Onda Sonora 2p3ho

En este capítulo 5 comenzamos con Daphne Ohram, compositora de música electrónica de nacionalidad Británica. Ohram fue una de las primeras compositoras en producir un sonido electrónico y fue pionera de la música concreta. Co-fundadora de la BBC Radiophonic Workshop y una figura importante en la evolución de la música electrónica fue la creadora de Oramics, una técnica de sonido dibujado que involucra dibujar directamente en películas de 35 mm. Formas y figuras creadas en las cintas son leídas por celular foto eléctricas y transformadas en sonidos, cada matiz, cada sutileza del fraseo, cada graduación del tono o cambio en él, puede ser posible a través de un solo cambio en la forma del dibujo. La técnica Oramics y la flexibilidad del control sobre los matices del sonido era en conjunto nueva y un acercamiento innovador a la producción musical. Continuamos con Francois-Bernard Mâche, compositor francés miembro del grm entre 1958 y 1963. Ha compuesto musica electroacustica, orquestal, de camara, coral, vocal y trabajos de piano durante muchos años. Miembro de la academia de bellas artes desde 2002 ocupando el cargo tras el fallecimiento de Iannis Xenakis, del que luego hablamos más extensamente. Seguimos con Francois Bayle, uno de los fundadores de la música acusmática, forma de música electroacústica compuesta específicamente para ser presentada usando altavoces y opuesta, por tanto, a una presentación en vivo. La música acusmática no requiere de un intérprete en el escenario sino que está diseñada para ofrecer una experiencia de escucha a través de varios altavoces que se colocan estratégicamente en la sala de conciertos. En un concierto acusmático el componente del sonido es producido usando elementos pre-grabados o generados en tiempo real usando un ordenador. Francois Bayle se une entre 1958 y 1960 al GRM, grupo de investigación musical formado en el laboratorio de musica electroacústica en francia por Pierre Schaeffer y Pierre Henry como comentamos en un capítulo anterior. En 1966 se hace responsable de la direccion del mismo. Escuchamos a continuación L’oiseau Chanteaur y L’oiseau Zen de mediados de los años 60. Iannis Xenakis fue otro compositor importante dentro de los inicios de la música experimental y electrónica. Ingeniero civil de ascendencia griega nacido en Rumania; se nacionalizó francés y pasó gran parte de su vida en París, donde murió en 2001 A los 10 años se trasladó con su familia a Grecia, comenzando luego estudios de ingeniería en Atenas. Sus estudios se interrumpieron en 1941con la ocupación nazi de su país. Participó en la resistencia griega durante la Segunda Guerra Mundial, y en la primera fase de la Guerra Civil Griega como miembro de la compañía de estudiantes Lord Byron del Ejército de Liberación del Pueblo Griego (ELAS). En enero de 1945 recibió una grave herida de obús en el lado izquierdo de la cara que le puso al borde de la muerte, provocándole la pérdida de un ojo y desfigurándole parte del rostro. En 1946 pudo finalizar sus estudios obteniendo el título de ingeniero, pero fue perseguido debido a su activismo político y condenado a muerte. Logró escapar y gracias a un pasaporte falso, cruzar la frontera rumbo a Francia en 1947. Establecido en París, en 1948 ingresó en el estudio del famoso arquitecto Le Corbusier como ingeniero calculista. Pronto comenzó a colaborar en los proyectos de varias obras importantes salidas del estudio de Le Corbusier durante esos años. En estas obras Xenakis aplicó los mismos procesos compositivos y estéticos que en sus obras musicales de la época. Xenakis diseñó además dos importantes obras de la arquitectura del siglo XX: el convento de Santa María de La Tourette (1953), y especialmente el Pabellón Philips de la Exposición Internacional de Bruselas de 1958, basado en las mismas estructuras que su obra orquestal Metastasis de 1953-1954. Escuchamos a continuación esta obra Metastasis Para el interior del Pabellón se le encargó a Edgar Varèse que realizara la música, quien compuso su Poème Électronique, que lo escuchamos en el primer programa de este monográfico y el propio Xenakis compuso Concret PH que se escuchaba en los interludios entre las presentaciones de la obra de Varèse. Escuchamos a continuación esta pieza Concret PH. Durante esos años comenzó paralelamente sus estudios de composición en París, donde coincidió con Olivier Messiaen, quien, al ver que no tenía conocimientos de lenguaje musical y armonía tradicional, le dijo que no le instruiría en estas disciplinas sino que lo que tenía que hacer era seguir desarrollando su lenguaje propio, así Xenakis trascendió la limitación del lenguaje tradicional y se convirtió en pionero de técnicas como la informática y la matemática. En 1955 Hans Rosbaud dirigió en el Festival de Donaueschingen su primera obra importante para orquesta: Metástasis. Esta pieza y las que le siguieron, notablemente Pithoprakta de 1955-56, y Achorripsis de 1956-57, así como artículos publicados en revistas de reputación le dieron a Xenakis una notoriedad que finalmente le permitió dedicarse exclusivamente a la composición. Escuchamos seguidamente Pithoprakta compuesta a mediados de los años 50 por Xenakis e interpretada en 2008 por la orquesta filarmónica de Luxemburgo conducida por el reputado director de orquesta y profesor de música madrileño Arturo Tamayo. Otra obra fundametal de Xenakis es Diamorphoses, compuesta entre 1957 y 1958. Fue su primera composición electroacústica. Después de la creación del estudio de Radio Francia por Pierre Schaeffer en 1948 se interesó mucho por las posibilidades de la música concreta y la música electroacústica. En 1955 comenzó a trabajar en este estudio como parte del GRM. En el caso particular de Xenakis, al igual que Schaeffer, los sonidos utilizados en las grabaciones se extrajeron de los motores, trenes y otros fenómenos naturales y mecánicos. Xenakis lanzó un conjunto de grabaciones entre 1957 y 1962, de las cuales Diamorphoses fue la primera y una de las más notables . Finalmente fue terminada y presentada el 5 de octubre de 1958 en Bruselas. Cerramos nuestro nuevo capítulo sobre los inicios de la música experimental y electrónica, juntas o por separado, con Bohor, pieza compuesta en 1962 por Iannis Xenakis, obra que el mismo autor no se atreve a clasificar, dejando en manos de quien la escucha la decisión de imaginar los universos que le sugiere la música. Dicen que este trabajo se lo dedicó al gran Pierre Schaeffer , personaje con el que tuvo una relación tensa y llena de diferencias, “Bohor” es toda una declaración de intenciones. En ella queda palpable el espíritu experimental y el carácter estrictamente matemático de la música de Iannis Xenakis. Con Bohor os dejamos hasta el próximo programa. Chao.

