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La música clásica vasca ha dado figuras de renombre internacional en el pasado y sigue dándolas en el presente. Maurice Ravel es sin duda uno de los grandes compositores de origen vasco. Ravel representa una de las tendencias comunes a muchos compositores vascos: trabajan fuera del País Vasco, lo hacen en otros idiomas, pero jamás olvidan su identidad vasca. Con la Ilustración, con la mirada puesta en Europa y sobre todo en Francia, comenzaron los intentos por modernizar la música clásica vasca. La Real Sociedad Bascongada de Amigos del País fue la base de este movimiento y desarrolló, no sin oposición, una intensa actividad musical desvinculada de lo religioso. En aquel ambiente surgió la figura del compositor Juan Crisóstomo Arriaga quien compuso su primera obra a los once años. Su muerte prematura sin cumplir los veinte años privó a la música vasca de una figura excepcional. En el ambiente musical madrileño de finales del XVIII destacaron dos músicos de origen vasco: Hilarión Eslava y Blas de Laserna. El primero marcó la transición en la música española de los usos religiosos al patronazgo profano. El segundo fue el gran maestro de la tonadilla escénica. A fines del siglo XIX surgen en buena parte de Europa las llamadas escuelas nacionalistas, que buscan integrar las tradiciones musicales de cada pueblo dentro de la música erudita. En el caso vasco, esos elementos serán el zortziko, que se identifica de la mano de José María Iparragirre y, en mucha menor medida, la jota. A principios del siglo XX hubo el intento de elaborar una ópera nacional en euskera, pero este proyecto se vio eclipsado por el éxito de la zarzuela en castellano. Las zarzuelas de Jesús Guridi y Pablo Sorozabal tuvieron un gran éxito. Mientras, Jose Antonio Zulaika Aita Donostia despuntaba en la investigación de la música vasca. Después de la guerra civil el propio Guridi y Francisco Escudero, Karmelo Bernaola y Antton Larrauri fueron los compositores más relevantes. En la actualidad, Agustín González Acilu es uno de los compositores más relevantes del  panorama contemporáneo vasco. Con todo, la figura más conocida a nivel internacional de la composición musical vasca, no cabe duda, es Luis de Pablo. La continua experimentación es una característica común a ambos. En las generaciones posteriores Zuriñe Fernández Gerenabarrena, discípula de Bernaola, brilla con luz propia. También habría que citar a Ramón Lazkano y a Gabriel Erkoreka, faltaría más. Igual que Bernaola ha compuesto para el cine. En ese ámbito, el trabajo de Angel Illarramendi y Alberto Iglesias es imprescindible. Y en los últimos tiempos, destaca en el panorama de las bandas sonoras el vizcaíno Fernando Verlázquez.  

La relación entre la música clásica y las guerras ha sido profunda, compleja y, a menudo, conmovedora. A lo largo de la historia, la música ha acompañado a los ejércitos, ha servido de consuelo a los pueblos y ha sido utilizada tanto como herramienta de propaganda como de resistencia. Este programa explora cómo los grandes conflictos bélicos han influido en la creación, interpretación y significado de la música clásica. Las guerras del siglo XX, especialmente la Primera y Segunda Guerra Mundial, alteraron profundamente la vida y la obra de los grandes compositores europeos. Muchos experimentaron el exilio, la censura, la persecución o la pérdida de seres queridos, y estas experiencias se reflejaron en sus composiciones y trayectorias. Compositores como Arnold Schönberg, Erich Wolfgang Korngold, Paul Hindemith y Kurt Weill, aclamados antes de la guerra, sobrevivieron a los conflictos en países enemigos tras huir del nazismo. Tras la derrota alemana en 1945, resultaba doloroso para los alemanes y austríacos aceptar la música de estos grandes creadores, que habían sido forzados al exilio y, en muchos casos, considerados "arte degenerado" por el régimen nazi. El exilio, provocado por la persecución política y la censura, obligó a muchos músicos a abandonar sus países de origen. Esta experiencia generó cambios profundos en su producción artística. Los músicos, al verse desplazados, exploraron nuevas sonoridades, replantearon su poética y adaptaron sus mensajes a las realidades de los países de acogida. Lejos de sus lugares de origen, los músicos exiliados establecieron redes políticas y artísticas con movimientos y organizaciones afines en el extranjero. Estas alianzas permitieron la continuidad de la actividad musical y la difusión de sus mensajes de resistencia, así como la colaboración con otros artistas exiliados o locales, lo que enriqueció su obra y amplió su alcance El exilio también trajo consigo sensaciones de aislamiento cultural y soledad, lo que en algunos