabás ha sido el grupo español que más discos de larga duración ha vendido en el mercado estadounidense, aún menos saben que han ocupado el nº 1 de ventas en países como Canadá o Alemania, que han ocupado el nº 1 en las listas de música negra en Estados Unidos y que en 1975 fue designado por la revista Playboy mejor grupo mundial en la clasificación de estilo Funky, y comparados con los mismísimos Steely Dan. Eso fueron Barrabás, auténtico Funky español para el mercado internacional y un grupo que hoy cuesta trabajo reconocer como nuestro, dado el estilo absolutamente norteamericano de su música. El nuevo LP de estos recuperados Barrabás, que es el que estamos pinchando hoy, Piel de Barrabás, nos muestra una banda que guarda características de los genuinos Barrabás: ritmos muy bien elaborados, profusión de percusiones, sentido de bloque sin músicos que destaquen sobre otros, gusto por los temas bailables de corte funky… No obstante, se diferencian de los antiguos en la casi desaparición de los coros femeninos, alejamiento de la música disco, abandono del hammond y el piano eléctrico por los modernos sintetizadores. De este disco salen dos singles, «On the road again» y «Please Mr. Reagan, Please Mr. Breznev». Ambos tienen un aceptable volumen de ventas. El primero de ellos vuelve a colarse en las listas de algunos países americanos sin sobresalir en exceso, pero en España es el segundo más escuchado tras una intensa campaña de promoción personal del grupo por emisoras de radio. Podemos decir que Barrabás nace de un proyecto de Fernando Arbex, quien fuera batería y compositor de Los Brincos, tras la disolución de éstos, Fernando quería formar un grupo que combinara el funk con ritmos y percusiones latinas, tal como lo estaban haciendo Santana, Osibisa y Mandril El primer intento de Arbex fueron Alacrán, junto a su amigo Óscar Lasprilla y el bajista Iñaki Egaña, procedente de Los Buenos. En 1969 fichan por Zafiro y entran en los estudios Celada de Madrid para grabar su único disco, que se publica al año siguiente, sin prácticamente promoción por parte de la compañía discográfica. La grabación, de tan solo 30 minutos , contiene seis temas con diferentes influencias, unos temas de marcado carácter latino al estilo de Carlos Santana, y otros más psicodélicos estilo Costa Oeste americana. Pero no consiguen ninguna actuación, y la banda se disuelve. Arbex, junto al bajista y cantante de Alacrán, Iñaki Egaña, deciden formar otra banda, seguimos en 1971, y así nace Barrabás.