Continuamos nuestro monográfico dedicado a los inicios de la música experimental y electrónica juntas o por separado. En este capítulo 4 han sonado personas tan importantes como Olivier Messiaen, Beatriz Ferreyra, Mireille Chamass-Kirou, Pierre Schaeffer y Luc Ferrari. De todas ellas hemos hecho un mini-monográfico hablando de cada una de ellas y también del GRM, grupo de investigación de música concreta creada en 1951 aprox por Pierre Schaeffer junto al ingeniero Jacques Poullin y el compositor-percusionista Pierre Henry en la radio televisión sa en París.

En este programa comenzamos con una novedad llegada directamente a nuestra dirección postal, se trata de live at konfrontationen nickelsdorf 2012, disco grabado en directo el 22 de julio de 2012 en austria y compuesto por el veterano musico ab baars al saxo tenor, clarinete y shakuhachi, meinrad kneer al contrabajo y bill elgart a la batería. Publicó el sello holandés evil rabbit recientemente en marzo de 2018. Otra reciente novedad de Ab Baars es and she speaks, coleccion de baladas inspiradas en músicos tan importantes como  watazumi doso, johnny green, john carter, john coltrane, duke ellington o misha mengelberg entre otras.  Publica wig, otro sello holandés. Ab baars toca también en este disco el saxo tenor, clarinete y shakuhachi dependiendo del tema. Escuchamos a continuación un extracto de nuestros temas preferidos de este disco de baladas en formato de improvisación libre. Os dejamos hasta el final del programa con una selección de nuestros temas preferidos de huntsville, reconocida banda experimental noruega con una trayectoria de doce años grabando. Está integrada por tres reputados veteranos de la escena musical experimental Ivar Grydeland a la guitarra y otros instrumentos, Tony Kluften al bajo y otros instrumentos e Ingar Zach (bateria, percusión y varios instrumentos). Huntsville ha grabado seis discos desde su debut en 2006, a través de los cuales podemos percibir la constante evolución del proyecto. Huntsville estará actuando en madrid el próximo viernes 11 de mayo a partir de las 10 de la noche en el centro cultural la tortuga en tirso de molina y el 12 de mayo en tenerife dentro de la décima edicion del festival numa circuit, mas informacion sobre este festival en numacircuit.es,  y más informacion sobre huntsville en http://www.huntsville.no/

Esta semana continuamos nuestro monográfico dedicado a los inicios de la música electrónica y experimental, juntas o por separado. En este capítulo escuchamos a grandes pioneros de la música experimental como Harry Partch, Charles Ives, Henry Cowell, John Cage, David Tudor y Morton Feldman. Y también hablamos brevemente sobre sus obras. Duración de este capítulo: 166 minutos y 43 segundos. Este Capítulo 3 está dedicado a José Manuel Costa, gran periodista, historiador, comisario y crítico de artes sonoras y visuales, recientemente fallecido. Nunca te olvidaremos.

Esta semana dedicamos todo el programa a los norteamericanos Bitchin Bajas, trío compuesto por Cooper Crain, Dan Quinlivan y Rob Frye que estarán actuando en España entre el 1 y el 6 de mayo con diferentes fechas en Madrid, Valencia, Sevilla, Vigo, Huesca y Barcelona Bitchin Bajas producen un tipo de música que bebe del minimalismo electrónico de los 60 y 70 introduciendo instrumentos acústicos como flautas, saxos, xilófonos y pequeños instrumentos de viento. Bitchin bajas comenzaron en 2010 como el proyecto paralelo en solitario de Cooper Crain, guitarrista del grupo de Chicago Cave. Desde entonces han sumado a Dan Quinlivan y Rob Frye y segun nuestra opinion comenzaron realmente a destacar en el disco Bitchin Bajas de título homónimo del año 2014. Escuchamos el tema 2 de este disco titulado "asian carp" En verano de 2015 se produjo una interesante colaboracion entre bitchin bajas y el sexteto Natural Information Society formado por Joshua Abrams al guimbri, bajo y arpa, Lisa Alvarado al Gong , Jim Baker al Arp 2600, Ben Boye al Autoharp y Emmett Kelly a la guitarra electrica. Bitchin bajas estuvo formado en esta ocasion por Rob Frye al clarinete bajo y flauta, Cooper Crain al organo, sinte y bajo y Dan Quinlivan también al sinte. En el año 2016 se produjo otra colaboración de Bichin Bajas. Esta vez con Bonnie ‘Prince’ Billy, alias de Will Oldham, cantautor y actor estadounidense que lleva un cuarto de siglo embarcado en un singular viaje por los mundos del folk y del cine. También en 2016 se produjo otra colaboración de Bitchin Bajas. Esta vez para el documental "Sailing a Sinking Sea" dirigido por la cineasta Olivia Wyatt. Este documental trata sobre los Moken, tribu entre 2000 y 3000 personas aproximadamente que mantienen una cultura ancestral basada en el mar. Su idioma no se parece a ningún otro y probablemente emigraron a zonas del mar de Andamán en las actuales Birmania y Tailandia desde China hace 4.000 años Bitchin Bajas realizaron la banda sonora de este documental, escuchamos un fragmento. Y ya en 2017 el sello drag city les publicó Bajas Fresh, su último trabajo hasta la fecha. De este disco escuchamos su tema más largo titulado 2303 de + de 23 minutos de duración. Teneís más información sobre bitchin bajas en bitchinbajas.bandcamp.com.