casos provocó periodos de inactividad creativa o crisis personales. Sin embargo, para muchos artistas, la necesidad de expresar el dolor, la nostalgia y la esperanza se tradujo en obras profundamente emotivas y comprometidas, que se convirtieron en símbolo de resistencia y memoria colectiva En contextos de censura y persecución, el exilio fue, para numerosos músicos, una vía de supervivencia física y artística. Les permitió salvar sus vidas y las de sus familias, así como conservar la posibilidad de seguir creando, aunque fuera en condiciones adversas y lejos de su público original El exilio y la persecución no solo afectaron la vida personal de los músicos, sino que también transformaron su producción musical, llevándolos a experimentar, resistir y construir nuevas identidades artísticas en contextos internacionales, muchas veces convertidos en referentes de la memoria y la denuncia política. La música clásica, lejos de ser solo un arte elevado, ha sido una compañera inseparable en los momentos más oscuros de la humanidad, sirviendo de consuelo, resistencia y, a veces, de arma. Su historia en tiempos de guerra nos recuerda el poder del arte para transformar, unir y dar esperanza incluso en medio del horror.  

En el programa de hoy repasamos los vínculos que históricamente han unido la música con las otras artes y la literatura. Lo hacemos por períodos históricos, comenzando desde la Edad Media hasta el Impresionismo de principios del siglo XX, revisitando pintores y artistas que se relacionaron con la música, ya sea representando en sus obras compositores, instrumentos musicales o escenas sociales en las que interviene la música, o, incluso, componiendo ellos mismos música. Analizamos los paralelismos entre las artes y la música de cada momento histórico y el modo en que se relacionan entre sí a lo largo de la historia. Surgirán curiosidades, anécdotas relevantes y el modo en que la música ha influido en las artes y viceversa.  

El ruso, el neoclásico y el dodecafónico son, a grandes rasgos, los tres periodos en los que puede dividirse la carrera compositiva de este Stravinski.  Alumno de Nikolái Rimski-Kórsakov en San Petersburgo, la oportunidad de darse a conocer se la brindó el empresario Serguéi Diáguilev, quien le encargó una partitura para ser estrenada por su compañía, los Ballets Rusos, en su temporada parisiense. El resultado fue «El pájaro de Fuego», obra en la que se advierte una profunda influencia de su maestro en su concepción general, pese a lo cual apunta ya algunos de los rasgos que definirán el estilo posterior de Stravinski, como su agudo sentido del ritmo y el color instrumental. Su rápida evolución culminó en la  «Consagración de la Primavera» y en otra partitura destinada al ballet «Las Bodas», instrumentada para la original combinación de cuatro pianos y percusión, con participación vocal. En estas obras el músico llevó al límite la herencia de la escuela nacionalista rusa hasta prácticamente agotarla. Pocas noches en la historia de la música han sido tan sonadas como la que se vivió en París el 29 de mayo de 1913 con el estreno de La consagración de la primavera. Abucheado y alabado a partes iguales –llegó a ser calificado por Puccini como “la obra de un loco”–, el conocido ballet con música de Igor Stravinsky supuso un antes y un después en la historia de la música y el ballet del pasado siglo xx. Compuesto para Les Ballets Russes, compañía del empresario ruso Serge Diaghilev, sus bruscos cambios de ritmo y las texturas armónicas utilizadas son reflejo del primitivismo que constituyó la base de la obra. La fructuosa colaboración entre Diaghilev y Stravinsky comenzó, pocos años antes, en 1910, con El pájaro de fuego. Basado en diferentes cuentos del folclore ruso unidos en un único relato alrededor de la figura del Príncipe Iván, Stravinsky introdujo en este ballet algunos de los conceptos clave en su música, como la descripción de los personajes a través de la música a la manera del leitmotif en la música de Wagner. Así, vemos un claro contraste entre secciones según el personaje que las protagoniza: mientras que Ronda de las princesas o Canción de cuna nos presentan temas más líricos y texturas más delicadas, la Danza infernal del Rey Katschei es marcadamente rítmica y agresiva. En 1911 se estrenaba en París Petrushka. Subtitulado como Escenas burlescas en cuatro actos, el ballet representa la historia de Petrushka, marioneta tradicional rusa, a través de una estética cómica, con melodías infantiles interrumpidas en ocasiones por secciones sombrías que reflejan el trágico destino de la marioneta. Entre las diversas versiones y arreglos de este ballet, Stravinsky creó una pieza virtuosística en tres movimientos para Artur Rubinstein.