l disco que vamos a escuchar hoy es ‘The Kick Inside’, algo así como ‘La patada interior’. El álbum alcanzó el puesto número 3 en la lista de álbumes del Reino Unido y ha sido certificado Platino por la Industria Fonográfica Británica (BPI). El disco lo grabó cuando sólo tenía 19 años de edad, saliendo al siguiente año. Kate Bush fue descubierta nada menos que por el ex-Pink Floyd Dave Gilmour cuando ésta contaba con 16 años de edad. Una de las características que más le definen es su gran voz, pudiendo alcanzar nada menos que un rango de 4 octavas. * Una infancia muy musical Catherine Bush nació el 30 de julio de 1958 en el condado de Kent, Inglaterra. Su padre era un médico inglés de nombre Robert Bush, y su madre una irlandesa llamada County Waterford, ambos ya fallecidos. Estudió en una escuela católica, junto a sus hermanos mayores John y Paddy. Kate también gozó de un gran ambiente musical en casa: su madre era una reconocida bailarina de baile tradicional irlandés y su padre era también un aventajado pianista, su hermano Paddy trabajaba como constructor de instrumentos musicales y su otro hermano John era poeta y fotógrafo, además de que ambos hermanos estaban muy involucrados en la escena folk de la zona. Por lo tanto, no fue difícil que Kate se sintiese atraída por el piano, el órgano y el violín con sólo 11 años de edad. Pronto empezó a componer y poner letras a sus canciones. Fue mientras estudiaba en la escuela, cuando sus padres recogieron una demo con 50 temas creados por la joven para mostrar su trabajo a las discográficas. * Su relación con Dave Gilmour, de Pink Floyd La vida da muchas vueltas y fue la casualidad que un amigo de la familia, un tal Ricky Hopper lo fuese también del entonces componente de Pink Floyd, David Gilmour que quedó impresionado tras la escucha y pensó que la demo no tenía suficiente calidad para ser mostrada a las compañías fonográficas del momento. Así que decidió ayudarla para hacer una nueva demo. Gilmour pagó de su propio bolsillo la grabación de 3 nuevos temas que fueron producidos a su vez, por otro amigo de Gilmour, el músico Andrew Powell, músico y arreglista que participaría en casi todos los discos de Alan Parsons. Andrew decidió ser el productor de los dos primeros larga duración de Kate. 'The Kick Inside' y 'Lionheart' ambos aparecidos en 1978. También trabajó en estos discos, como ingeniero de sonido Geoffrey Emerick, que ya había estado con The Beatles en discos como 'Revolver', 'Sgt. Peppers' o 'Abbey Road', entre otros. Al final, esa demo con tres canciones cayó en manos de Terry Staler, un ejecutivo de EMI que quedó gratamente impresionado con la labor de la joven. En un acto realmente impensable en la industria discográfica actual, Bob Mercer, un director ejecutivo de EMI, pensó que a pesar que Kate contaba con muy buen trabajo, un éxito a edad tan temprana podía ser poco beneficioso, y un fracaso realmente dañino. Así que pensó que era mejor que la chica se dedicase a sus estudios, y a pesar de estar en nómina de la discográfica, se lo tomaron con calma, dando tiempo a que Kate madurase como artista y personalmente, fuese el resultado que fuese. La percepción de Kate, como contaba hace pocos años era algo distinta, tal vez Radcliffe la contrató para que no pudiese ir a la competencia. De todas formas, con el generoso avance de honorarios de una persona que, recordemos, todavía no había grabado nada en absoluto, la joven aprovechó para acabar sus estudios con una nota más que notable y tomar clases de interpretación con el actor Lindsay Kemp, que también trabajó con David Bowie en sus inicios. También tomaría clases de mímica con Adam Darius. A pesar de todo, Kate siguió escribiendo canciones, algunas de las cuales se pueden encontrar hoy en un disco pirata conocido como ‘Phoenix Recordings’, llegándose a contar alrededor de 200 composiciones. * Preparando todo para su primer disco Para la grabación de este disco, se pidió a Bush utilizar músicos de sesión en lugar de la KT Bush Band, aunque siguió conservando a algunos de ellos, como su hermano Paddy que tocaba la armónica y la mandolina o Stuart Elliott que tocó algunos de los tambores y se convirtió en su baterista principal en álbumes posteriores. David Gilmour produce dos de los temas del mismo. Una de las canciones más conocidas de este disco es ‘Wutherings Heights’, que fue el primer éxito de su carrera, llegando a ser la primera vez que una cantautora encabezó las listas con una canción escrita por ella misma. Está inspirada en la novela única novela que escribió en 1847 Emily Brontë. Se mantuvo en el número uno en la lista de singles del Reino Unido durante cuatro semanas y sigue siendo el sencillo más exitoso de Bush. Pitchfork la nombró la quinta mejor canción de la década de 1970, y en 2020, The Guardian la clasificó como el decimocuarto mejor sencillo número uno del Reino Unido. Bush escribió la canción a los 18 años, después de ver la adaptación de la BBC de 1967 de la novela Cumbres Borrascosas de 1847. Al leer el libro descubrió que compartía su cumpleaños con la autora del mismo. Otro de los temas más conocidos del disco es “The Man with the Child in His Eyes”, que fue sacada como segundo single. Escribió la canción cuando tenía 13 años y la grabó a los 16 bajo la dirección de David Gilmour. En 2010, el ex presentador de radio y televisión Steve Blacknell, que fue el primer novio de Bush, ofreció a la venta la letra original escrita a mano de la canción a través del sitio web de recuerdos musicales 991.com. La propia Bush nunca ha dicho sobre quién escribió la canción, pero Backnell ha declarado que una persona cercana a Bush le había dicho que la canción estaba escrita sobre él. Durante mucho tiempo se supuso que se trataba de Gilmour. A día de hoy, Kate Bush ha sido nominada a 13 galardones de la industria fonográfica británica, ganó como Mejor Artista Femenina Británica en 1987 y ha sido nominada a tres premios Grammy. En 2002, Bush fue reconocida con un premio Ivor Novello por su destacada contribución a la música británica. Bush fue nombrado CBE en los Honores de Año Nuevo de 2013 por sus servicios a la música. Fue nominada tres veces para aparecer en elSalón de la Fama del Rock and Roll de 2018, 2021 y 2022.

Hoy rendimos homenaje a la banda de rock madrileña Tequila con su álbum debut Matricula de honor, publicado en 1978. Hemos escuchado el tema que abría la cara A, Rock and roll en la plaza del pueblo. Hablar de Tequila es hablar de La Movida Madrileña, aunque surgieron con anterioridad a la movida, recién acabado el franquismo. Aportaron un rock con claras influencias de Chuck Berry y sobre todo de los mismísimos Rolling Stones, sonando muy diferentes a los grupos de rock sinfónico y rock urbano predominantes en aquellos años en la escena musical de nuestro territorio. Temas como Salta (Que sonó por primera vez en el concurso televisivo, Un, dos, tres...responda otra vez), Quiero besarte o Rock and roll en la plaza del pueblo, catapultaron a los cinco de Tequila al estrellato. La gestación de Tequila hay que buscarla en el año 1976, cuando Alejo Stivel y Ariel Rot, se instalan en Madrid, exiliados por culpa de la dictadura militar instaurada en Argentina. Una de las noches en que los argentinos exploraban la noche madrileña, conocieron en el escenario de un club llamado el New M & M a un grupo de rock con influencias sureñas de nombre Sponful Blues Band, integrado por Julián Infante a la guitarra, Felipe Lipe al bajo y a la batería El Oso. Ariel y Alejo quedan impresionados con la banda y les ofrecen sus servicios, pero al carecer de local y equipos musicales deciden pasar de ellos. Cuatro meses después la situación cambiaria cuando la Sponful Blues Band necesita un nuevo guitarrista y Felipe Lipe ofrece a Ariel Rot una prueba, quedando impresionados por el músico argentino, integrándolo inmediatamente a la banda. Poco después, Alejo fue itido a la banda, ya que Ariel hacía de vocalista amén de tocar la guitarra. Durante esos primeros años y la mayor parte de la historia de la formación, ensayaron en un local en la calle Arturo Soria, en el eje principal del distrito madrileño de Ciudad Lineal.