Onda Sonora - 15 de enero de 2018: Golpea tu Cerebro, Spinifex, Xoán Anleo y Tatsuru Arai. www.ondasonoraradio.com www.agorasolradio.org www.radiocirculo.es

Esta semana (primera semana de enero de 2018) continuamos nuestro monográfico dedicado a los inicios de la música experimental y electrónica juntas o por separado. Comenzamos con Kurt Schwitters , artista alemán, pintor, escultor, poeta y diseñador gráfico, nacido en Hannover. Excluido del movimiento Dadá berlinés, reaccionó fundando Dadá Hannover. Este movimiento se fundó sobre el apoliticismo (en las antípodas de las concepciones del grupo Dadá en Berlín , que se caracterizaba por estar comprometido políticamente), lo fantástico y el constructivismo. Sus principales pilares eran la revista Merz y el arte del mismo nombre. Su actividad artística se fundaba sobre el collage; sobre sus telas se encontraban boletos de ómnibus, pedazos de afiches, periódicos, lana, botones, telas, etc. Kurt Schwitters fue uno de los principales protagonistas del movimiento dadá. Abandonó sus estudios de arquitectura en su ciudad natal para trasladarse a Dresde, donde visitó la Kunstakademie con el propósito de convertirse en pintor. Más tarde construyó sus primeros collages y assemblages con materiales de desecho, que denominaría Merz, nombre derivado de la mutilación fortuita de la palabra Kommerz, que había utilizado en uno de sus collages. Merz se convertiría en sinónimo del nuevo arte multidisciplinar que realizaría a partir de entonces, libre de las convenciones artísticas tradicionales y que daría nombre a sus poemas, su revista, su teatro y sus construcciones esculto-arquitectónicas (Merzbau). Él mismo definiría este proceso artístico como consecuencia del momento histórico en que le había tocado vivir: «La Gran Guerra ha terminado, en cierto modo el mundo está en ruinas, así pues, recojo sus fragmentos, construyo una nueva realidad» En 1937, la presión ejercida por los nazis sobre él le forzó a huir de Alemania e instalarse en Noruega, país que tuvo que abandonar también tras la invasión alemana en 1940. Desde entonces vivió en Ambleside, en Inglaterra. Durante estos años combinó sus obras Merz con una vuelta a la figuración en paisajes y retratos, que le ayudaron a subsistir en estos países en los que Schwitters era un completo desconocido. … Pocos recuerdan que Schwitters fue, como hemos dicho anteriormente, además un ciudadano oficialmente perseguido por el ejército nazi, y un fugitivo profesional que terminó sus días en Ambleside, un pueblecito de la campiña británica, donde, lejos de todo reconocimiento, nunca dejó de pintar paisajes y retratos y recomenzar una y otra vez su eterno Merz. A diferencia del signo hipotéticamente destructivo del dadaísmo, el de Schwitters es positivo y constructivo: Si el mundo es una mierda, hagamos de la mierda un mundo, dijo el artista, y se aplicó a este objetivo como si le fuera la vida en ello. Un poco más acá del rigor cubista o neoplasticista, los collages de Schwitters, sin llegar a constituir un diario personal, son el lugar donde el artista aglutinaba fragmentos de su entorno: de la prensa, de las obras de sus amigos, de los objetos de deshecho de su propio hogar; desde piezas de aparatos hasta envoltorios de regalo y billetes de autobús. En sus merz-collages cristalizaba una visión fragmentaria de la realidad, reordenada según su criterio, y dando naturaleza artística a todo aquello que en un principio podría haberse vendido a un trapero. Durante el periodo de entreguerras los estados se enzarzaban en políticas demenciales, de entre las cuales el nazismo era tan solo la expresión más delirante, y el Dadaísmo pretendía, higiénica e incendiariamente, detonar todas las categorías establecidas. Para Schwitters el arte y la vida eran lo mismo, y hasta lo infraordinario podía (debía) ser objeto de tratamiento artístico. Fue este mismo principio el que aplicó a una de sus facetas más interesantes y menos conocidas: la poesía sonora. Partiendo de los experimentos rapsódicos de los futuristas, Schwitters jugueteó con la fonética y el balbuceo absurdo para dar lugar a varias piezas imprescindibles y que durante años mantuvo en constante progresión como su Ursonate. Si Hitler había inundado los aparatos de radio de medio mundo con sus ladridos de perturbado, Schwitters reivindicaba una expresión vocal rendida a la absoluta libertad del ritmo, ajena a toda servidumbre narrativa o conceptual, por ello, el efecto de sus piezas es tan paradójico como inevitablemente divertido, y hallaba materialización tanto en sus complejas construcciones tipográficas (alternativa de las partituras pentagramáticas tradicionales) como en imprevisibles recitales. Escuchamos a continuación algunos fragmentos de poesía sonora de kurt swichters realizados entre 1926 y 1932, uno de cuyos temas que sonó titulado dritter teil se encuentra dentro del famoso disco Ursonate del año 1932 EN EL ANTERIOR Y PRIMER CAPITULO DE ESTE MONOGRAFICO HABLAMOS DEL DADAISMO PERO SE NOS OLVIDÓ HABLAR DE ALGUNAS FIGURAS IMPORTANTES DE ESTE MOVIMIENTO COMO HUGO BALL Hugo fue un autor y poeta alemán. y es considerado como el primer fundador y una de las figuras principales del movimiento artístico “antiarte” llamado dadaísmo como hemos dicho anteriormente. En Zúrich, Ball fundó, en una taberna llamada Cabaret Voltaire, lugar de reuniones políticas, conciertos y lecturas de poesía, el movimiento dadaísta, al que pronto se unirían los rumanos Tristan Tzara (1896-1963) Marcel Janco (1895-1984), el alemán Richard Huelsenbeck (1892-1974), y el alsaciano Hans Arp (1887-1966). Fue una de las personas a las que se adjudicó el bautizo del movimiento, supuestamente por la elección casual de la palabra «dada» (caballito de juguete) en un diccionario francés. En 1916 redacta el Manifiesto inaugural de la primera velada dadá, del que se desentenderá poco después: en él se muestra extremadamente crítico con la Europa de los nacionalismos, las ideologías que la representan, y con las filosofías idealistas. Ese mismo año presentó ante el público del Cabaret Voltaire, el primer poema fonético de la historia del dadaísmo: Karawane, consistente en articulaciones de fonemas e interjecciones carentes de significación. Esto fué lo que escuchamos a continuación. Esta poesía, cuyos antecedentes más inmediatos fueron sobre todo algunos experimentos del futurismo italiano, hallará continuación en adeptos a dadá, como Raoul Hausmann o Kurt Schwitters al que hemos escuchado antes y su influencia será clara en posteriores corrientes literarias, como el letrismo o la poesía beatnik. Sus