Comenzamos con Rimsky-Korsakoff y su espectacular Obertura La Gran Pascua Rusa Op. 36, obra colorista, compuesta entre agosto de 1887 y abril de 1888, dedicada a la memoria de Modest Músorgski y Aleksandr Borodín, dos del grupo de Los Cinco. Se subtitula «Obertura sobre temas litúrgicos». Es la última de tres piezas excepcionalmente brillantes para orquesta, precedida por el Capricho español y Scheherezade. El estreno tuvo lugar en San Petersburgo a finales de diciembre de 1888. Rimski-Kórsakov siempre tuvo un gran interés en los temas litúrgicos y su música, aunque se consideraba a sí mismo no creyente o ateo. Continuamos con obras de muy distintos estilos, géneros y épocas, como El Oratorio de Pascua de J. S. Bach, el Regina Caeli de la ópera Cavalleria Rusticana, de Pietro Mascagni, visitando también el Adagio de Albinoni (perdón, de Giazzotto)con el texto del Ave Verum, o a Samuel Barber, quien puso la letra del Agnus Dei a su famosísimo Adagio para cuerdas. Además, como no podía ser menos, hemos hecho un hueco a LA SAETA, interpretada por Camarón de la Isla, en versión sinfónico-coral, realmente impactante; un poco de gospel, con el tema de Ben E. King, "Stand by me" (quédate a mi lado), interpretado a capella por las voces masculinas del grupo "The Buzztones", para finalizar con la emotiva canción religiosa, bien conocida en todo el mundo anglosajón, "Amazing Grace".   La música religiosa no tiene por qué ser aburrida. El programa de hoy lo demuestra.

(Brooklyn, Estados Unidos, 1900 - North Tarrytown, id., 1990) Compositor y director de orquesta estadounidense, uno de los músicos más sólidos e interesantes de su patria. fue un compositor de música clásica y de cine estadounidense de origen ruso-judío. Su obra está influida por el impresionismo y en especial por Igor Stravinsky. Destacó junto a George Gershwin como uno de los compositores más importantes de la identidad musical de Estados Unidos en el siglo XX.  Nacido, como su colega y amigo Leonard Bernstein, en el seno de una familia judía de origen ruso, Copland inició su educación musical en Nueva York. En 1921 se trasladó a París, donde durante tres años recibió clases de composición de la célebre Nadia Boulanger. Sus obras más representativas se enmarcan dentro de una corriente que buscaba sus motivos de inspiración en el folclore estadounidense, a veces (como en el Concierto para clarinete, compuesto en 1948 para Benny Goodman) con reminiscencias del jazz. A este período pertenecen Salón México (1933-1936) y Retrato de Lincoln (1942), pero son los ballets Billy el Niño (1939), Rodeo (1942) y Primavera apalache (1944) las partituras más destacadas y aplaudidas de esta etapa creativa de Copland, que cabría calificar de nacionalista. Con posterioridad, el estilo de Aaron Copland fue haciéndose más austero y abstracto, e integró técnicas más comprometidas con su tiempo histórico como el dodecafonismo, en obras como el Cuarteto con piano (1950) y Connotaciones (1962), las cuales, a pesar de su considerable interés y lo impecable de su factura, no encontraron el mismo eco entre el público. Como director de orquesta se prodigó en la interpretación de su propia música. Original en sus gustos musicales, judío, homosexual y simpatizante del comunismo americano. ¿Que más se le puede pedir a un hombre para no ser considerado un hombre común?. Su estilo musical es absolutamente original en todos sus periodos. Desde su experimentación juvenil, su relación con el jazz, sus obras modernistas, su período de música popular, hasta terminar con su aproximación al serialismo. De origen judío, al parecer no fue demasiado practicante

