Los Vinilos de Barbarella 1e4x6r

Se cumplen este año 30 años del lanzamiento del álbum. que según algunos marcó el fin de la era del hair metal para poner al punk, grunge y el rock alternativo en el mainstream: El legendario Nervermind de Nirvana.  Los ya míticos Nirvana, probablemente los más famosos e influyentes exponentes del grunge, se formaron en 1987 cuando Kurt Cobain se juntó con Krist Novoselic a quien había conocido en el instituto de Aberdeen, Washington al que iban juntos. Con Novoselic en el bajo, Cobain en la guitarra y voz y con… bueno con unos cuantos bateristas al principio, antes de que por fin se juntaran con Dave Grohl en 1990, Nirvana comenzó el camino que los llevaría a cambiar la historia de la música para siempre.  A Nevermind se le atribuye a menudo el mérito de haber iniciado un resurgimiento de la cultura punk entre los adolescentes y adultos jóvenes de la Generación X. Además, fue responsable en parte de llevar tanto el grunge como el rock alternativo a una audiencia mayoritaria y acabar con el dominio del hair metal. El álbum ha vendido más de 30 millones de copias en todo el mundo, lo que lo convierte en uno de los álbumes más vendidos de todos los tiempos. En marzo de 1999, fue certificado Diamante por la RIAA. Entre los álbumes más aclamados en la historia de la música, Nevermind fue agregado al Registro Nacional de Grabaciones en 2004 como "cultural, histórica o estéticamente significativo”. Tienes más información en nuestra página web: https://barbarellavinyls.com

Hoy traemos a este podcast, la figura de un guitarrista que supo evolucionar e innovar a nuevas técnicas, su figura estuvo eclipsada por dos grandes genios que eran John Lennon y Paul McCartney.​ Poco a poco fue adquiriendo notoriedad en el grupo The Beatles, componiendo temas importantes en la discografía del grupo, su zenit llegó en 1969, cuando un tema suyo apareció como cara A de un single, copando las listas de éxito como número uno, nos referimos al tema Something, del cual se han hecho muchas versiones, destacando las de Fran Sinatra y Elvis Presley. Fue precursor de distintas formas de tocar la guitarra, empleó un pedal de tono recién inventado por un técnico de EMI en la canción de 1965, Yes it is, revolucionó la música con la inclusión del sitar indio en algunas composiciones de Los Beatles, así como el uso de la guitarra slide y el pedal de wah wah. Tras su separación de Los Beatles, se afianzó como gran compositor, consiguiendo éxitos en las décadas de los 70 y 80. Su debut fue sonado, sacando al mercado el primer albúm triple de la historia del rock, fruto de las innumerables composiciones que poseía en la última etapa Beatle y que fueron descartadas por el resto. Algunas de estas canciones fueron ensayadas en el proyecto del que iba a ser el último disco de Los Beatles, Get back. Estamos hablando del álbum All things must , que constaba en su primera edición de dos discos con material nuevo y un tercer disco con una jam sesión. La presentación fue innovadora, consistía en una caja de cartón con bisagras, en cuyo interior se alojaban los tres discos y un poster, presentación exclusiva de las obras de música clásica. Anteriormente a este disco, George había sacado dos discos más en solitario, nos referimos a Wonderwall music, aparecido en noviembre de 1968 y que fue la banda sonara del largometraje Wonderwall interpretado por Jane Birkin, el segundo fue lanzado en mayo de 1969, con el título Electronic sound, álbum experimental con temas largos interpretados por un sintetizador Moog. George vino al mundo un jueves 25 de febrero de 1943, en el domicilio familiar, en Liverpool, concretamente en el número 12 de Arnold Grove. De familia católica y de ascendencia irlandesa por parte de su madre Louise. Harold, su padre había sido marino mercante, hasta que lo dejo para ser conductor de autobús. Estudió en la escuela infantil Dovedale Road, cerca de Penny Lane, donde también lo hiciera John Lennon, aunque no se conocieron por la diferencia de edad. A la edad de 11 años tras superar una prueba, le fue concedida una plaza en el Liverpool Institute for Boys, hoy día convertido en el LIPA, donde conoció a Paul McCartney. Poco antes de iniciar el curso con 12 años, fue ingresado en el hospital por una nefritis (inflamación de riñón). Durante su convalecencia compró su primera guitarra, una Egmond, a un compañero del Dovedale, Raymond Hughes por 3 libras y 10 chelines. Pasaría poco tiempo para que se hiciese con su primera guitarra decente, una Hofner President, debido al auge del skiflle por aquellas fechas, forma su primer grupo, The Rebels, junto a su hermano Peter y Arthur Kelly, influenciado por los artistas Chuck Berry, Elvis Presley, Little Richard, Buddy Holly, Fats Domino, Bill Halley, Eddie Cochran, Lonnie Donegan y Chet Atkins. En 1959, tras finalizar su periplo en la escuela, alternó la música con un trabajo de aprendiz de electricista. Su formación ayudó a hacer de Harrison, el miembro más eficaz en el grupo a la hora de experimentar nuevos sonidos y reparar los equipos. George vio a The Quarrymen por primera vez el 6 de febrero de 1958 en el Wilson Hall. Posteriormente en marzo de ese mismo año, se presentó a una audición para formar parte como guitarrista del grupo, Lennon lo desestimó porque según él era demasiado joven para formar parte de la banda. McCartney, presionó a Lennon para que lo itiera, ya que se habían hecho muy amigos en la escuela, debido a su afición por la música. McCartney organizó otro encuentro, por lo que le dijo a George que trajera su guitarra, el encuentro fue en la parte superior del autobús que hacía el trayecto de Penny Lane, Paul le dijo que tocara algo para John, tocó el tema Raunchy de Billy Haughn. John quedó fascinado por la interpretación del tema, ya que él no había conseguido aprenderlo, por lo que entró a formar parte de The Quarrymen, el resto ya es historia. Harrison no podía considerarse al principio como un guitarrista virtuoso, si bien a mediados de los 60, la practica le hizo un guitarrista más fluido y creativo, realizando las labores de guitarrista solista y rítmico. Más adelante, adentrados en los 70, el sonido que conseguía con la Steel guitar, se convertiría en su sello personal. A mediados de los 90, y debido en parte a ser un gran fumador, George libró una dura batalla con el cáncer, siendo eliminado en sucesivas operaciones primero de la boca y posteriormente del pulmón. El 30 de diciembre de 1999, fue asaltado en su mansión por un intruso a punta de navaja, Harrison y Olivia se enfrentaron a él y lograron reducirle. Michel Abraham, de 35 años declaró que estaba poseído por el espíritu de Harrison y que era una misión de Dios el matarle. Se le condenó y mandó a un sanatorio mental. Este sobresalto hizo que en el 2001 reapareciera el cáncer de pulmón, con dos metástasis en el cerebro. Se sometió a tratamientos agresivos en Suiza y Nueva York, pero el 22 de noviembre los médicos le confirmaron su carácter terminal, recibiendo solamente tratamientos paliativos. Para que George muriera en completa tranquilidad, McCartney le cedió una villa que poseía en Hollywood Hills, Los Ángeles. George organizó un último encuentro con Paul y Ringo, así como con su hermana Louise, de la cuál llevaba tiempo distanciado por diversos enfrentamientos. El 29 de noviembre del 2001 y a la edad de 58 años, George falleció. Fue incinerado y si bien algunos medios afirmaron que sus cenizas fueron arrojadas al río Ganges, no ha habido ninguna declaración familiar que lo certifique a día de hoy.