Hoy nos visita el equipo que conforman 'Dilluns al Rock', un programa de la emisora Radio Desvern en el 98.1 de FM. Lo conforman Inma Bravo, Joan Soto y Enric Orozco (sentado abajo).  El disco que han escogido para compartir con nosotros ha sido 'Chicago 17', de la banda americana Chicago. Una banda de éxito Chicago es una banda de rock estadounidense formada en 1967 en Chicago , Illinois, aunque inicialmente aparecieron bajo el nombre de Chicago Transit Authority. Parece ser que tuvieron que acortar el nombre, ya que dicha operadora de transporte no le hizo gracia que una banda de rock lo llevase. Al final, decidieron acortarlo simplemente a Chicago. Se hacen llamar a sí mismos la "banda de rock and roll con cuernos" y combinan elementos de música clásica, jazz, R&B y pop. Al principio de su carrera hacían canciones con temas políticos y luego migraron a un sonido mucho más ligero, obteniendo un gran éxito con algunas de sus famosas baladas en los inicios de la década de los 80. Distinciones En 2008, la revista Billboard nombró a Chicago la decimotercera en una lista de los 100 mejores artistas de su lista Hot 100. En 2015 volvieron a aparecer en la misma lista, pero ya en el puesto 15. En 2008, la revista Billboard nombró a Chicago en el decimotercer lugar en su lista de los 100 mejores artistas que aparecen en la lista Hot 100, y luego en el decimoquinto en la versión actualizada de 2015.[1 ][2 ][3] Billboard también nombró a Chicago como el noveno artista más grande de todos los tiempos en la lista Billboard 200 en 2015. Han llegado a vender más de 100 millones de copias de sus discos, sino en 1971 la primera banda de rock en llenar el Carnegie Hall durante una semana. Tienen 23 certificaciones de oro, 18 certificaciones de platino y ocho certificaciones multiplatino. Además, han tenido cinco álbumes en el puesto 1 consecutivos del Billboard 200 y 20 canciones top 10 también en el Billboard Hot 100. En 1974, llegaron a tener sus siete álbumes, todo su catálogo en ese momento, en el Billboard 200 simultáneamente. Han sido nominados nada menos a diez premios Grammy, ganando una vez por la canción "If You Leave Me Now", sin lugar a duda, el éxito más recordado de la misma. Su disco de debut, Chicago Transit Authority, lanzado en 1969, se incluyó en el Salón de la Fama de los Grammy en 2014. La banda fue incluida en el Salón de la Fama del Rock and Roll en 2016. En 2017, Peter Cetera, Robert Lamm y James Pankow fueron incluidos en el Salón de la Fama de los Compositores por su composiciones. También recibió toda la banda, el Grammy Lifetime Achievement Award en 2020. 'Chicago 17' A pesar de que el número del disco pueda despistar, 'Chicago 17' es en realidad, el decimocuarto álbum de estudio de la banda estadounidense, y se lanzó el 14 de mayo de 1984, sino el segundo lanzamiento  para Full Moon/Warner Bros. Records, y su segundo disco producido por David Foster[, así como el último con el bajista/vocalista fundador Peter Cetera. Se extrajeron del mismo cuatro sencillos, todos los cuales acabaron apareciendo entre los 20 primeros en la lista Billboard Hot 100. En 2006, Rhino Entertainment remasterizó y reeditó el álbum, utilizando las versiones analógicas originales de "Please Hold On" (coescrita con Lionel Richie) y "Prima Donna" y también un cover del tema de Robert Lamm, "Here Is Where We Begin" como bonus track.

Hoy tenemos en nuestras manos, su segundo álbum de estudio In-A-Gadda-Da-Vida, publicado el 18 de junio de 1968. La banda se formó en 1966 en San Diego, siendo sus originales Doug Ingle (Organo y voz), Ron Bushy (Bateria), Jerry Penrod (Bajo), Darryl DeLoach (Guitarra) y Danny Weis (Guitarra). Están encuadrados en los géneros de rock psicodélico, rock acido y hard rock. Tuvieron su apogeo a finales de los años 60, pero la banda ha reaparecido varias veces con diversos , pero no tienen nuevas grabaciones desde 1975. En 1968 lanzan su primer disco Heavy, tras su grabación todos sus dejan la banda a excepción de Doug Ingle y Ron Bushy. Este álbum debut se publicó el 22 de enero de 1968, habiéndose grabado en octubre del año anterior. Varias de las canciones que componen el álbum son simples y se basan extensamente en los riffs de apertura. El 14 de junio de 1968 salió al mercado el segundo trabajo de la banda, In-A-Gadda-Da-Vida, en este trabajo todas las canciones están compuestas por Doug Ingle a excepción de Termination, escrita por Erik Brann y Lee Dorman. Los que formaban la banda en este álbum son, su fundador Doug Ingle (órgano, teclados, piano y voces), Erik Brann (Guitarra, violín y voces), Lee Dorman (Bajo) y Ron Bushy (Batería y percusión). Obtuvo un premio RIIA de platino, siendo el primer álbum en obtenerlo. La canción incluye un memorable riff de guitarra y bajo, sosteniéndolo durante más o menos toda la duración del tema. El riff sirve como base para los largos solos de órgano y guitarra, que son interrumpidos a la mitad por un largo solo de batería, uno de los primeros solos en una grabación de rock y probablemente uno de los más famosos de este género. Como curiosidad comentar que el guitarrista Erik Brann que grabó este tema y la totalidad del disco contaba solamente 17 años. In a gadda da vida, como hemos comentado ocupa toda la cara B del álbum homónimo. Iron Butterfly cuando la grabaron en el estudio estaban algo ebrios o drogados, por lo que se dejaron llevar por la atmosfera reinante, así el tema se alargó con largos solos de guitarra, órgano y batería. A los ejecutivos de Atco Records, sello de Atlantic su discográfica, no les hizo demasiada gracia la duración del tema, por lo que decidieron cortarlo a apenas 3 minutos para que pudiera sonar en las radios. En 1969, y como preámbulo a la aparición del siguiente trabajo Ball, apareció el single con dicha canción acortada y con Soul experience en la cara B, canción incluida en el álbum.