razones de ser fueron muy diversas. Por un lado, las vanguardias de las entreguerras estuvieron marcadas por una gran afición al «salvajismo», desde las estatuas precolombinas hasta las danzas africanas, y fue típico buscar inspiración en estéticas alejadas de los paradigmas europeos. Así, muchos de estos poemas están vagamente influidos por los sonidos de las lenguas africanas. Pero mucho más importante fue en este caso el rechazo radical del uso de la palabra, que tiene en Hugo Ball un carácter de revuelta interior contra el lenguaje mismo (no en vano, la herramienta de la que se vale el poeta para ejercer su oficio), al que considera alienado e incapaz de producir significación en la sociedad capitalista. El poeta escapa de la perversión de las palabras, que han sido destruidas como tantas otras cosas por las bombas de la guerra, refugiándose en el reducto último de su individualidad. Ya no aspira a comunicar otra cosa que no sea un simple sonido primigenio, aquel que posibilita toda lengua, todo discurso, pero del que nadie podrá ser propietario. La participación de Hugo Ball en el dadaísmo duró aproximadamente dos años. Escuchamos a continuación algunos fragmentos de su obra Cambiamos de tercio y hablamos ahora de la música concreta. La cinta de audio magnética abrió un vasto campo de posibilidades sonoras para músicos, compositores, productores e ingenieros. La cinta de audio era relativamente barata y muy confiable, y su fidelidad en la reproducción mejor que cualquier otro medio de audio conocido hasta la fecha. Más importantemente, y a diferencia de los discos, ofrecía la misma plasticidad que la película: puede ser ralentizada, acelerada o incluso reproducirse al revés. Puede editarse también físicamente, incluso sólo segmentos de la cinta. O unirse diferentes trozos de cinta en loops infinitos que reproducen continuamente determinados patrones de material pregrabado. La amplificación de audio y el equipo de mezcla expandieron todavía más allá las posibilidades de la cinta como medio de producción, permitiendo que múltiples grabaciones fueran grabadas a la vez en otra cinta diferente. Otra posibilidad de la cinta era su capacidad de ser modificada fácilmente para convertirse en máquinas de eco para producir de modo complejo, controlable y con gran calidad efectos de eco y reverberación (lo que es prácticamente imposible de conseguir por medios mecánicos). Pronto los músicos comenzaron a utilizar el grabador de cinta o magnetófono para desarrollar una nueva técnica de composición llamada música concreta Esta técnica consiste en la edición de fragmentos de sonidos de la naturaleza o de procesos industriales grabados conjuntamente. Pierre Schaeffer (1910-1995) fue el personaje que tomó el relevo de las ideas germinadas por Russolo y perpetuadas por Varèse Formado como ingeniero, Schaeffer comenzó a trabajar en 1946 en la Office de Radiodiffusion Télévision Française de París. Allí dispuso de todo el soporte técnico para iniciar sus investigaciones en cuanto a la manipulación y edición de sonidos pregrabados. Dicha manipulación respondía a cuatro variables, las únicas posibles en la época: -corte y montaje de porciones de sonido -variación de la velocidad de la grabación -inversión de la pista de sonido -combinación distintos sonidos Mediante esta fórmula Schaeffer fundó lo que él mismo bautizó como musique concrète (música concreta). Esta se caracteriza por el hecho de utilizar sonidos naturales grabados mediante micrófono y posteriormente tratados para construir una pieza musical. El resultado de estas primeras experiencias fue el conjunto de obras “Cinq études de bruits” (“Cinco estudios de ruidos”), realizado en 1948. Los cinco estudios incluían: “Déconcertante ou Étude aux tourniquets”, “Imposée ou Étude aux chemins de fer”, “Concertante ou Étude pour orchestre”, “Composée ou Étude au piano” y “Pathétique ou Étude aux casseroles”. En todos ellos se aplica el mismo proceso de manipulación de los sonidos pregrabados, empleando en cada uno de ellos una fuente de sonido distinta que tanto puede proceder del sonido de un instrumento musical como los ruidos más diversos. Por orden, los sonidos con los que se construye cada “Étude” son, respectivamente: el sonido de un torniquete, el sonido de una locomotora, música orquestal, un piano y unas cacerolas. ESCUCHAMOS A CONTINUACION PARTE DE TODO ESTO En 1949, Schaeffer se unió a su alumno, compositor y percusionista Pierre Henry quien también se sentía atraído por las nuevas formas de producir música. Juntos compusieron una de las obras más emblemáticas de la “música concreta”: “Symphonie pour un homme seul” (Sinfonía para un hombre sólo) (1950). Esta composición se basa en el tratamiento de la grabación de distintos sonidos vocales, que no necesariamente son cantados, sino que incluye tanto texto hablado como el sonido de la respiración, la risa u otros. Asimismo, otros sonidos acompañan la pieza, tanto musicales (p.ej.: las notas de un piano), como ambientales (p.ej.: el ruido de unos pasos). ESCUCHAMOS A CONTINUACION PARTE DE ESTA OBRA… En 1953 también, Schaeffer y Henry produjeron una ópera experimental titulada, Orphée 53, para sonidos y voces concretos. ESCUCHAMOS A CONTINUACION UN FRAGMENTO Pierre Henry también compuso su pieza “Le microphone bien tempéré” (1950-51) , otro clásico del género. ESCUCHAMOS UN FRAGMENTO. También Pierre Henry compuso la primera pieza de música concreta que apareció en una película comercial, el cortometraje de 1952 Astrologie ou le miroir de la vie. Más adelante Pierre Henry utilizaría los sonidos electrónicos además de los concretos, pasándose a llamar música electro-acústica. Realizamos a continuación una selección musical por orden más o menos cronológico de la obra de Pierre Henry, recientemente fallecido el 5 de julio de 2017 a la edad de 89 años. y comenzamos con la conocida pieza Psyche Rock , un tema incluido en uno de sus trabajos más conocidos, la obra experimental de 1967 Messe pour le temps présent, una de las varias colaboraciones con el coreógrafo Maurice Béjart. En este álbum colaboró Michel Colombier, pianista, compositor y arreglista francés que desarrolló su carrera en los campos de la música clásica, el jazz y las bandas sonoras TANTO PIERRE HENRY COMO PIERRE SCHAEFFER fundaron a principios de los 50 un laboratorio en Radio Francia en París en torno al cual se congregó un grupo de trabajo formado por investigadores y compositores. PERO ESO LO DEJAMOS PARA EL TERCER CAPÍTULO DE INICIOS DE LA MÚSICA EXPERIMENTAL Y ELECTRÓNICA JUNTAS O POR SEPARADO. HASTA EL PRÓXIMO CAPÍTULO. CHAO.