Hoy tenemos un programa acerca de el supergrupo estadounidense The Winery Dogs. Formado en el año 2012 en la ciudad de Nueva York con el baterista Mike Portnoy que ha sido miembro de bandas como Dream Theater o Avenged Sevenfold, el bajista Billy Sheenan del grupo Mr. Big y que ha trabajado con artistas como Steve Vai o David Lee Roth y el vocalista y guitarrista Richie Kotzen que estuvo en bandas como Poison o Mr. Big y con una larga carrera en solitario. Lo que al principio iba a ser únicamente un proyecto pensado por los Mike Portnoy y Billy Sheenan se acabo consolidando como una banda gracias a la contratación de Richie Kotzen sugerida por el periodista Eddie Trunk. Como Sheenan había estado con Kotzen en Mr. Big sabía que era un fichaje estrella para el proyecto. Ya poco después de ello grabaron su primer album de título homónimo seguido de un DVD en vivo llamado ‘Unlashed in Japan 2013: The Winery Dogs’ En junio del 2015 la banda grabó su segundo disco en su estudio de Los Angeles, y el proyecto finalmente salió en octubre y se llamó ‘Hot Streak’. En abril del 2017 Kotzen se tomó un descanso de la banda pero afirmo que seguía teniendo buena relación con el resto de del grupo y dijo que no descartaba realizar más proyectos en un futuro. En 2019 hicieron una gira durante un mes por los Estados Unidos, y de momento no se sabe mucho más sobre su carrera, aunque hay rumores de que podrían volver pronto al estudio. El grupo esta claramente influenciado por las bandas y artistas de Rock Clásico como Led Zeppelin, Cream, Jimi Hendrix o Grand Funk Railroad y al mismo tiempo también de bandas de Grunge como Soundgarden o Alice In Chains o otras bandas como el grupo de Rock Sureño de los 90s The Black Crowes.

En la década de los 90' escuchaba mucho Radio 3, que hicieron un buen eco de las bandas grunge, a raíz del bombazo a nivel mundial que supuso el Nevermind de Nirvana. Inmediatamente empezaron a sonar Soundgarden, con el disco que hoy presentamos, Pearl Jam con Ten, Alice in Chains con Dirt, y eso para mí, fue como un nuevo despertar, era un sonido nuevo, con el que conecte directo, y que me devolvió la fe en las novedades, y me sacó de mi estancamiento setentero, como se dice ahora, me estalló la cabeza. Hoy hemos escogido ‘Botorfinger’, que es el tercer disco de la banda. Fue lanzado el 24 de septiembre de 1991, más o menos 30 años. Es el primer disco que grabaron con el nuevo bajista Ben Shepherd. Es un proyecto que todavía mantenía el sonido metal de sus anteriores discos.

Lennon, músico, activista, pacifista y sobre todo un genio al que un enajenado mental le arrebató la vida a la temprana edad de 40 años. Lennon, músico, activista, pacifista y sobre todo un genio al que un enajenado mental le arrebató la vida a la temprana edad de 40 años. Después de finalizar su contrato discográfico con EMI, Lennon decidió alejarse totalmente de la música para criar a su recién nacido hijo Sean, debido a la vorágine del éxito y la fama con Los Beatles, se había perdido la infancia de su primer hijo, Julian. Durante este tiempo, siguió componiendo. En 1980, había vuelto ilusionado a grabar el que sería su álbum póstumo Double Fantasy, y tras su salida al mercado, continuó la grabación de nuevos temas, canciones que verían la luz en 1984 en un disco llamado Milk and honey. Lennon fue asesinado a las puertas de su domicilio en el edificio de apartamentos Dakota, frente a Central Park en Nueva York, Mark David Chapman, un fan de Hawái, se trasladó a Nueva York tras la estela del músico. Lo había esperado varias veces en el portal del Dakota, llegando a hablar con él y solicitándole un autógrafo.

Se cumplen este año 33 años del lanzamiento del álbum que marcaría el des8no de la banda argen8na Soda Stereo y qué mejor excusa que esta para reseñar por primera vez un álbum de Rock en Español del otro lado del océano. Comencemos por hablar de la banda. Quiénes eran Soda Stereo? Soda Stereo es una banda argen8na de rock formada originalmente en Buenos Aires en 1982 por Gustavo Cera8 (voz, guitarra), Héctor «Zeta» Bosio (bajo) y Carlos Alberto Ficicchia «Charly Alber8» (batería) hijo del famoso baterista de jazz Tito Alber8. Es considerada por la crí8ca especializada como la más importante, popular e influyente de las bandas en español de todos los 8empos y una leyenda de la música la8na. Fueron el primer grupo de habla hispana en conseguir un éxito masivo en La8noamérica y tuvieron un papel muy importante en el desarrollo y la difusión del rock iberoamericano y el rock en español durante las décadas de 1980 y 1990. Durante su carrera, fueron vanguardistas y marcaron tendencia en La8noamérica, en la que protagonizaron diversos géneros como la música diver8da de sus inicios, la new wave, el dark, el hard rock, el rock alterna8vo y el rock electrónico de sus finales. Soda Stereo ha encabezado las listas de todos los 8empos en su na8va Argen8na, donde se establecieron varios récords de ventas de discos y asistencias a conciertos. La banda ha vendido más de 25 millones de copias en todo el mundo. La música del álbum fue escrita en su mayoría por Cera8 y en algunos de los temas lo hizo en conjunto con Zeta, (Como esta), Charly e incluso con Sais. Sin embargo, las todas las letras son obra de Cera8 únicamente, a excepción de Terapia de Amor Intensiva en la que contó con la colaboración de Richard Coleman y En el borde que fue escrita enteramente por Alomar y Coleman sin la par8cipación de Cera8 y donde escucharemos a Alomar rapeando.

Hoy vamos a hablar de Aqualung, el cuarto trabajo de estudio de Jethro Tull, y que el pasado 19 de marzo de 2021 fue el 50 aniversario de su lanzamiento. Aqualung, es sin lugar duda alguna, una obra maestra, y un icono de una de las mejores bandas, no solamente del rock progresivo, o folk progresivo, sino del rock en general.​ La grabación de este álbum, en 1971, fue una lucha contra las deficiencias técnicas del estudio de grabación. Y la versión original, fue más un triunfo de la composición y de la interpretación, que de excelencia sonora. Así que, en 2011, con motivo de su 40 aniversario, Steven Wilson, se hizo con las cintas originales, y descubrió que sonaban mucho que la mezcla original de 1971, y con la tecnología digital actual, obtuvo más tono, profundidad y claridad. Fue fiel al espíritu de la época en que se grabó el álbum. No intentó modernizar la mezcla, por lo que la ecualización, los niveles de volumen, reverberaciones, ecos y otros efectos, se corresponden lo más posible a la mezcla original de 1971. Y esta es la versión de vinilo que he traído, la remezcla de Steven Wilson.