Como dijimos en el anterior programa, Defenders Of The Faith’ no tuvo la popularidad ‘British Steel’ o ‘Screaming for Vengeance’, según los expertos, porque carece de temas que pudieran haber salido como singles destacados. Sin embargo, es una de sus producciones con mejor calidad, y tiene auténticas joyas, como vamos a escuchar. Y tampoco fue un desastre de ventas, ni mucho menos. En pocos días se situó en el puesto 19 en UK, y 18 en EEUU, y ha sido certificado platino. Quizás, el disco más infravalorado de Judas. Musicalmente, sigue el modelo básico de ‘Screaming for Vengeance’, alternando rocks veloces, con mediostiempos y equilibrando la sofisticación musical con la accesibilidad comercial. Para su promoción, se sacaron 3 sencillos, uno de ellos el tema que hemos escuchado, Freewheel Burning, que es pura energía, como el que escucharemos luego, Jawbreaker, y llegó al puesto 42 de ventas en UK. El 2º single fue Love Bites, que lo hemos omitido, porque no podemos escucharlo todo, y como siempre decimos, os animamos a buscar y comprar el disco, y si es en vinilo, mejor. Personalmente. Love Bites lo encuentro un tanto frío. El 3er single, fue Some Heads are gonna roll, que si vamos a escuchar. Para la promoción, también hubo gira, la Metal Conqueror Tour, que los trajo por 1ª vez a España, y tocaron en directo todos los temas del disco a excepción del Eat Me Alive, que tampoco vamos a escuchar. Como curiosidad, cabe decir que este tema es una oda al sexo, quizás un poco ridícula, que no cayó bien a la crítica, especialmente la femenina. Al final, Eat me Alive lo tocaron en la gira de Nostradamus, lo que convirtió a Defenders of the Faith en el 2º disco, junto al Rocka Rolla, en ser tocados todos sus temas en directo. Por ejemplo, de la portada. Diseñada por la propia banda, el dibujo del personaje fue obra de Doug Johnson, el mismo artista que creó al ave metálica llamada The Hellion en Screaming for Vengeance. El personaje que aparece en esta portada se llama The Metallian, una especie de tigre con cuernos de carnero y con cuerpo con forma de tanque, ideada por los propios integrantes de la banda. De acuerdo a Downing necesitaban una portada llamativa que reflejara el título del disco y por ello crearon a The Metallian como un ser defensor del heavy metal. Al igual que en Screaming for Vengeance, en su contraportada se escribió un mensaje con la idea de contar una breve historia de esta criatura: ¿Nos la lees tú, Isidro? «Emerge desde la oscuridad, donde el infierno no tiene piedad y los ecos de los gritos de venganza estarán por siempre. Solo aquellos que conservan su fe escaparán de la ira de The Metallian… Maestro de todo el metal. Una anécdota de la grabación, es que a K.K. Downing lo atropelló un taxi, y el accidente casi le cuesta la vida. Él y ingeniero de sonido Mark Dodson se trasladaron a un local nocturno y cuando salían, el taxi lo atropelló de frente y lo lanzó a varios metros. Fue llevado al hospital consciente pero con serias fracturas que le costaron estar varias semanas de reposo antes de volver a grabar. Y hablando de los de la banda, no hemos mencionado la formación: Rob Halford a la voz, K.K. Downing y Glenn Tipton a las guitarras, este ultimo también a los coros, Ian Hill al bajo, y a Dave Holland a la batería. Que por cierto, tengo chisme para contar. Pero antes, vamos a por otro tema, que quizás sea mi favorito del album, es un auténtico himno. Es el Rock Hard Ride Free, firmado por Haldford, Tipton y Downing.