En sus primeras obras Ravel buscó un equilibrio entre la tradición y la innovación, con obras que combinan formas clásicas con una armonía audaz. Su Cuarteto de cuerda en fa mayor, que refleja esta dualidad. La fuerte influencia del impresionismo francés de Fauré y Debussy se ve reflejada en Pavane pour une infante défunte, Miroirs y Jeux d’eau, que exploran la riqueza tímbrica y la sonoridad evocadora, y anticipan su estilo posterior con armonías refinadas, una gran sensibilidad melódica y un uso innovador del color pianístico. La música española y especialmente Isaac Albéniz y Manuel de Falla, influyeron profundamente en Maurice Ravel, quien incorporó ritmos, armonías y formas características españolas. Todo ello se hace evidente en Alborada del gracioso, Rapsodia española y L’Heure espagnole con sus ritmos vibrantes, giros melódicos evocadores y una orquestación colorida. La Primera Guerra Mundial marcó un punto de inflexión en la música de Ravel, llevándolo a una mayor experimentación con la estructura y la orquestación. Le Tombeau de Couperin es un homenaje a la tradición barroca sa y a los amigos caídos en la guerra. Junto con el Concierto en sol, obra posterior que incorpora ritmos de jazz y una expresividad rítmica innovadora. Tras la guerra, Ravel exploró nuevos lenguajes. Su Boléro, concebido como un experimento rítmico, se convirtió en un éxito inesperado. Su célebre orquestación de Cuadros de una exposición, que transforma cada una de las pinturas de la exposición en un vívido viaje sonoro, y Cinq mélodies populaires grecques, obra de juventud que transforma simples canciones populares en una rica y evocadora experiencia sonora. La Valse es una obra imponente y vertiginosa que retrata la decadencia y el caos de la sociedad vienesa a través de un vals, símbolo de elegancia pero que se transforma en un torbellino dramático y turbulento. En sus últimos años, Ravel lleva su estilo a una madurez en la que fusiona la tradición con una modernidad radical.  

De todos los compositores del siglo XX, Maurice Ravel fue quizás quien dominó el mayor número de acentos diferentes: escribió en estilo oriental, austríaco, español y, en sus últimas obras, también en estilo americano, tomó préstamos del Barroco francés, del Clasicismo vienés y absorbió impresiones del modernismo. De un modo asombroso, la música de Ravel sigue siendo siempre inconfundiblemente personal. Y es precisamente gracias a su cosmopolitismo por lo que el lenguaje sonoro de Ravel resulta absolutamente francés. Porque Francia, y especialmente París, era en la época de Ravel un crisol de formas expresivas estilísticas. Con excepción de la extensa música para el ballet Dafnis y Cloe, las obras orquestales de Ravel raramente duran más de veinte minutos. Incluso las dos óperas La hora española y El niño y los sortilegios pueden presentarse cómodamente en una de las dos partes de un concierto. Tan reducidas como son de duración estas obras lo son asimismo en riqueza de fantasía y en colorido. Uno de los ejemplos de referencia es su famoso Bolero: Ravel presenta un tema que no deja de repetirse cada vez con nuevos timbres, desplegando un remolino irresistible a lo largo de más de un cuarto de hora. Ravel no tuvo tampoco reparos en utilizar en la orquesta un instrumento aún novedoso como el saxofón: su sentido del colorido tímbrico lo convirtió en uno de los más destacados representantes del impresionismo musical. Ravel ya había estado padeciendo desde los años veinte una progresiva enfermedad cerebral, que dio lugar, entre otras cosas, a cansancio, depresiones y una productividad abiertamente más reducida. En el curso de este período, durante el cual el compositor realizó también amplias giras de concierto, surgieron, sin embargo, obras tan importantes como los dos Conciertos para piano. Su Concierto para piano en Sol mayor, que acusa la influencia del jazz, fue dirigido por el propio compositor a los Berliner Philharmoniker en 1932. Maurice Ravel nació el 7 de marzo de 1875, en el pueblo de Cibourne, Francia, cerca de los Pirineos. Cuando la familia se mudó a París, poco después de su nacimiento, algo de folclore vasco se fue con ellos. Esa influencia vernácula se había de notar en muchas de las obras de Ravel, especialmente en su ópera La Hora Española, así como en la composición orquestal Rapsodia española.