De nuevo me tenéis por aquí, en “Los vinilos de Barbarella”, para hablar de mis gustos personales que en gran medida se centran en grupos bastante recientes o que siguen activos, y que muchos de ellos me gustarían poder tener en formato vinilo y otros quizás os puedan interesar también a vosotros. Esta vez os traigo una nueva sección y es la de 'primeras impresiones de discos', en esta ocasión con las del pasado mes de enero, para que como siempre vosotros, mis oyentes, podáis estar al día de todas las novedades musicales. Todas las novedades serán elegidas bajo mi criterio con todos aquellos grupos que realmente puedan interesar a todos aquellos que quieran descubrir la escena musical actual. En esta ocasión voy ha hablar de los lanzamientos que hubo este pasado mes de enero, ya para iniciar los discos mas interesantes que salieron el pasado enero de este nuevo año 2021 y que al parecer, ha empezado con bastante fuerza. Por supuesto, hay novedades de todos los estilos que personalmente me gustan, aunque siempre se aceptan sugerencias. Y como no, hay gran variedad de géneros: desde el indie rock, pasando por el pop-punk, el metal experimental, el rock alternativo, etc... Esta vez y como novedad, el programa no estará dividido en EPs y LPs sino que estarán mezclados. Estoy seguro que además de que os pondréis al día de los lanzamientos de vuestros grupos favoritos, también descubriréis otras muchas bandas y artistas que seguro que desconocíais en esta sección. En este programa escucharemos al mítico grupo de Indie Rock y Rock Alternativo Weezer, el Post-Punk más enérgico de la banda Shame, el último álbum de la banda japonesa de J-Rock y Hard-Rock BAND-MAID y por primera vez como novedad os traigo una banda española, y es el grupo de Pop-Punk e Indie Rock doriunda de Terrassa llamada Anabel Lee. Los discos de los que se hablará en este programa son: · Viagra Boys - Jazz Welfare · Frat Mouse - Ply-Wood · Beach Bunny - Blame Game EP  · Shame - Drunk Tank Pink · FRank Iero and the Future Violents - Heaven is a Place, This is a Place EP · Hospital Bracelet - South Loop Summer · BAND-MAID - Unseen World · The Body - I've Seen All I Need to See · Portrayal of Guilt - We Are Always Alone · Weezer - OK Human · Anabel Lee - Anabel Lee

Hoy traemos a estos podcasts la figura de un cantante que supo entender el rock and roll como nadie, en un país donde la música que se escuchaba era la copla y la canción española, a través de la radio que emitía en onda media. De nombre Emilio Baldoví Menéndez, nacido un 14 de junio de 1940 en Xàtiva, localidad de Valencia. De familia de clase media, su padre era un coronel del ejército de tierra español. A la edad de 10 años se traslada a vivir a Valencia, estudia bachillerato en el colegio dominico de San Vicente Ferrer, donde conoce a Salvador Blesa con el que formaría años más tarde el trio Los Milos, el nombre es una derivación fonética del propio nombre de Bruno, Emilio. Deja sus estudios universitarios de Ciencias Sociales, Derecho y Peritaje Agrónomo, para dedicarse a lo que más le gusta, emular a sus ídolos Elvis Presley y Gene Vincent. Analicemos el panorama musical que vivió Emilio en Valencia en la década de los 50. España sufría un atraso considerable en la edición de vinilos con respecto a otros países. A mediados de los 50, en países cercanos como Portugal, Francia y resto de Europa se oían discos de pizarra de 78 rpm. Valencia cuenta con un puerto abierto al mar Mediterráneo, y al igual que ocurriera en Liverpool, atracaban constantemente buques militares y portaviones estadounidenses por su proximidad con las bases navales establecidas en nuestro país. Los marines portaban los primeros discos aparecidos en su país con un nuevo ritmo frenético llamado rock and roll. Deberíamos esperar hasta principios de los años 60 para que aparecieran los primeros tocadiscos portátiles de maleta, hecho que daba más intimidad a la juventud para poder escuchar los primeros extended play de cuatro canciones a 45 rpm en sus habitaciones, sin tener que discutir con sus padres por escucharlos en el equipo voluminoso del salón. Las tiradas de estos ep´s rondaban entre las 150 y 350 copias. Aparecen los primeros guateques y con ellos la apertura de algunas tiendas especializadas en la venta de pick ups y discos, normalmente importados de la cercana Francia. Los jóvenes con poco poder adquisitivo solían alquilar los tocadiscos y los vinilos de moda, sin faltar los cuba libres de ron. No es de extrañar que comenzaran a aparecer infinidad de grupos que se movían en ambientes universitarios y que normalmente pertenecían a la clase media, grupos como Los Top Son, Los Rockeros, Els 4Z, Los Huracanes, Los Protones, Los Diapasons, Los Pepes, Els 5 xics, Los Genios, Los Milos o Los Pantalones Azules, por nombrar algunos.