JUDAS PRIEST Parte 1. Empieza el ROCK, la mejor banda HEAVY METAL Británica Todo empieza con el vocalista Al Atkins, que inicialmente, era baterista, junto con un amigo de la infancia, el bajista Bruno Stapenhill. En 1963 ambos tocaban en diversas bandas de blues y rock’n’roll inspiradas en Beatles, Rolling Stones y Cream. Tras su separación, en 1969, junto con el baterista John Partidge, deciden crear una nueva banda. En las primeras audiciones, se presentó un joven guitarrista, K.K. Downing (Kenneth Keith Downing), que no fue seleccionado, por su inexperiencia. En su lugar, cogieron a Ernie Chataway, que procedía de Earth, la banda que fue el germen de Black Sabbath. Esta formación, en 1970, pasaron a llamarse Judas Priest, en homenaje a la cancion de Bob Dylan “The Ballad of Frankie Lee and Judas Priest”, a sugerencia de Stapenhill. Tocaban blues y rock progresivo. Pero Atkins, influenciado Black Sabbath, Zeppelin y Purple, quiso seguir esa nueva línea, pero como el resto de compis de banda no estaban de acuerdo, terminaron separándose. Atkins, ó de nuevo con Downing, reclutaron al bajista Ian Hill y al batería John Ellis, y recuperaron el nombre de Judas Priest. Llegaron a llamar la atención de Tony Iommi, pero no tuvo éxito al intentar presentarlos en diversos estudios de grabación. Atkins, que había sido padre de familia, tuvo que dejar la banda por los altos costes operativos que necesitaba para mantenerla, y sin tener ninguna perspectiva de grabación ni de futuro. Ian Hill y Downing decidieron seguir adelante, y Atkins les concedió el permiso para seguir usando el nombre. Ian Hill, estando con su novia, escuchó cantar al hermano de esta, Robert John Arthur Haldford y lo incorporó al Proyecto. Después de varios cambios de batería, tenemos a las baquetas a John Hinch, graban una maqueta que llama la atención de la discográfica Gull Records, estamos en 1974, y les ofrece un contrato pero a condición de que incluyan a un teclista o trompetista. Se negaron y decidieron incluir a otro guitarra. La idea cuajó, y así llega a la banda Glenn Tipton.

Hoy traemos el mejor disco en directo del mercado español de rock and roll, nos estamos refiriendo al doble LP de Miguel Ríos, Rock & Ríos editado en 1982. En el montaje de este concierto único en España hasta esa fecha, se montaron dos pantallas gigantes suspendidas del techo a ambos lados del escenario. El equipo de sonido se alquiló en Inglaterra, siendo el habitual con el que solía tocar Yes. El equipo de grabación móvil estaba situado en un mastodóntico camión aparcado en las inmediaciones del Pabellón del Real Madrid, dicho estudio móvil fue el mismo con el que se grabó dos años antes el doble disco en directo en Paris de Supertramp, que contaba con una mesa de 48 pistas. Las cámaras se conectaron en ciertos momentos para ofrecer imágenes de los técnicos de sonido manipulando la mesa, alternándolas en las pantallas con películas e imágenes del concierto. Se utilizaron doscientos mil vatios de luz repartidos en 200 focos, quince mil vatios reales de sonido, un cañón Panny y dos Rank-Stram. El sonido interior del escenario llegó a los cuatro mil vatios a través de una mesa de 20 canales de entrada y ocho canales independientes de monitores. Los músicos artífices de este gran concierto fueron: Mariano Díaz teclados, Thijs Van Leer teclados, flauta y programación electrónica, Tato Gómez bajo y coros, Sergio Castillo batería, Mario Argandoña batería, percusión y guitarra acústica, Paco Palacios guitarras y voces, Antonio García de Diego guitarras y voces, John Parsons y Salvador Domínguez guitarras. Carlos Nerea buscó el mejor estudio móvil de Europa, el Mobile One con sus 48 pistas. El álbum se mezcló en Londres, en el Marcus Music Studios, con algunas limitaciones de presupuesto. Los conciertos fueron los días 5 y 6 de marzo, en el pabellón del Real Madrid con todo el papel vendido. El estudio móvil tenía que llegar el día 4 para el ensayo general, pero no apareció. Estaba retenido en la frontera de Irún. Cuando apareció, solo pudo asistir al primer concierto a modo de ensayo, así que solo se dispuso de un único día de grabación el día 6. Tocaron de manera magistral y entre todos hicieron el mejor disco de la carrera de Miguel Ríos. Televisión Española en su primera cadena, emitió el concierto del día 6 el viernes 7 de mayo a las once menos cuarto de la noche, hecho totalmente inusual en esa época. El disco fue publicado en la primera semana de mayo de ese mismo año, vendiendo 450.000 copias y siendo el preludio de una multitudinaria gira por todo el país. Fue uno de los pocos discos grabados en directo sin una gira previa de rodaje, la cual se realizaría en los meses posteriores. Se ensayó durante 9 días en los estudios Fonogram. Las condiciones de grabación fueron adversas, ya que la mayoría de las tomas realizadas durante el concierto del primer día el 5 de marzo, no se hicieron correctamente, por lo que solo quedó una segunda oportunidad la del día 6 para la grabación definitiva. Ríos se refirió al concierto con la frase: Lo hicieron porque no sabían que era imposible. Del concierto del día 5, solo se publicaron los temas Generación límite y Nueva ola. Fue producido por Miguel Ríos en compañía de Carlos Nerea y Tato Gómez. Del álbum se extrajeron dos sencillos, Bienvenidos con El rio/ Santa Lucia en la cara B y El blues del autobús con Reina de la noche. A los pies de la estatua de Colón en La Puerta de La Paz, se levantó un escenario donde el ayuntamiento de Barcelona de la mano de su alcalde Narcís Serra, montó un evento cultural con motivo de la Copa Mundial de Futbol que, al día siguiente comenzaba en el Camp Nou. Actuaron Marina Rosell, Ana Belén, Miguel Ríos y La Trinca. El concierto se retransmitió en Televisión Española para toda España.