Felix Mendelssohn Bartholdy (1809-1847) nació en Hamburgo el 3 de febrero de 1809, en el seno de una familia de origen judío. Su padre, un importante banquero, se convertiría al protestantismo en 1822. Entre los años 1811 y 1813 la familia se establece en Berlín, con motivo de la ocupación de Hamburgo por los ses. En 1816 Felix fue bautizado como cristiano, antes de que lo hiciera su padre, para poder integrarlo a la cultura europea, cosa que solo conseguiría parcialmente. Debido a la gran riqueza de su familia, la educación de Felix fue excepcional. Al ser judíos no tenían a la escuela pública, por ello su padre contrató como maestros particulares a los mejores de la época. Entre ellos Friedrich Zelter, director de la Singakademie de Berlín y consejero musical de Goethe. Mendelssohn viaja con su hermana Fanny a París para visitar a la máxima autoridad en el campo de la didáctica musical, Luigi Cherubini, director del Conservatorio de París. Estudió las obras de Bach y Mozart, conoció a Rossini, Meyerbeer y a Liszt. Cherubini reconoció que Mendelssohn tenía talento musical, pero una cierta incapacidad para el desarrollo de sus ideas en formas bien proporcionadas. Durante los años 1826 al 1829 estudió en la Universidad de Berlín, decidiendo finalmente dedicarse a la música. Durante su visita a Heidelberg en 1827, lugar de obligada visita para un intelectual alemán, aumentó su iración por la obra de Bach. Logró finalmente poseer una copia manuscrita de La Pasión según San Mateo, la estudió y decidió interpretarla. Para ello debía de convencer a Zelter, director de la Singakademie. Su insistencia logró que el 10 de marzo de 1829 se interpretara La Pasión según San Mateo de Bach dirigida por el propio Mendelssohn, un siglo después de su última audición en Leipzig. Mendelssohn restauraba la música barroca, empezando con ello la interpretación en los conciertos de la llamada música de repertorio, la gran música de los tiempos pasados. En aquellos tiempos lo normal era escuchar la música compuesta por autores de la propia época. El 3 de abril de 1843 inaugura el Conservatorio de Leipzig que es una creación suya. Además de este cargo, el rey Federico de Prusia lo nombra Director de la sección de Música, de la Academia de las Artes de Berlín. El 4 de noviembre de 1847 muere en Leipzig de una embolia cerebral, seis meses más tarde que hubiera muerto su hermana Fanny, de la misma enfermedad.