Hoy os traemos un podcast del álbum en directo de la banda de Hard Rock y Blues Rock, Thin Lizzy. Thin Lizzy es una banda aparecida en Dublín, Irlanda en el año 1969. El grupo fue formado por el baterista Brian Downey y el bajista y vocalista Phil Lynott cuando todavía estaban en la escuela. Durante su carrera de más de doce proyectos de estudio, Lynott fue el líder de la formación. Lynott fue el compositor o co-compositor de casi todas las canciones de la banda, y el primer irlandés negro en lograr el éxito comercial en el campo de la música rock. Thin Lizzy contó con varios guitarristas a lo largo de su historia, con Downey y Lynott como la sección rítmica, en la batería y el bajo. Además de ser multirracial, la banda atrajo a sus primeros no solo de ambos lados de la frontera irlandesa, sino también de las comunidades católica y protestante durante The Troubles. Su música refleja una amplia gama de influencias, que incluyen blues, música soul, rock psicodélico y música folclórica tradicional irlandesa, pero generalmente se clasifica como hard rock o, a veces, heavy metal. La revista Rolling Stone describe a la banda como claramente hard rock, "lejos del rebuzno del grupo de metal de mediados de los 70". Dos de los fundadores de Thin Lizzy, el bajista y vocalista Phil Lynott y el baterista Brian Downey, se conocieron mientras estaban en la escuela en Dublín a principios de la década de 1960. Lynott, nacido el 20 de agosto de 1949 en West Bromwich, Inglaterra, de madre irlandesa, Philomena (1930-2019) y padre guyanés Cecil Parris (1925-2010), se crió en Dublín desde los tres años. Downey nació el 27 de enero de 1951 en Dublín. Lynott se unió a una banda local, The Black Eagles, como vocalista en 1963, y Downey fue contratado como baterista en 1965. En diciembre de 1969, Bell y Wrixon se conocieron por casualidad en un pub de Dublín y descubrieron que compartían ideas similares de formar una banda, y decidieron visitar el Countdown Club donde vieron a Lynott y Downey actuar con Orphanage. Lynott no tocaba el bajo en ese momento, pero Bell quedó particularmente impresionado por Downey y se presentó a Lynott y Downey durante un descanso. Cuando Bell preguntó si considerarían formar una banda juntos, Downey inicialmente se mostró escéptico , pero ambos hombres estaban al tanto de la reputación musical de Bell. Estuvieron de acuerdo esa noche con la condición de que Lynott tocara el bajo además de cantar, y que la banda interpretaría algunas de las composiciones de Lynott. A finales de 1972, la banda se embarcó en una gira de alto perfil por el Reino Unido con Slade, que estaban disfrutando de una serie de sencillos de éxito en ese momento, y Suzi Quatro. Casi al mismo tiempo, Decca lanzó la versión de Thin Lizzy de una balada tradicional irlandesa, "Whisky in the Jar", como single. A principios de 1975, Thin Lizzy realizó una gira por los Estados Unidos por primera vez, en apoyo de Bob Seger y Bachman-Turner Overdrive (BTO). Cuando BTO realizó una gira por Europa a finales de año para apoyar su sencillo "You Ain't Seen Nothing Yet", Thin Lizzy nuevamente los acompañó en lo que fue una gira de muy alto perfil. Luego grabaron el álbum Fighting, que se convirtió en el primer álbum de Thin Lizzy en las listas en el Reino Unido, alcanzando el nº 60, aunque los sencillos todavía no llegaron a las listas. En 1978, Thin Lizzy lanzó su primer álbum en vivo 'Live and Dangerous'. Existe cierto desacuerdo sobre qué parte del álbum está realmente grabado en vivo: el productor Tony Visconti afirmó que las únicas partes que no se sobregrabaron fueron la batería y la audiencia. Sin embargo, Brian Robertson ha disputado esto, diciendo que había rechazado la solicitud de Lynott de volver a grabar un solo de guitarra, y que las únicas sobregrabaciones eran coros y algunas partes de guitarra de Gorham. Añadió: "Simplemente no es cierto. La única razón por la que dijimos que se grabó todo fue obviamente por razones fiscales ... así que todo lo que Visconti afirma son tonterías". Gorham está de acuerdo, afirmando que intentó hacerlo: regrabar un solo pero no pude recrear el sonido en vivo, y agregó: "Hice de nuevo una pista rítmica y algunas voces de acompañamiento. Pero eso es todo". El álbum fue un gran éxito, alcanzando el número 2 en el Reino Unido, y fue clasificado como el mejor álbum en vivo de todos los tiempos por la revista Classic Rock en 2004. La partida permanente de Robertson se produjo poco tiempo después de un concierto en Ibiza el 6 de julio de 1978, y los desacuerdos con Lynott se desarrollaron a un nivel imposible. Robertson luego se asoció con Jimmy Bain para encabezar su nueva banda, Wild Horses.

De nuevo me tenéis por aquí, en “Los vinilos de Barbarella”, para hablar de mis gustos personales que en gran medida se centran en grupos bastante recientes o que siguen activos, y que muchos de ellos me gustarían poder tener en formato vinilo y otros quizás os puedan interesar también a vosotros. En esta ocasión os traigo las que para mí son las mejores canciones de Green Day y para ello tenemos como invitado a Julio del canal de YouTube, Visión de Pez. Para quien no conozca a Green Day (que sería un caso extraño, por otra parte) es una banda americana pionera en el sonido de Pop-Punk aunque por su carrera también han explorado géneros como el Punk Rock, el Rock Alternativo e incluso la Opera Rock. Los de la banda que la componen son el vocalista Billie Joe Armstrong, el bajista Mike Dirnt y el batería Tré Cool, siendo así un power trio fantástico. La banda se formó en Berkley, California en el año 1986 y se ha mantenido con los mismos desde su formación cuando aún se llamaban Sweet Children.  Es una de las bandas más importantes para la historia del Punk, la cual es amada por muchos y también odiada por otros tantos, pero hay que itir que es una de las bandas más influyentes de la historia, en especial con proyectos como 'Dookie' o 'American Idiot'. Con ya 30 años de historia recién cumplidos, el grupo tiene en su discografía de un total de 13 proyectos y varios singles, siendo así una de las bandas de mayor éxito y reconocimiento de la historia de la música, habiendo ganado varios premios de gran calibre como un Grammy al mejor álbum de Rock y vendiendo millones de copias alrededor de todo el planeta. En su carrera se ha visto una evolución realmente interesante en la que pasaron de proyectos de Pop-Punk donde se mostraba la rabia y la tristeza a un contenido mucho más político y crítico pero igual de emocional, que es lo que les hace tan especiales. En este podcast vamos ha hablar de la primera parte del listado, ya que cada uno hemos elegido nuestras 10 canciones favoritas de la banda, creando así el que sería el top definitivo. Hemos elegido canciones teniendo en cuenta toda su discografía, desde los inicios con el '39 Smooth' al álbum aparecido este pasado año 2020 llamado 'Father of All..." Las canciones que escucharemos en este programa son: · Green Day · One of my Lies · Minority · No pride · Jesus of Suburbia · Give me Novacaine · Brain Stew/Jaided · Deadbeat Holiday · Good Riddance · Revolution Radio

Smash comienza su actividad en 1968 en Sevilla. Recuerdo, por si a alguien se le ha olvidado, que en esta época España era una dictadura en la que la censura, el hermetismo y la privación de libertades era una realidad. Aquí las influencias extranjeras o llegaban con retraso o con censura. En lo artístico o musical había dos ciudades que iban por delante del resto, una era Barcelona por su carácter abierto y sobre todo por su cercanía a Francia y otra era Sevilla, en la que floreció una escena hippie que empasto sorprendentemente con la cultura local. A Sevilla gracias a su cercanía con la base militar de Morón de la Frontera llegaron militares estadounidenses portadores de una vasta cultura musical, jazz, blues, r`n`r psicodélico, etc. A parte de discos, también con ellos llego el LSD, ideas hippies y muchos además tenían interés por el flamenco Y es aquí donde tenemos que nombrar el Centro Flamenco de Espartero impulsado por el guitarrista, escritor y flamencólogo Dohn. E. Phoren y la figura de Diego del Gastor en Morón de la Frontera. Se podría decir que Smash tuvieron dos épocas, la primera formada por Gualberto guitarra, Julio Matito bajo y voz, Antonio Rodríguez a la batería, Hendrik el danés guitarra y violín y la segunda cuando se incorpora Manuel Molina guitarra y voz que es la más conocida. El que inicia las andaduras del grupo es el multi instrumentista Gualberto al que le ofrecen quedarse los instrumentos de la desaparecida banda Gong a cambio de montar una banda nueva. El que hizo este ofrecimiento fue Gonzalo García Pelayo que de paso le dio nombre al grupo. Gualberto llego incluso a ar con Jesús de La Rosa que declino la oferta y más tarde sería el cantante de Triana. Logran en 1969 grabar dos sencillos para el sello Diabolo sin demasiada repercusión pero atraen al sello Phillips con el que lanzan un par de singles más. Es a finales de 1970 cuando ya lanzan su primer LP Glorieta de los Lotos producido por el sevillano Alfonso Eduardo que también produce su segundo LP y último con Phillips Esta Vez Venimos a Golpear de 1971. La cara B la ocupan temas del cantaor Manuel de los Santos Pastor, más conocido por el Agujetas o el Agujetas de Jerez aunque se cree que nació en Rota. Ojo que esta el Agujetas Viejo (su padre), el Agujetas Chico (su hijo) y no sé si se me escapa alguno más. Ya os podéis imaginar que viene de saga de cantaores. Gitano, cantaor, herrero y heredero de la sobria escuela jerezana. Para definirlo me quedo con lo que dijo Antonio García El Platero en el documental Agujetas Cantaor “El cante de Agujetas es como el primer trago de Whiskey que te tomas en tu vida”. A mí me gusta el Whiskey y Agujetas también. De los trabajos de la segunda etapa ya con la incorporación de Manuel Molina y producidas por Alain Milhaud solo vieron la luz algún single más. Se quedaron colgados cinco temas que quedaron olvidados en las oficinas de la productora Zafiro que a su vez fue el origen de la histórica Chapa Discos de Vicente Mariscal. Es él el que encuentra entre un montón de cintas las grabaciones y decide publicarlas. Cinco temas no daban para un disco, es por eso que piensa poner como contrapunto en la cara B temas de Manuel Agujetas con Manolo Sanlúcar a la guitarra.