Ian Curtis, camina en silencio El 19 de marzo de 2016 todo un grupo de seguidores de Joy Division nos reunimos en la Sala Els Pagesos de Sant Feliu de Llobregat para rendir un pequeño homenaje a Ian Curtis. El punto de partida había sido una idea de Josep Coca; quería rememorar al joven mancuniano a partir de una lectura de alguna de sus creaciones, a las cual añadiría poemas de los autores que lo influenciaron. La idea, una vez compartida con otros seguidores (Alba, Alberto, Eva, Jordi y Xavi), cogía cuerpo. También cogía textura, sobretodo a partir de la presencia de Jordi Ribas (BertukiPeibas), que dibujaba toda una serie de ilustraciones (creadas bajo la inspiración de la música de los Joy Division) con que acompañaríamos la lectura de los textos. La «cosa» ya tenía forma, te tenía materia. Incluso tenía nombre: Ian Curtis, Camina En Silencio. Sólo faltaba un motivo, una ocasión, para compartirlo con otra gente. Y el momento fue la V Semana de la Poesia de Sant Feliu de Llobregat, dentro del espectáculo Festival Trash Poetry. El producto que tenéis en las manos es el fruto de esta experiencia. Abrumados por la inmediatez y la banalidad de los tiempos que nos ha tocado vivir, y para no caer en la extraña sensación que todo nos supera y no hay nada de que quede rastro, hemos querido plasmar aquello que hicimos. El resultado es el testimonio de una cosa lejana a la necrofilia ridícula, pero cercana al reconocimiento de aquello que es nuestro, que nos pertenece, que nos acompaña de manera orgánica desde el momento que entró en nuestras vidas.  Lo hicimos y lo compartimos conscientes de que son muchos los que tenemos la misma sensación.  (Extraído del libro de J&J Produccions (Josep Coca y Jordi Jiménez), publicado por la editorial La Mordida Literaria, con permiso de los autores)

Hay que decir que el album que vamos a escuchar hoy, ‘American Idiot’ que se trata de un álbum conceptual, y este tema en concreto nos presentan al alter ego del personaje principal llamado ‘Jesus of Suburbia’ llamado ‘St. Jimmy’, en este tema que es mucho más punk rock que el resto del proyecto. Green Day es una banda estadounidense nacida en Berkeley, California que empezaron como grupo de Punk Rock y fueron evolucionando en una de las bandas más reconocidas de la escena del Pop-Punk. Para entender un poco esta evolución debemos hablar de los inicios de los 2 principales fundadores. El guitarrista y cantante Billie Joe Armstrong, nació el 17 de Febrero del 1972 en Rodeo, California y es el pequeño de 6 hijos. Su padre Andy era camionero y su madre camarera. Ya desde pequeño Billie estuvo muy ligado a la música ya que su padre era batería en un grupo de Jazz y su madre había sido bailarina. Su padre por lo tanto siempre había animado a los 6 hijos a que aprendieran a tocar instrumentos, especialmente la batería. Vamos por el primer single del álbum que se titula del mismo nombre que el álbum, “American Idiot”. Este tema es una crítica feroz a Estados Unidos durante el año 2004 cuanto el presidente George Bush fue reelegido y también referencia a la manipulación de los medios en esa época. Michael Ryan Pritchard nació el 4 de Mayo del 1972 en Okland, California. Su madre le puso en adopción poco después de nacer, ya que era adicta a la heroína y seis meses después Cheryl Nasser y Patrick Pritchard le cogieron en adopción. A los 7 años los padres se separaron. Billie y Mike se conocieron a los 10 años cuando iban al colegio, y instantáneamente congeniaron. Billie enseñó a Mike cómo se tocaba la guitarra y él aprendió muy rápido. Empezaron a tocar como dúo escribiendo sus propias canciones y siempre buscando la compenetración perfecta entre ambos a la hora de interpretarlas. Cuando llegaron al décimo curso de la escuela, cogieron a su amigo Sean Hughes para la batería, y cuando pasaron onceavo curso se fueron al instituto Pinole Valley y el grupo se empezó a llamar Sweet Children. En esa época, Billie y Mike entraron en la escena del Punk, fumando hierba y perfeccionando su música. Iban quedando con otros artista de la escena Punk de su zona hasta congeniar con ellos y empezaron a frecuentar el local que había en el 924 Gilman Street, el cual fue el punto de partida para el éxito. Vamos con otra canción muy conocida del grupo que es “Wake Me Up When September Ends” Esta es la única canción que no sigue con la historia del álbum. Billie la escribió en homenaje a su padre, el cual murió a causa de un cáncer en año 1982. El título viene referido a una frase que Billie le dijo a su madre cuando tenía diez años, en aquel momento se encerró en su habitación y cuando su madre le pico a la puerta le citó esta frase. La banda empezó a llamar la atención en la escena musical de la zona, y antes de sacar su primer EP, tomaron la decisión de cambiarse el nombre a Green Day inspirándose en una canción que Billie había escrito para el álbum. Durante las navidades del año 1989 el grupo grabó su primer Ep llamado “1000 Hours”, seguido de un LP llamado 39/Smooth todo esto en las navidades del 1989, y más tarde lanzaron un EP llamado “Slappy” sacado en el verano del año 1990. Todo esto se unió en un álbum recopilatorio llamado 1039 Smoothed Out Slappy Hours. Una vez ya he explicado los inicios de la banda y la historia de cada uno de sus componentes pasamos a hablar del disco que toca hoy, que es el American Idiot, su séptimo álbum de estudio.