El impresionismo musical es un estilo de composición que surgió a principios del siglo XX. Se caracteriza por el uso de progresiones armónicas no tradicionales, líneas melódicas poco convencionales y una atmósfera general de ambigüedad y equívoco. El impresionismo en la música suele considerarse una reacción contra el estilo armónico y melódico tradicional de finales del siglo XIX. La música de los impresionistas suele describirse como “onírica” o “atmosférica”, y a menudo presenta una amplia gama de dinámicas y timbres. El primer uso del término “impresionismo” en un contexto musical fue en un artículo de Henri Leroux en la revista Le Courrier musical en 1884. Leroux utilizó el término para describir la música de Claude Debussy, que acababa de empezar a experimentar con progresiones armónicas no tradicionales. El estilo del impresionismo musical alcanzó su apogeo en los primeros años del siglo XX. El Prélude à l’après-midi d’un faune de Claude Debussy, compuesto en 1894, suele citarse como la primera obra del estilo. Otras obras tempranas importantes son Daphnis et Chloé, de Maurice Ravel, compuesta entre 1909 y 1912, y El aprendiz de brujo, de Paul Dukas, compuesta en 1897. El estilo continuó desarrollándose en los años previos a la Primera Guerra Mundial, con compositores como Ernest Chausson, Gabriel Fauré e Igor Stravinsky, que escribieron obras en este estilo. Sin embargo, el estallido de la guerra provocó un declive en la popularidad del impresionismo musical, ya que el público se interesó más por la música patriótica y militarista. El estilo experimentó un resurgimiento en las décadas de 1920 y 1930, y compositores como Olivier Messiaen, Darius Milhaud y Francis Poulenc escribieron obras en este estilo. Sin embargo, la Segunda Guerra Mundial provocó de nuevo un declive en la popularidad del impresionismo musical. El estilo volvió a resurgir en las décadas de 1950 y 1960, con compositores como Pierre Boulez, Karlheinz Stockhausen y György Ligeti, que escribieron obras en este estilo. El impresionismo musical sigue siendo una parte importante del repertorio de música clásica, y es interpretado regularmente por orquestas y conjuntos de todo el mundo. Erik Satie fue un compositor y pianista francés nacido en Honfleur, Normandía, el 17 de mayo de 1866. Satie comenzó su formación musical a los seis años de edad, y aunque tuvo algunos problemas para aprender a leer música, pronto mostró un gran talento para el piano. En 1879, a los trece años, Satie fue itido en el Conservatorio de París, donde estudió durante seis años. En sus primeros años como músico, Satie tocó en bares y cabarets de Montmartre, donde se hizo amigo de algunos de los artistas y escritores más influyentes de la época, incluyendo a Pablo Picasso y Jean Cocteau. Durante esta época, Satie comenzó a desarrollar su estilo único de música, que incluía elementos de la música popular y la música clásica, así como su característico uso de la repetición y la simplicidad. Aunque Satie no tuvo mucho éxito comercial en su vida, su música tuvo una gran influencia en la música contemporánea y ha sido interpretada y grabada por artistas de todo el mundo. Entre sus obras más conocidas se encuentran las Gymnopédies, tres piezas para piano que Satie compuso en 1888, y la obra para piano Vexations, que consiste en una melodía repetida 840 veces. Además de su legado musical, Satie es conocido por su personalidad excéntrica y su sentido del humor. Durante gran parte de su vida, Satie llevó una vida solitaria y austera, viviendo en habitaciones modestas y comiendo principalmente alimentos simples como patatas y pan. Sin embargo, también tenía un lado humorístico y absurdo, y se le atribuyen varios dichos ingeniosos y divertidos. En 1898, Satie conoció al escritor y artista Jean Cocteau, quien se convirtió en un amigo y colaborador cercano. Juntos, trabajaron en varias producciones de teatro y ballet, incluyendo el ballet Parade, que se estrenó en 1917 con música de Satie, libreto de Cocteau y decorados y trajes diseñados por Pablo Picasso. Lili Boulanger fue una compositora sa nacida el 21 de agosto de 1893 en París. Era la hermana menor de la también compositora Nadia Boulanger. Desde temprana edad, Lili mostró un gran talento musical y comenzó a estudiar con su hermana y otros reconocidos músicos, como Gabriel Fauré. A pesar de su delicada salud, Lili se dedicó apasionadamente a la música y compuso una variedad de obras originales, entre ellas canciones, piezas para piano y obras orquestales. En 1913, a la edad de 19 años, Lili se convirtió en la primera mujer en ganar el prestigioso Gran Premio de Roma por su cantata Faust et Hélène, convirtiéndose en la persona más joven en recibir este premio. Sin embargo, su carrera fue interrumpida por la Primera Guerra Mundial, durante la cual Lili enfermó gravemente y estuvo cerca de la muerte. Después de la guerra, Lili regresó a la composición y completó algunas de sus obras más importantes, incluyendo la pieza para orquesta D’un soir triste, que es un homenaje a su hermano fallecido, y D’un matin de printemps, que se ha convertido en una de sus obras más famosas. También trabajó en una ópera, La princesse Maleine, pero nunca la completó debido a su salud deteriorada. En 1918, Lili contrajo una enfermedad que la debilitó cada vez más, y finalmente murió el 15 de marzo de 1918 a la edad de 24 años. Aunque su carrera fue breve, su impacto en la música clásica fue significativo. Lili fue una de las primeras mujeres en ganar el Gran Premio de Roma y en ser reconocida como compositora en su propia época. Su música se caracteriza por su belleza lírica y su enfoque en la expresión emocional. Lili también fue influida por el simbolismo y el impresionismo, que eran corrientes artísticas en boga en Francia en ese momento. Su música a menudo se describe como impresionista debido a su uso de colores armónicos y texturas complejas. Además, se interesó en la música de otras culturas, como la música antigua de Oriente Medio y África, lo que influyó en su estilo.