Hoy os traemos un podcast del décimo álbum de estudio de la banda de grunge y rock alternativo Foo Fighters que, a lo largo de los años, y más en especial en esta última década, hemos visto como su estilo ha ido variando, y en este caso le dan una nueva vuelta de tuerca. Pero antes, vamos a conocer a la banda en cuestión. Foo Fighters es una banda estadounidense formada en la ciudad de Seattle en 1994 por Dave Grohl, el cual fue exbaterista tanto del grupo de Hardcore-Punk Scream como de la mítica banda de grunge Nirvana. El nombre es una alusión a los ovnis y los diversos fenómenos aéreos reportados por los pilotos de los aviones aliados en la Segunda Guerra Mundial, que se conocían como Foo Fighters. Poco después de que Dave Grohl abandonara el grupo Scream, fue contratado por Nirvana, que en ese momento era un grupo desconocido, y eso fue uno de los factores por los cuales el ‘Nevermind’ fuese todo un éxito. Por otra parte, Dave escribió algunas canciones que no llegó a publicar porque no las veía acorde a la banda, aunque si que grabó una demo por cuenta propia. Editó unas 100 copias que él mismo repartió únicamente entre sus amistades. Tras la muerte de Kurt Cobain y desaparición de Nirvana, Dave decidió seguir adelante con su carrera musical. Volvió al estudio para grabar más temas en solitario, pero esta vez bajo el seudónimo Foo Fighters. Grabó todos los instrumentos a excepción de la guitarra que tocó su amigo Greg Dulli, el cual era guitarrista de Afghan Whigs. Volvió a editar otra demo, pero en esta ocasión recibió muy buenos comentarios, y eso hizo que se decidiera por formar una banda junto a el bajista Nate Mendel, el baterista William Goldsmith, que justo había abandonado la banda de Emo-Rock Sunny Day Real State y el guitarrista que llevaba Nirvana en las giras, Pat Smear. Más tarde este proyecto sería reeditado bajo el nombre de Foo Fighters, como un álbum de estudio completo. Además, formó el sello discográfico Roswell Records que es subsidaría de Capitol Records. Después del lanzamiento de su noveno álbum la banda y de realizar una extensa gira, la banda anuncio otro descanso en octubre de 2018, aunque Dave ya dijo que estaba empezando a trabajar en un nuevo proyecto. La pausa duró menos de un año ya que, en agosto de 2019, el baterista Hawkins ya dijo que Dave había empezado a preparar material para el siguiente disco, y poco después se embarcaron en su grabación. El proyecto fue grabado en una casa antigua de la década del 1940 en una población cercana a Los Ángeles. Se grabó con mucha fluidez algo que Dave atribuyó a que el material se procesaba rápidamente y que estaban sucediendo hechos paranormales en el entorno de grabación, tales como ruidos extraños y micrófonos que se encendían solos. Él mismo ha comparado el sonido de este nuevo álbum con el sonido del ‘Let’s Dance’ de David Bowie y ha dicho que es un disco divertido y lleno de himnos y canciones para cantar. En febrero de 2020 la banda anunció una gira por USA que se iba a realizar entre abril y mayo pero la pandemia obligó a retrasar la gira para octubre y diciembre, y al mismo tiempo eso provocó que este ‘Medicine At Midnight’, que en principio se iba a lanzar en mayo del 2020, se iba a retrasar indefinidamente. Pero finalmente, Dave decidió que había que lanzarlo igualmente, aunque estuviéramos en pandemia, para así poder levantar el ánimo de los fans. En noviembre del año pasado se retomaron las promociones y el 7 de noviembre de 2020 se lanzó el single ‘Shame Shame’, el 1 de enero de 2021 el single ‘No son of Mine’ y el 14 de enero el single ‘Waiting on a War’. El proyecto finalmente apareció este pasado 5 de febrero, y obtuvo críticas diversas tanto por parte de la prensa como de los fans. Datos del vinilo • Título: Medicine At Midnight • Artista: Foo Fighters • Sello discográfico: RCA/Sony • Label Code/Bar Code: 19439-78839-1 • Año: 2021 • Fabricado en: Europa • Edición limitada con vinilo púrpura arremolinado

Pues sí, hemos llegado al programa número 100. ¿Quién nos lo iba a decir cuando empezamos nuestra andadura a finales del año 2016. Han pasado más de 3 años desde entonces y parece mentira que la ilusión siga siendo la misma que era al comienzo, y que sólo se puede definir con una sencilla frase: amor a la música. Por suerte, para los que en su día creamos estos Vinilos de Barbarella, esas cuatro palabras siguen vigentes y, a pesar de todos los contratiempos y todas las vicisitudes que nos han ido surgiendo, el podcast ha seguido como si nada hubiese pasado. Hay que decirlo alto y claro: Si hay algo que ha mantenido este espíritu ha sido la gran labor de todos los que han colaborado aquí. A todos los que aquí seguís aportando vuestros gustos y conocimientos, a todos los que en su día dejaron su programa y por unas u otras razones no volvieron, a los que estuvieron y siguen con nosotros. A todos, muchas gracias. El primer agradecimiento En primer lugar, como podéis comprobar se ha renovado totalmente el aspecto de la web, ahora es mucho más colorida y dinámica. Atrás queda la antigua plantilla que había quedado obsoleta, y os presentamos este nuevo formato que se debe al trabajo infatigable, nunca mejor dicho, del que ahora pasa a formar parte de nuestra familia: Isidro Soria, que durante muchas semanas se ha puesto manos a la obra con este trabajo impagable, que nos consta que le ha quitado horas de sueño. Y, como hicimos en el programa número 50, también hemos querido tener con nosotros a todos los que ahora mismo colaboran activamente en la creación de este vuestro Podcast. Hemos escogido la misma fórmula que usamos en dicho programa: cada uno escogería un tema no usado por él en otro programa y nos hablaría sobre el mismo.