www.ondasonoraradio.com www.agorasolradio.org www.radiocirculo.es Este mes de diciembre de 2017 comenzamos una serie de programas dedicados a los inicios de la música electrónica y experimental y la evolución que hubo entre ellas juntas o por separado. La música electrónica, como bien sabeis, es aquel tipo de música que emplea para su producción e interpretación instrumentos musicales electrónicos y tecnología musical electrónica. En general, puede distinguirse entre el sonido producido utilizando medios electromecánicos de aquel producido utilizando tecnología electrónica que también puede ser mezclada. Hay que remontarse a principios del siglo xx para encontrar ya antecedentes claros de la música electrónica. En aquella época, los compositores en su afán de encontrar nuevas sonoridades agrandan la orquesta sinfónica al máximo e incorporan nuevos instrumentos, pero esto no bastaba. Así, el compositor Ferruccio Busoni en su “Esbozo de una estética musical” en 1907 deja constancia del agotamiento de los instrumentos tradicionales y de la necesidad de incorporar nuevos timbres, poniendo todas sus esperanzas en los instrumentos eléctricos que entonces ya empezaban a aparecer. Busoni no se dedicó a llevar a la práctica sus ideas pero el compositor Varése y el grupo Futurista las desarrollaron con mucho entusiasmo. Unos y otros integraron el ruido como elemento de primera importancia en la música. En Italia, el futurismo se acercó a la estética musical en transformación desde un ángulo diferente. Una idea fuerza de la filosofía futurista era la de valorar el “ruido”, así como dotar de valor artístico y expresivo a ciertos sonidos que anteriormente no habían sido considerados ni siquiera remotamente como musicales. El “Manifiesto Técnico de la Música Futurista” de Balilla Pratella, publicado en 1911, establece que su credo es: “presentar el alma musical de las masas, de las grandes fábricas, de los trenes, de los cruceros transatlánticos, de los acorazados, de los automóviles y aeroplanos. Añadir a los grandes temas centrales del poema musical el dominio de la máquina y el victorioso reinado de la electricidad”. El 11 de marzo de 1913, el futurista Luigi Russolo publicó su manifiesto “El arte de los ruidos” En 1914, organizó el primer concierto del “arte de los ruidos” en Milán. Para ello utilizó su Intonarumori, descrito por Russolo como “instrumentos acústico ruidistas, cuyos sonidos (aullidos, bramidos, arrastramientos, gorgoteos, etc.) eran manualmente activados y proyectados mediante vientos y megáfonos”. En junio se organizaron conciertos similares en París. Escuchamos a continuación de Luigi Russolo con su Intonarumori “Risveglio Di Una Cita” del año 1913 El dadaísmo es hilo conductor de manera total o parcial en muchos solistas o grupos de música electrónica. Su vigencia sigue siendo importante y enriquecedora. El Dadaísmo surge con la intención de destruir todos los códigos y sistemas establecidos en el mundo del arte. Es un movimiento antiartístico, antiliterario y antipoético, ya que cuestiona la existencia del arte, la literatura y la poesía. Se presenta como una ideología total, como una forma de vivir y como un rechazo absoluto de toda tradición o esquema anterior. Está en contra de la belleza eterna, contra la eternidad de los principios, contra las leyes de la lógica, contra la inmovilidad del pensamiento y contra lo universal. Los dadaístas promueven un cambio, la libertad del individuo, la espontaneidad, lo inmediato, lo aleatorio, la contradicción, defienden el caos frente al orden y la imperfección frente a la perfección. Proclaman el anti-arte de protesta, del shock, del escándalo, de la provocación, con la ayuda de medios de expresión irónico-satíricos. Se basan en lo absurdo y en lo carente de valor e introducen el caos en sus escenas, rompiendo las formas artísticas tradicionales. Se sirvieron también del montaje de fragmentos y de objetos de desecho cotidiano. El origen del término Dadaísmo es confuso. La versión más aceptada dice que al abrir un diccionario al azar apareció la palabra dada, que significa caballito de juguete, y fue adoptada por el grupo. El movimiento dadá nació en un café cantante de Zurich en 1916, donde se recitaban poemas. Esta ciudad, se había convertido a partir del estallido de la Primera Guerra Mundial en un centro de refugio para emigrantes procedentes de toda Europa que querían escapar de la guerra. Allí se reunieron representantes de diversas escuelas como el expresionismo alemán, el futurismo italiano y el cubismo francés. Esto da al dadaísmo la particularidad de no ser un movimiento de rebeldía contra una escuela anterior, sino que cuestiona el concepto del arte antes de la Primera Guerra Mundial. Hugo Ball, director de teatro y su mujer, concibieron el proyecto de crear un café literario que acogiera a todos estos artistas exiliados, el Cabaret Voltaire, que abrió sus puertas el 1 de Febrero de 1916. Allí se congregaron Tristan Tzara, Jean Arp, Marcel Janko, Hans Richter y Richard Huelsenbeck entre otros. La difusión del dadaísmo se debió a la publicación de la revista Dada, que gracias a ella, sus ideas se extendieron por Berlín, Colonia, París y Nueva York. Escuchamos la pieza L’Amiral Cherce Une Maison á Louer del año 1916 interpretada precisamente por algunos de los artistas más conocidos del dadaismo, Tristan Tzara, Marcel Janko y Richard Huelsenbeck. Volviendo al futurismo, Luigi Russolo fue un pintor futurista, compositor italiano, y autor del manifiesto “el arte de los ruidos” en 1913 tal como hemos dicho antes. Suele ser considerado como el primer compositor de música experimental noise de la historia por sus “conciertos de ruidos” de 