Lennon, músico, activista, pacifista y sobre todo un genio al que un enajenado mental le arrebató la vida a la temprana edad de 40 años. Después de finalizar su contrato discográfico con EMI, Lennon decidió alejarse totalmente de la música para criar a su recién nacido hijo Sean, debido a la vorágine del éxito y la fama con Los Beatles, se había perdido la infancia de su primer hijo, Julian. Durante este tiempo, siguió componiendo. En 1980, había vuelto ilusionado a grabar el que sería su álbum póstumo Double Fantasy, y tras su salida al mercado, continuó la grabación de nuevos temas, canciones que verían la luz en 1984 en un disco llamado Milk an d honey. Lennon fue asesinado a las puertas de su domicilio en el edificio de apartamentos Dakota, frente a Central Park en Nueva York, Mark David Chapman, un fan de Hawái, se trasladó a Nueva York tras la estela del músico. Lo había esperado varias veces en el portal del Dakota, llegando a hablar con él y solicitarle un autógrafo. El lunes 8 de diciembre de 1980, Mark David, abordó a John y Yoko y le tendió el disco Double Fantasy para que se lo firmara, la casualidad hizo que un periodista que se encontraba en el lugar le hiciera una foto firmando el disco, en la que se ve a John con su asesino, la última instantánea de Lennon con vida. John y Yoko se dirigieron como cada tarde a los estudios Hit Factory, para editar y grabar los nuevos temas. Chapman espero impaciente con su disco firmado a que el matrimonio regresara a casa. Alrededor de los 10 y 50 minutos de la noche, cuando se bajaron del coche y se dirigían hacia la puerta principal saludando al portero, una voz hizo que John se parara, Señor Lennon, Señor Lennon, en ese momento Mark David Chapman disparó cinco tiros al músico, de los que cuatro impactaron en la espalda y otro en el hombro izquierdo, en el suelo quedaron las gafas de Lennon ensangrentadas. Fue trasladado al cercano Hospital Roosevelt, donde ingresó cadáver a las 11 de la noche. Su asesino se quedó sentado en el lugar del crimen esperando su detención, el álbum firmado lo había arrojado tras unos matorrales, que un policía hallo cuando recogía los casquillos del revolver. Al día siguiente Ono emitió una declaración, No hay funeral para John, amaba y rezaba por la vida humana, por favor hagan lo mismo por él. Su cuerpo fue incinerado en el Cementerio Ferncliff de Nueva York y sus cenizas esparcidas en Central Park, donde posteriormente se creó el monumento conmemorativo Strawberry Fields. Han surgido muchas teorías sobre su asesino que contradicen que fuera una persona con problemas psiquiátricos o que se tratase de un fan obsesionado, entre ellas la más comentada y que con el paso del tiempo ha adquirido mayor verosimilitud, apuntan a que Chapman era en realidad un agente contratado por la CIA para ejecutar a Lennon. Recordemos que la figura del músico resultaba incómoda para el gobierno americano a raíz de su activismo y protestas contra el sistema capitalista, sumando adeptos y haciendo tambalear la estabilidad del orden y la imagen del país.