El Top definitivo del 2020 De nuevo me tenéis por aquí, en “Los vinilos de Barbarella”, para hablar de mis gustos personales que en gran medida se centran en grupos bastante recientes o que siguen activos, y que muchos de ellos me gustarían poder tener en formato vinilo y otros quizás os puedan interesar también a vosotros. En esta ocasión os traigo los que para mi son los 35 mejores proyectos de este pasado año 2020. Hay un poco de todo: desde el metal más agresivo, pasando por el post-punk ochentero, al pop-punk más animado o el indie-rock mejor elaborado.  En este listado escucharemos temas pertenecientes a discos como lo último de la mítica banda de indie rock y garage rock The Strokes, la nueva banda de grunge Violent Soho, el mejor pop-punk de la mano de All Time Low o el primer álbum en solitario de la líder del grupo de rock alternativo y pop-punk Paramore, Hayley Williams. Este Top está basado en mi opinión totalmente subjetiva, y estoy seguro que muchas de las bandas os llamarán la atención, ya que me quedó un listado bastante variado y con algunos grupos no muy conocidos. Los mejores discos de un año para olvidar A pesar de haber sido para muchos el peor año de la historia debido a la pandemia, es innegable que ha sido un año increíble en cuanto a lanzamientos musicales, y no encontraba mejor forma de demostrarlo que con este vídeo.  Hay que decir que, aún así, por falta de tiempo me han faltado escuchar grandes lanzamientos de este año como el ‘Gigaton’ de Pearl Jam, el ‘Fetch the Bolcutters’ de Fiona Apple, el ‘Forever And Ever X Infinity’ de New Found Glory o el ‘Ohms’ de Deftones que estoy seguro de que echareis en falta, pero no se puede estar a todo  Es un listado donde nos podremos encontrar proyectos de todos los estilos que personalmente me gustan. Y sinceramente me ha quedado un top con bastante variedad de géneros: desde el indie rock, pasando por el rock alternativo, el metal industrial, el pop-punk, etc… Estoy seguro de que además de que os pondréis al día de los lanzamientos de vuestros grupos favoritos, también descubriréis otros muchos grupos y artistas que, seguro que desconocíais en esta sección, y que seguramente podréis disfrutar de todos ellos durante este nuevo año. En este programa escucharemos a el proyecto de rock alternativo de la banda británica Boston Manor, el metal industrial más agresivo de la banda Code Orange, o una de las mejores nuevas bandas del pop-punk actual, Knuckle Puck Este listado consta de estos proyectos según su posicionamiento: 35. Moses Sumney – grae 34. No Pressure – No Pressure EP  33. Crack Cloud – Pain Olympics 32. PUP – This Place Suck Ass EP  31. Stand Atlantic – Pink Elephant 30. Sorry – 925 29. Boston Manor – GLUE 28. Hot Mulligan – You’ll Be Fine 27. Fontaines D.C – A Hero’s Death 26. Molchat Doma – Monumen: 25. Ocean Grove – Flip Phone Phantasy 24. Loathe – I Let In and It Took Everything 23. Declan McKenna – Zeros  22. Violent Soho – Everything Is A-Ok 21. Retirement Party – Runaway Dog 20. Poppy – I Disagree 19. The Beths – Jump Rope Gazers 18. Diet Cig – Do You Wonder About Me? 17. IDKHBTFM – Razzmatazz 16. Yours Truly – Self Care 15. Tired Lion – Breakfast for Pathetics 14. Carcass – Despicable EP 13. All Time Low – Wake Up, Sunshine 12. The Killers – Imploding the Mirage 11. Knuckle Puck – 20/20 10. Code Orange – Underneath 9. The Strokes – The New Abnormal 8. HLMTD – West of Eden 7. Slotface – Sorry for the late reply 6. Hayley Williams – Petals for Armor 5. Dogleg – Melee 4. Beach Bunny – Honeymoon 3. Rina Sawayama – Sawayama 2. Phoebe Bridgers – Punisher 1. Bring Me the Horizon – POST HUMAN: SURVIVAL HORROR Enlace a mi página de Youtube

¡Bienvenidos a los Vinilos de Barbarella! El podcasts donde sólo se escucha música en formato de vinilo El disco que hoy nos ocupa Hoy escucharemos el quinto álbum del cantante, en el cual estaba trabajando cuando falleció, y que se editó meses más tarde en septiembre, concretamente el 25, su discográfica Polydor lo sacó al mercado con el nombre de ‘… y vol. 5‘, completándolo con un popurrí de sus éxitos anteriores, en 1995 se reeditó en cd, adoptando el nombre de ‘América, América‘, título de la canción que abre la cara A y que grabó en agradecimiento a la tierra donde había cosechado tanto éxito y gran reconocimiento. Nino le debía mucho a los países hispanoamericanos que tanto se habían volcado con él y esta era su manera de agradecérselo. La grabación de los temas comenzó en octubre de 1972, quedando inacabado, en junio de 1973 se acabó de mezclar y se completó. Llegada al mundo Nino Bravo nació un jueves 3 de agosto de 1944 en un pequeño pueblo valenciano, Aielo de Malferit. Hijo de Manuel Ferri Espulgues y Consuelo Llopis Molinés. Cuando contaba dos años de edad, la familia se traslada a Valencia, exactamente a la calle Visitación, allí pasó su infancia jugueteando y cantando con sus amigos sentado en los escalones de un portal enfrente de su domicilio y de un pequeño parque, donde hoy se erige un busto en memoria a este gran cantante de balada melódica. El esperado éxito Después de muchos sacrificios, llegó el éxito para Nino Bravo. Augusto Algueró le dio en el verano de 1969, la canción ‘Te quiero, te quiero’, canción creada para la película argentina ‘Kuma ching’ e interpretada con letra distinta por Lola Flores. Por distintas causas, aun teniéndola grabada Carmen Sevilla y Raphael, no había triunfado en el mercado. En la voz de Nino tuvo un éxito arrollador, formando parte de su primer Lp, que se grabó entre 1969 y 1970. Se lanzó con el título de ‘Nino Bravo‘, aunque el público lo conocía por el ‘disco negro‘, ya que la portada era de ese color, destacando una foto suya en una actuación en directo. Tal fue el éxito del disco que se reeditó a finales de 1970, titulándose ‘Te quiero, te quiero’. El trágico accidente Nino estaba acabando de grabar su último disco, por lo que la mañana del lunes 16 de abril de 1973, partió junto a su amigo y guitarrista Pepe Juesas, Fernando Romero y Miguel Ciaurriz, integrantes del Dúo Humo, partieron muy temprano desde Valencia hacia Madrid.  Se había propuesto viajar en avión, pero a última hora decidió hacerlo en coche, por esta circunstancia conducía Nino, habitualmente su cuñado Manu era el chofer. Entre las 7.30 y las 8.00 de la mañana salieron de Valencia por la NIII, quedaban 352 Km por delante para llegar a la capital madrileña. Casi dos horas después pararon para repostar y desayunar en la localidad conquense de Motilla del Palancar, reanudando el camino antes de las 10.00 de la mañana. A pocos kilómetros en el término municipal de Villarubio, en el kilómetro 95,190 de la NIII (lo que es hoy el ramal de entrada 95 sentido Valencia de la A3, autovía de Valencia), el vehículo conducido por el cantante se salió de la curva, dando varias vueltas de campana. Manu Martínez fue el encargado de comunicarle a su hermana y viuda la triste tragedia. Ese día murió el hombre Luis Manuel Ferri Llopis y nació el mito Nino Bravo. Contaba 28 años de edad. Datos del vinilo Título: y Vol. 5 Artista: Nino Bravo Sello discográfico: Polydor Label Code: Stereo 23 85 058  Color label: Rojo Año: 1973 Fabricado en: España En esta ocasión, reseñamos los temas: ‘América, América’, ‘Vuelve’, ‘Aquel Amor’, ‘Vivir’ y ‘Potpurrí’.