1913-1914, y una vez terminada la Primera Guerra Mundial, de París en 1921. También es uno de los primeros filósofos de la música electrónica. Al comienzo de su carrera empleó una técnica divisionista, y sus temas giraban en torno a la ciudad y la civilización industrial. Entre sus obras más significativas destaca Los Relámpagos de 1909-1910. En 1910 firmó el Manifiesto Futurista y tuvo una participación activa en este grupo. La invención de los intonarumori fue el resultado natural de las teorías musicales de Russolo expuestas ya en su manifiesto de 1913 en el que presentó sus ideas sobre el uso de los ruidos en la música y manifestaba su objetivo de controlar y hacer música con sonidos de tranvías, motores de combustión interna o el clamor de las multitudes vitoreando. En 1921, después de la Primera guerra mundial, presentó tres controvertidos conciertos en París con música propia, de su hermano Antonio y de Nuccio Fiorda, ejecutada con una orquesta completa de 27 intonarumori y, en 1922, participó en la obra de Marinetti Il tamburo di fuoco con algunos fondos musicales hechos con los intonarumori. En general, y a pesar que llegó a realizar pequeños conciertos-exhibiciones especiales, muy comentados, la música ruidista fue integrada en los espectáculos futuristas, esencialmente, como música de fondo (y en este sentido puede ser considerado como el precursor de la música ambiental), o bien fue incorporada a una mayor «orquesta futurista» (orquesta sinfónica más intonarumoris) para realizar música de técnica mixta (mezcla de convencional y ruidista, por fragmentos yuxtapuestos), como la que hacia su hermano Antonio, Precisamente escuchamos CORALE DEL AÑO 1921, COMPUESTA POR SU HERMANO ANTONIO RUSSOLO. Por otra parte el periodo entre 1920 y 1930 trajo una gran riqueza de instrumentos electrónicos primitivos así como las primeras composiciones para instrumentación electrónica. El primer instrumento, el Etherophone, fue creado por Léon Theremin entre 1919 y 1920 en Leningrad, aunque fue posteriormente renombrado como el Theremin instrumento formado por dos antenas metálicas que detectan la posición relativa de las manos del thereminista y los osciladores para controlar la frecuencia con una mano y la amplitud (volumen) con la otra. Las señales eléctricas del theremin se amplifican y se envían a un altavoz. Gracias al theremin se realizaron las primeras composiciones para instrumento electrónico, opuestas a aquellas realizadas por los que se dedicaban a crear sinfonías de ruidos. ESCUCHAMOS A LEON THEREMIN TOCANDO SU THEREMIN. Otro primitivo instrumento electrónico fue el Ondes Martenot, instrumento electrónico inventado en 1928 por el compositor, ingeniero y celista francés Maurice Martenot. El instrumento está formado por un teclado, un altavoz y un generador de baja frecuencia. Las ondas Martenot es un instrumento monofónico, es decir, que no produce notas simultáneas. ESCUCHAMOS A MAURICE MARTENOT EN 1934 Y SU ONDAS MARTENOT El Ondes Martenot se hizo conocido al ser utilizado en la obra Sinfonía Turangalila por Olivier Messiaen. Olivier messiaen fue un compositor, organista y ornitólogo francés. El tema que va a sonar a continuacion se titula Oraison compuesta en el año 1937 por oliver messiaen e interpretada en 1978 por Ensemble D’Ondes Martenot desde Montréal. En 1907, justo un año después de la invención del tríodo audion, Alexander iskenderian publicó Esbozo de una Nueva Estética de la Música, que trataba sobre el uso tanto de fuentes eléctricas como de otras en la música del futuro. Escribió sobre el futuro de las escalas microtonales en la música, posibles gracias al Dynamophone de Cahill: “solo mediante una larga y cuidadosa serie de experimentos, y un continuo entrenamiento del oído, puede hacerse este material desconocido accesible y plástico para la generación venidera, y para el arte”. Como consecuencia de este escrito, así como a través de su o personal, tuvo Busoni del cual hemos hablado anteriormente, un profundo efecto en multitud de músicos y compositores, especialmente en su discípulo Edgard Varèse. Edgar Varèse (París, 22 de diciembre de 1883 – Nueva York, 6 de noviembre de 1965) fue un compositor francés, que vivió una larga etapa decisiva en Estados Unidos. Desarrolló la música concreta creada por Pierre Schaeffer. La música de Varèse se caracteriza por enfatizar tanto timbre como ritmo, y en ella se acuñó el término de “sonido organizado” para hacer referencia a su propia estética musical. Su concepción de la música refleja una visión del “sonido como materia viva” y del “espacio musical abierto en lugar de limitado”. Varèse concebía los elementos de su música en términos de “sonido de masas”, comparando la organización de los mismos con el fenómeno de cristalización. Varèse decía que para todos aquellos oídos poco experimentados y de baja condición, todo aquello que resultaba nuevo en la música era denominado ruido, por lo que planteó la pregunta: ¿Qué es la música sino una sucesión de ruidos organizados?. A pesar de que toda su obra no dura más de tres horas, este autor ha sido reconocido como una gran influencia en la música por parte de grandes compositores de finales del siglo XX. Varèse vislumbró un gran potencial en la utilización de medios electrónicos para la producción sonora, y su uso de estos nuevos medios electrónicos sumado al de nuevos instrumentos lo llevó a ser conocido como el “padre de la música electrónica. Escuchamos Hyperprism del año 1923, obra breve pero original, incluso en la elección de los instrumentos: 2 de viento- madera (con una flauta doblando al flautín), 7 de viento- metal y una sección de percusión con 16 instrumentos distintos, entre