Empezó a tocar el ukelele y un bajo de una sola cuerda fabricado con una caja de té, lo que le sirvió para tocar en algunas bandas de skiffle, un estilo de música americano de principios del siglo XX. A través de su hermanastro, Terry Burns, empezó a escuchar discos de jazz. Y aquí llega uno de los momentos que a pesar de que pudiese ser una pequeña desgracia, se convirtió en una de las características que más le diferenciaban: sus ojos. Al contrario de lo que mayoritariamente se cree, no tenía los ojos de distinto color, como veremos a continuación: Corría el año 1962, en el colegio tuvo una pelea por una chica con su amigo George Underwood, que le propinó un puñetazo en su ojo izquierdo con un anillo que llevaba puesto. Por ello tuvo que ser operado, quedándole la pupila dilatada constantemente, lo que le hizo tener una percepción de la profundidad anómala. Por lo tanto, al contrario de lo que se cree, Bowie no tenía los ojos de distinto color, sino una de las pupilas dilatadas. A pesar de ello, no sólo siguieron siendo amigos David y George, sino que éste último colaboró en algunas de las portadas de los primeros discos de Bowie. Otro de los amigos de la época escolar de Bowie fue nada menos que el guitarrista Peter Frampton, cuyo padre era el director de la misma. Frampton formó su primer grupo con Bowie a los 10 años de edad. Posteriormente, se hizo muy famoso en 1976 con el doble directo ‘Frampton Comes Alive!’, que tantas alegrías le dio en su día, convirtiéndose en ídolo de jovencitas, un público al que dirigió descaradamente su siguiente disco ‘I’m In You’. A pesar de tener una carrera repleta de discos, cayó en el olvido en los 80, como otros muchos. Su amigo de infancia, Bowie, le rescató para su disco ‘Never Let Me Down’, uno de los más flojos de la carrera de Bowie y la gira ‘Glass Spider’. A raíz de ahí, Frampton pudo retomar su carrera hasta nuestros días. Por esa época nacería su primer hijo (Duncan Jones, llamado originalmente Zowie), con la que fuese entonces su mujer, Angie. Esta modelo, actriz y periodista ayudó en toda la caracterización que sufrió Bowie a partir del siguiente disco, como Ziggy Stardust. Se divorciarían en 1980, sólo 10 años después de la boda. Duncan es hoy director de cine, con alguna película con repercusión, alejado del mundo de la música, excepto como heredero de una gran fortuna. En este disco, el propio Bowie le dedicó una canción ‘Kooks’. No es la canción que vamos a escuchar ahora, sino otro de sus temas más conocidos: ‘Life On Mars?’, que se extrajo de este LP como single. La historia de esta canción está relacionada con un proyecto que Bowie realizó para Frank Sinatra, y que al final fue descartado. Bowie había sido escogido como la persona que reescribiese el famoso tema de Claude François ‘Comme d’habitude’. La letra de Bowie fue al final rechazada, siendo reescrita nuevamente por Paul Anka, conviritiéndola con la voz de Sinatra, en la famosa ‘My Way’, que hasta fue versionada por Sin Vicious, de los Sex Pistols. ‘Life On Mars?’ fue la pataleta de Bowie por el desaire hecha canción. Esta canción se convirtió y sigue siendo a día de hoy, uno de los temas más famosos de Bowie. El que había sido productor en algunos de los primeros discos de Bowie, Tony Visconti le abandonó en este disco porque tenía otros encargos. Nada menos que con el contrincante acérrimo de Bowie en la etapa glam, que fue el desaparecido Marc Bolan de los T. Rex. Visconti produciría algunos de los mejores discos de T. Rex, durante la época dorada de su carrera: ‘Electric Warrior’, que en breve dedicaremos un programa, ‘’The Slider’ y ‘Tanx’. Visconti estuvo produciendo el segundo disco de Bowie, ‘Space Oddity’, aunque curiosamente produjo todo el disco excepto justamente uno de los temas más conocido de Bowie y que le daba nombre al disco ‘Space Oddity’. Más curioso fue que en una reedición reciente de dicho disco fuese remezclada por el propio Visconti. A pesar de todo, volvería como productor en discos posteriores de Bowie como: Low, Héroes, Lodger, Scary Monsters, The Next Day o el póstumo ‘Blackstar’.

¡Bienvenidos a los Vinilos de Barbarella! Un año más ponemos a vuestra disposición el esperado programa navideño, donde aprovechamos un disco en vinilo para disfrutarlo o despellejar hasta la saciedad. En esta ocasión hemos escogido 'A Twisted Christmas' de la banda Twisted Sister, repleto de conocidos temas para esta época pero tocados con mucho metal y mucha diversión. Esperamos que lo disfrutéis tanto como lo disfrutamos nosotros cuando grabamos este podcast que cierra este 2021. Os deseamos felices fiestas y que 2022 sea mucho mejor que este que nos deja. ¡Salud y Vinilos!

Tenemos hoy con nosotros a José Dana (Pepe) de Riff Raff Discos, una tienda emblemática de discos (aunque también hay libros y muchas más cosas) situada en Hospitalet de Llobregat, en la provincia de Barcelona. Pepe ha venido hoy para presentarnos un disco bien conocido de los ingleses Led Zeppelin, una de las grandes del rock de todos los tiempos y que fue fundada por su guitarrista, Jimmy Page, que ya había estado en otra gran banda como fue The Yardbirds.

El disco de Ghost Meliora del 2015 ganador de un Grammy en 2016 por la mejor interpretación metal. Tercer disco de la banda después del Opus Eponymous del 2010 y Infestissuman del 2013. Ya veis que les dio por el latín. Es un rasgo más de la temática del grupo. Al igual que los dos discos anteriores, en los que trataban de la llegada del anticristo en uno y el Segundo trata de su presencia ya entre la población, Meliora se centra en la ausencia de dios. De la banda en el momento de la publicación se sabía bien poco, básicamente que son suecos, que el frontman cambia en cada disco siendo el de este el Papa Emeritus III el cual lleva un maquillaje que lo hace irreconocible y los músicos los Nameless Gouls, únicamente identificados por un símbolo en su vestimenta y siempre con máscaras tapándoles la cara. Si no los conocéis ya solo por esto os podéis imaginar que es una banda con una estética muy peculiar. Ghost es una herramienta de una iglesia satánica muy peculiar para conseguir más fieles y difundir su mensaje. Encuentra más información sobre este podcast en nuestra página web: https://barbarellavinyls.com

Quinto álbum de estudio de Supertramp, que se grabó entre los meses de noviembre de 1976 y enero de 1977, siendo publicado en abril de 1977. Fue grabado principalmente en los Caribou Ranch Studios de Colorado, con sobregrabaciones y mezclas añadidas en el Records Plant de Los Angeles. Más información en nuestra página web: https://barbarellavinyls.com