Un nuevo año y un nuevo calendario De nuevo me tenéis por aquí, en “Los vinilos de Barbarella”, para hablar de mis gustos personales que en gran medida se centran en grupos bastante recientes o que siguen activos, y que muchos de ellos me gustarían poder tener en formato vinilo y otros quizás os puedan interesar también a vosotros. Esta vez toca la segunda parte del calendario de lanzamientos de noviembre con todos aquellos disco que se quedaron por comentar, que fueron bastantes y muy interesantes, para que como siempre vosotros, mis oyentes, podáis estar al día de todas las novedades musicales. Todas las novedades serán elegidas bajo mi criterio con todos aquellos grupos que realmente puedan interesar a todos aquellos que quieran descubrir la escena musical actual. Seguimos con otro mes realmente interesante Y seguimos con los lanzamientos que hubo este pasado mes de noviembre, que tal y como pasó en el mes de octubre estuvo bien cargado de un montón de lanzamientos que merecen realmente la pena y que seguro que habíais estado esperando por mucho tiempo. Por supuesto, hay novedades de todos los estilos que personalmente me gustan, aunque siempre se aceptan sugerencias. Y como no, hay gran variedad de géneros: desde el indie rock, pasando por el death metal, el metal sinfónico, el metalcore, etc… Como siempre el programa está dividido en los EPs y los LPs que salen a la luz y cómo siempre os indicaré donde podéis conseguir los discos, como no podría ser de otra forma, en formato vinilo. Estoy seguro que además de que os pondréis al día de los lanzamientos de vuestros grupos favoritos, también descubriréis otros muchos grupos y artistas que seguro que desconocíais en esta sección, y que seguramente podréis disfrutar de todos ellos durante este nuevo año. En este programa escucharemos a el proyecto de grunge de la cantante Sophie Hopes, más conocida cómo Tired Lion, el metalcore más brutal de la mítica banda Hatebreed, o el regreso de una de las bandas más reconocidas del rock de los 90s, los famosos The Smashing Pumpkins Los discos de los que se hablará en este programa son: Tired Lion – Breakfast For Pathetics Dark Tranquility – Moment Killer Be Killed – Reluctant Hero Bearings – Endless Twilight of Condependent Love Pg.lost – Oscilate Seaheaven – Haloof Hurt Fuck the Facts – Monument Aeternitas – Haunted Minds Hatebreed – Weight of the False Self Partner – Never Give Up Sodom – Genesis XIX Eleine – Dancing In Hell Within the Ruins – Black Heart The Smashing Pumpkins – CYR Enlace a mi página de Youtube

¡Bienvenidos a los Vinilos de Barbarella! El podcasts donde sólo se escucha música en formato de vinilo Los inicios Peter Brian Gabriel nació en Survey, Inglaterra el 13 de febrero de 1950, lo que quiere decir que más o menos cuando salga este podcast, Peter cumplirá 71 años. Se le conoce principalmente por haber sido uno de los fundadores de la banda de rock progresivo Genesis, de la que fue cantante y curiosamente, flautista de la misma. Detalles que le diferencian Hay varias detalles importantes que en su día diferenciaron a Peter Gabriel de cualquier otro cantante de la época. Uno de ellos es su carácter teatral que le otorgaba a las actuaciones en directo, donde solía lucir extravagantes disfraces pero que tenían clara referencia a las canciones que interpretaba. Esta pasión de Gabriel por los disfraces preocupaba y no poco al resto de la banda, que temían que perdiese su carácter más serio que le otorgaba la etiqueta de ‘rock sinfónico’. Al contrario de lo que esperaban sus compañeros de banda, al final estos disfraces tuvieron mucho éxito y les llegaron a abrir las puertas para poder realizar una gira europea. Otra característica que le distinguía de otras formaciones fueron sus famosos “stage diving’, que aunque en nuestro idioma no tenga traducción, literalmente sería algo así como ‘zambullida desde el escenario’, algo que se se le atribuye a Iggy Pop, pero que realmente es cosa de Peter Gabriel. Inicio de su carrera en solitario Una vez que abandona Genesis empieza la carrera en solitario del cantante. A partir de ese momento, la batuta de su antigua banda la llevaría el hasta entonces batería de la misma, Phil Collins, abocando. a la misma a momentos de comercialidad casi vergonzosos. Peter decidió no darle nombre a sus LP’s. De hecho, los cuatro primeros son normalmente llamados por la portada. El primero de ellos ‘Car’ (coche), el segundo ‘Scratch’ (rayón)’, el tercero ‘Melt’ (derretido) y el cuarto ‘Mask’ (máscara), aunque es Estados Unidos aparecería bajo el nombre de ‘Security’. A partir de entonces optó por poner nombre a sus discos, aunque todos muy escuetos: ‘So’, ‘Us’, ‘Up’ y posteriormente, ‘Scratch My Back’ y ‘New Blood’. Dulce década de los 80 De todas formas, su mejor momento llegaría justamente en la década de los 80. Al contrario que muchas bandas de rock clásico que pasaron por sus momentos más bajos y olvidables, Peter Gabriel empezó a mezclar su música acertadamente con sonidos étnicos y también siendo uno de los primeros en utilizar las exitosas ‘cajas de ritmos’. Y dentro de esa década, la aparición de este disco del que hablamos hoy ‘So’, marcó un antes y un después en su carrera, a pesar de que los anteriores tuvieron también un éxito destacable. Los temas ‘Sledgehammer’ o ‘Bit Time’ son gratamente recordados no sólo por su música, sino por sus vídeos que nos encandilaron a todos con la técnica de ‘stop motion’. Sin noticias de Peter Las últimas noticias que se tienen sobre él es un sencillo lanzado a mediados de 2016 con el tema ‘I’m Amazing’ en la cara A. Es el primer tema totalmente nuevo que publica desde 2013 y que está basado en la vida del boxeador Muhammad Ali. Sea como sea, entre los parones ha tenido una vida muy activa. Es especialmente recordado por su proyecto de festivales WOMAD, que contenían conciertos de músicos de muchos países y su propia discográfica Real World, donde ha dado salida a toda esa música. También es gratamente recordado por su implicación en causas humanitarias, formando parte de las giras de Amnistía Internacional en 1998. Datos del vinilo Título: So Artista: Peter Gabriel Sello discográfico: Virgin Label Code: LL 207 587 Año: 1986 Fabricado en: España En esta ocasión, reseñamos los temas: 'Red Rain', 'Sledgehammer', 'Don't Give Up', 'Mercy Street', 'This Is The Picture' y 'Big Time'. 