los que como curiosidad destaca el tambor de cuerda “lion roar”, y la sirena. Por entonces, con la música electrónica por fin siendo una posibilidad real gracias al desarrollo de la grabación en cinta, produjo Déserts para vientos, percusión y cinta EN 1954) y un Poème électronique en 1957-1958. La idea de poema electrónico fue crear un espacio inmersivo y plurisensorial en el que el sonido emitido por un sistema de espacialización formado por 450 altavoces colocados en diferentes lugares, dialoga con la estructura arquitectónica y con la secuencia de imágenes, ambas diseñadas por Le Corbusier. En la realización de este innovador edificio también tuvo un importante papel el arquitecto/compositor Iannis Xenakis del que más adelante hablaremos. ESCUCHAMOS PARTE DE DESERTS Y POEMA ELECTRÓNICO. A continuación retrocedimos 30 años, concretamente a 1927 cuando el inventor estadounidense J. A. O’Neill desarrolló un dispositivo para la grabación que utilizaba un tipo de cinta recubierta magnéticamente. No obstante, fue un desastre comercial. Dos años más tarde, Laurens Hammond abrió una empresa dedicada a la fabricación de instrumentos electrónicos. Comenzó a producir el Órgano Hammond, basado en los principios del Telharmonium junto a otros desarrollos como las primeras unidades de reverberación. ESCUCHAMOS A LAURENS HAMMOND Y SU HAMMOND. Cambiando de nuevo a los inicios de la musica experimental el poeta dramaturgo y actor S ANTONIN ARTAUD fue una gran influencia dentro del teatro experimental que también tuvo mella en la música experimental. Fue co-fundador del Théâtre Alfred Jarry en 1927, en el que produjo varias obras, incluyendo una suya, The Cenci (1935), una ilustración de su concepto de “teatro de la crueldad”. Artaud utilizó este término para definir un nuevo teatro que debía minimizar la palabra hablada y dejarse llevar por una combinación de movimiento físico y gesto, sonidos inusuales, y eliminación de las disposiciones habituales de escenario y decorados. Con los sentidos desorientados, el espectador se vería forzado a enfrentarse al fuero interno, a su ser esencial, despojado de su civilizada coraza. Impedido siempre por enfermedades físicas y mentales crónicas, Artaud fue incapaz de poner sus teorías en práctica. Algunos de sus libros son: El Teatro y su Doble (1938), Van Gogh, el suicidado por la sociedad (1947), Artaud le Momo (1947) y Para acabar de una vez con el juicio de Dios (1948). Poeta maldito en toda la acepción de la palabra, Antonin Artaud ganó en cierta manera la inmortalidad con su resistencia al mundo exterior. Lo escuchamos. Lo que sonó a continuación es Francois Dufren. Él es conocido principalmente como un pionero en la poesía sonora. Para terminar el capitulo uno dedicado hoy a los inicios de la música electrónica y música experimental hablamos del futurismo ruso. El futurismo ruso fue una corriente de la vanguardia rusa, relacionada con el futurismo italiano, que surgió en Rusia en los años previos a la Primera Guerra Mundial. Suele considerarse el acto inicial del movimiento la publicación, en diciembre de 1912, del manifiesto “Bofetada al gusto del público”, firmado por los componentes del grupo “Hylaea”, de San Petersburgo. No obstante, además de éste existieron contemporáneamente otros grupos futuristas, como los “ego-futuristas” de Ígor Severyanin, también de San Petersburgo, el grupo Tsentrifuga, de Moscú, que contaba entre sus a Borís Pasternak, y otros muchos en ciudades como Kiev, Járkov y Odesa. Al igual que los italianos, los futuristas rusos estaban fascinados por el dinamismo, la velocidad y la inquietud de la vida urbana moderna. Buscaron deliberadamente causar escándalo y llamar la atención anunciando que repudiaban el arte estático del pasado. Según ellos, autores como Pushkin, Tolstói y Dostoyevski debían ser “arrojados por la borda del barco de la Modernidad”. No reconocían ningún tipo de líder o mentor literario: incluso el propio Filippo Tommaso Marinetti, iniciador del futurismo en Italia, que viajó a Rusia en 1914 para hacer propaganda de su credo estético, fue abucheado por algunos futuristas rusos. A diferencia del movimiento fundado por Marinetti, el futurismo ruso fue más literario que plástico. Aunque algunos de los principales poetas futuristas, como Mayakovski y Burliuk, eran también pintores, su interés prioritario fue siempre la literatura. Por otro lado, artistas ya consagrados, como Mijaíl Lariónov, Natalia Goncharova y Kazimir Malévich, encontraron inspiración la refrescante imaginería de los poemas futuristas e incluso llegaron a experimentar ellos mismos con el verso. Poetas y pintores colaboraron en producciones de carácter innovador, como la ópera futurista Victoria sobre el sol. Victoria sobre el sol es una ópera futurista rusa que se estrenó en 1913 con música de Mijail Matiushin, libreto de Aleksei Kruchenyk en idioma transmental y diseño de escenografía y vestuario a cargo del pintor Kazimir Malévich. Denostada en su momento, no quedan más que algunos fragmentos y bocetos de la música y el texto y de los figurines de Malévich, cuyo famoso “Cuadrado Negro” hizo su primera aparición en el estreno de esta ópera. Terminamos este primer capítulo con un homenaje a Victoria sobre el Sol por parte de la Asociación Raras Músicas realizada en noviembre de 2013. Raras Músicas Ensemble estuvo formada en esa ocasión por Ged Barry (saxos), Paloma Carrasco (cello), Javier G Entonado (voz, trompeta preparada), Gregorio Kazaroff (electrónica, objetos), Graciela López (voz) Christian Pérez (Contrabajo) CON ESTE HOMENAJE NOS DESPEDIMOS HASTA EL PRÓXIMO CAPÍTULO DE INICIOS DE LA MÚSICA EXPERIMENTAL Y ELECTRÓNICA, JUNTAS O POR SEPARADO.

Hoy dedicamos todo nuestro programa a la decimoquinta edición del festival Sonikas, evento que este año se celebrará el sábado 23 de diciembre en el Centro Cultural Lope de Vega en la calle Concejo de Teverga en el barrio de Entrevías de Madrid en Vallecas. Al igual que en las primeras ediciones del evento, el festival se desarrollará en la misma jornada desde las 7 de la tarde y con las actuaciones de Nad Spiro, Af Ursin, EatingRoof y Valerio Tricoli. La entrada es gratuita hasta completar aforo. Más información en www.ccapitalia.net

Esta semana dedicamos todo el programa a SPK, uno de los primeros grupos de la llamada música industrial, género de música electrónica/experimental que hace uso de temas transgresivos y suele estar asociada con angustia e ira.

Hoy terminamos nuestro monográfico dedicado a los inicios de la música surf y algunas de sus mutaciones. Realizamos sesiones exclusivas de Straitjackets, The Mummies, Phanton Surfers, Messer Chups y Man or Astro Man?. Muchas Gracias a Octavio Rojas por sus excelentes locuciones.

En este nueva sesión dedicamos el programa a Chester Hawkins, músico electrónico americano proveniente de Washingtong el cual ha grabado y compuesto una amplia gama de música experimental desde 1985. El proyecto más conocido fue BLUE SAUSAGE INFANT, que comenzó como un ejercicio dadaista, entre la música concreta y el collage para más tarde ampliar su sonido hacia el drone, el krautrock, la psicodelia electrónica, el brutal noise y el diseño de sonido cinematográfico. Tras 28 años de existencia su seudónimo BLUE SAUSAGE INFANT fue reemplezado por el de su propio nombre. Usando un arsenal de instrumentos electrónicos y sonidos de objetos modificados el objetivo de este músico sigue siendo la creación de estados de trance profundos y tensión paranoica. MÁS INFORMACIÓN EN http://www.chesterhawkins.org/index.html

Esta semana dentro del sexto aniversario de agora sol radio realizamos un programa dedicado a futuros conciertos que tendrán lugar en madrid próximamente y también a algunos músicos tanto reputados como emergentes que acaban de publicar disco recientemente. más información en http://www.agorasolradio.org.php56-21.dfw3-2.websitetestlink.com/2017/05/21/onda-sonora-en-el-6-aniversario-de-agora-sol-radio/?preview_id=10046&preview_nonce=24c264fa95&_thumbnail_id=10112&preview=true

Greg presenta una antología de sus aventuras musicales en los últimos 25 años, solo y acompañado por un destacado elenco internacional de músicos. Abstracción y ritmo, improvisación libre y funk, electrónica lo-fi y mucho más en 32 temas de acción. Más información en www.agorasolradio.org

Los inicios del Jazz y su evolución más salvaje - Capítulo 8 y último: Roland Kirk, Jimmy Lyons, David S.Ware, Charles Gayle, Borbetomagus, William Parker, Alexander von Schlippenbach, Derek Bailey, Tristan Honsinger o John Zorn entre muchos otros. Todos los programas de Onda Sonora sobre los inicios del jazz y su evolución más salvaje se encuentran aquí: http://www.ondasonoraradio.com

Hoy dedicamos todo el programa a un concierto doble que tendrá lugar el próximo domingo 30 de abril en el café Berlín en Madrid a partir de las 9 de la tarde. Se trata del concierto que ofrecerán los noruegos Elephant9 y The Geordie Approach. Organiza Vector Sounds. Más información en http://www.vectorsounds.com/ En las locuciones estuvo Gema Fernández-Blanco y en el control, edición de sonido y selección musical César Pradíes.

Esta semana nuestro programa estuvo presentado y dirigido por Gema Fernández-Blanco Martín. Gema FB Martín es doctora en creatividad aplicada, psicóloga y artista. Gema investiga el espacio que aúna tecnología, arte y psicología. En concreto, su investigación, se centra en: – La relación de la personalidad con los procesos creativos generados en grupo, tanto en el ámbito físico como en el virtual. – La producción artística y su relación con la cognición. – El encuentro entre emociones y robótica y el papel futuro de las últimas tecnologías (Realidad Virtual e Inteligencia Artificial) Puedes consultar más sobre ella y/o arla en su web metaverse42.com

Esta semana dedicamos todo el programa al afrobeat y sus orígenes principalmente. En las locuciones estuvo Jero García Avellán y en el control, edición y selección musical César Pradíes Morín. Más información en http://www.agorasolradio.org/category/onda-sonora/

www.ondasonoraradio.com www.radiocirculo.es www.agorasolradio.org CONTENIDOS ONDA SONORA 26-10-2013 Mejor calidad de audio en https://archive.org/details/OndaSonora28DeOctubreDe2013_317 01. TM404 Track: 303/303/303/606 / 202/303/303/303/606/606 Album: Tm404 Label: Kontra-Musik 02. XAVIER ERKIZIA Track: Oda al Spammer Anónimo / Red Drugs / Attention Required / A Green Beer Album: (Spam Detect) Label: Hamaika 10 03. MIGUEL ANGEL GARCÍA Track: Tentacle Album: Tentacle Label: Chirria Sello 04. JON ROSE / MEINRAD KNEER / RICHARD BARRETT Track: Colophony 2 Album: Colophony Label: Creative Sources 05. BAARS / KNEER / ELGART Track: Give No Quarter Album: Give No Quarter Label: Evil Rabbit Records 06. HÜBSCH / MARTEL / ZOUBEK Track: Bestir Thyself, sirrah! Album: June 16th Label: Schraum 07. PHILIPPE LAUZIER Track: Au-dessus / Silhouette Album: Transparence Label: Schraum 08. JAAP BLONK Track: Lifespans Album: Lifespans Label: Kontrans 09. FLEX BENT BRAAM Track: Lucebert Album: Lucebert Label: Braam