¡Bienvenido a los Vinilos de Barbarella! El podcast donde sólo se escucha música en formato de vinilo  El habitual programa navideño Como suele ser habitual, a finales de año lanzamos un último Podcast para celebrar la Navidad. Este año, que desgraciadamente se ha salido de toda la normalidad, hemos querido hacerlo también fuera de lo normal, y hemos escogido un disco con canciones navideñas muy salido de tono y en definitiva, muy «punk». Es un álbum que se decidió hace meses, en vista de cómo estaban transcurriendo los acontecimientos es nada más y nada menos que ‘Christmas Songs’ de Bad Religion. En la distancia En este programa han participado, aunque sea de forma virtual, algunos de los habituales en el programa: Patricia Torres, José Máría Arellano, Eduardo Antón, Carlos Buendía y Antonio Buendía. Os deseamos lo mejor para el próximo año, que todos vuestros deseos se vean cumplidos y que los próximos podcasts los podamos hacer ya sin mascarilla. Cuidaos mucho y sed felices. Una banda con solera Bad Religion es una banda de Hardcore Punk que se formó en los suburbios de Los Ángeles el año 1980. El grupo está compuesto por el guitarrista Brett Gurewitz, el cantrante Greg Graffin, el bajista Jay Bentley, el segundo guitarrista Brian Baker (que también es fundador de Minot Threat, uno de los grupos padre del Hardcore Punk), un tercer guitarrista llamado Mike Dimkich y el baterista Jamie Miller. De todas las bandas de Hardcore Punk que aparecieron en la década de los 80’s ellos son posiblemente la banda que ha perdurado de forma más consistente a lo largo de los años, ya que han conseguido no estacarse en un sonido concreto y se han ido renovando. Lo que les define, a diferencia de otros grupos del género, es que hacen un estilo más melódico que no suena tan ruidoso. En sus composiciones podemos encontrar elementos de psicodelia, heavy metal y hard rocky todo ello con gran cuidado en las melodías. A nivel lírico si que mantienen la esencia del Punk Rock, ya que están basadas en una crítica a la política, la sociedad y los medios de comunicación. En sus inicios entraron a formar parte de la discográfica independiente llamada Epitah Records, que fue fundada por el guitarrista principal de la banda, pero en los 90’s abandonó el grupo y decidieron fichar por Atlantic, además cambiaron un poco su sonido y pasaron a formar parte de la nueva ola del Punk Rock Revival. Estuvieron ahí hasta el año 2001 dónde volvieron a reitirle al grupo y volvieron al sello Epitah. Presetando el último disco de este 2020 El disco del que vamos ha hablar hoy es su tercer EP que salió el año 2013 bajo el sello Epitah. Es el primero, y de momento único disco que han grabado con un contexto navideño; el mismo se compone por ocho temas navideños con su estilo propio, y una nueva versión del tema ‘American Jesus’ perteneciente su álbum ‘Recipe For Hate’ del 1993. Hay que añadir que es el primer álbum dónde no participó el cantante, que lleva en el grupo desde el año 1983. En Agosto de este mismo año sacaron un libro autobiográfico dónde se narra toda la historia del grupo desde sus inicios a la actualidad y se explican todas las influencias que tuvieron. Datos del vinilo Los datos de dicha reedición en vinilo color rojo transparente son: Título: Christmas Songs Artista:  Bad Religion Sello Discográfico: Epitaph Label Code: 87276-1 Año: 2020 Continente: Europa En esta ocasión, reseñamos los temas: ‘Oe Come, Oe Come, Emmanuel‘, ‘Little Drummer Boy‘ , ‘White Christmas’, ‘What child is this?‘, ‘God Rest Ye Merry Gentlemen’ y ‘American Jesus (Andy Wallace Mix)’.

El último calendario del año De nuevo me tenéis por aquí, en “Los vinilos de Barbarella”, para hablar de mis gustos personales que en gran medida se centran en grupos bastante recientes o que siguen activos, y que muchos de ellos me gustarían poder tener en formato vinilo y otros quizás os puedan interesar también a vosotros. Volvemos con el calendario de lanzamientos de discos, y esta vez vamos con el pasado mes de noviembre, para que como siempre vosotros, mis oyentes, podáis estar al día de todas las novedades musicales. En este programa escucharemos al mítico grupo del Hard Rock, los incombustibles AC/DC, el regreso del maravilloso grupo de Indie Rock Local Natives, la banda de Metal Sinfónico con estilo gótico Walk In Darkness o el maravilloso Rock Psicodélico de una de las bandas más versátiles de la escena que son los King Gizzard & the Lizzard Wizard. Todas las novedades serán elegidas bajo mi criterio con todos aquellos grupos que realmente puedan interesar a todos aquellos que quieran descubrir la escena musical actual. Otro mes realmente cargado Y seguimos con los lanzamientos que hubo este pasado mes de noviembre, el que será el último programa de la sección en este 2020 y que si no teníais suficiente con todos los discos que comenté en los dos programas de octubre, aquí tenéis mucho más. Por supuesto, hay novedades de todos los estilos que personalmente me gustan, aunque siempre se aceptan sugerencias. Y como no, hay gran variedad de géneros: desde el indie rock, pasando por el black metal, el metal sinfónico, el thrash metal, etc… Como siempre el programa está dividido en los EPs y los LPs que salen a la luz y cómo siempre os indicaré donde podéis conseguir los discos, como no podría ser de otra forma, en formato vinilo. Estoy seguro que además de que os pondréis al día de los lanzamientos de vuestros grupos favoritos, también descubriréis otros muchos grupos y artistas que seguro que desconocíais en esta sección, y que seguramente podréis disfrutar de todos ellos durante estas fiestas navideñas. En este programa escucharemos al mítico grupo de Hard Rock, los incombustibles AC/DC, el regreso del maravilloso grupo de Indie Rock Local Natives, la banda de Metal Sinfónico con estilo gótico Walk In Darkness o el maravilloso rock psicodélico de una de las bandas más versátiles de la escena que son los King Gizzard & the Lizard Wizard. Los discos de los que se hablará en este programa son: Local Natives - Sour Lemon EP Refused - The Malignant EP Liturgy - Origin of the Alimonies Sólstafir - Endless Twilight of Condependent Love Déluge - Ægo Days Walk In Darkness - On the Road to Babylon Molchat Doma – Monument AC/DC – PWR/UP BENEE - Hey u x Blood From the Soul - DSM-5 Jesu – Terminus Harlott – Detritus of the Final Age Mitochondrial Sun – Sju Pulsarer King Gizzard & the Lizzard Wizard - K.G.