El periodo clásico, que comprende las últimas décadas del siglo XVIII y los primeros años del siglo XIX, ha sido siempre monopolizado por las figuras de los grandes compositores Franz Joseph Haydn y Wolfgang Amadeus Mozart. Si bien a mediados del siglo XVIII el clarinete inició su andadura como instrumento solista y numerosos compositores le dedicaron música, Mozart ensombreció a todos ellos con las partituras que le dedicó, especialmente con su concierto kv. 622. El Concierto para clarinete en la mayor kv. 622, escrito por Wolfgang Amadeus Mozart en 1791 pocas semanas antes de su muerte, marcó un antes y un después en la música para clarinete solista. Considerado como uno de los grandes conciertos para instrumento solista y orquesta de la historia de la música, pocos compositores más se han aproximado a este instrumento de forma tan perfecta como lo hiciera Mozart, salvo excepciones como Carl Maria von Weber, Robert Schumann, Johannes Brahms o Claude Debussy. Durante el Clasicismo numerosos compositores de menor categoría musical de la de Mozart o Franz Joseph Haydn que, debido al filtro de la historia han pasado a un segundo plano o incluso han sido olvidados, compusieron mucha música destinada a este reciente instrumento desarrollado a partir de su ancestro el chalumeau y que pronto entraría a formar parte como miembro permanente de la orquesta que hoy en día conocemos. Entre los compositores clásicos que visitaremos en el programa están Jean-Xavier Lefèvre (1763-1829); la familia Stamitz, Johann (1717-1757) y Karl (1745-1801), que cuenta con varias de las páginas más destacadas del repertorio concertante para clarinete; Johann Baptiste Vanhal (1739-1813;  François Devienne (1759-1803);  Franz Krommer (1759 – 1831); y el inefable  Wolfgang Amadeus Mozart.

Tradicionalmente, la historia de la música clásica occidental se ha centrado en Europa. Aunque han aparecido nuevos actores como los Estados Unidos de América, la información proporcionada acerca de la música clásica de América Latina y sus compositores apenas se ha cubierto. Sin embargo, la historia existe, es muy profunda, extensa y antigua. Desde el período colonial en el que España y Portugal establecieron - después del encuentro -sus colonias en América Latina, la música de Europa se introdujo en el "Nuevo Mundo". La Iglesia es la institución que promovió la música sacra y la música secular fue creada y practicada por la población laica y mestiza. Por ejemplo, los virreinatos de Lima y Nueva España eran bien conocidos por sus compositores que trabajaron como maestros de capilla en las catedrales. Nombres como: Fray Esteban Ponce de León, Domenico Zipoli, Juan de Araujo, Esteban Salas, son algunos de los compositores del barroco latinoamericano. Durante el período Virreinal las ciudades constituidas como ejes llevan a cabo los oficios litúrgicos a la manera de España y Portugal. La Capilla americana, en pocos años, es un remedo de la Gran Capilla peninsular y, por lo tanto, su repertorio es similar. Así como en Europa se asombran con los datos y los objetos materiales que llegan del Nuevo Mundo, en América reciben con beneplácito las partituras recién impresas de Victoria, Guerrero, Morales, Palestrina o Lasso y los tratados teóricos de moda, que se leen y practican cotidianamente. Los maestros de Capilla que viajan a estas tierras forman escuela y surgen compositores autóctonos que dan brillo a las ceremonias y prestigian las iglesias a las que son destinados. Los principales centros documentales y de manuscritos musicales del período colonial se encuentran en México, Guatemala y en una franja que baja por el oeste sudamericano hasta Bolivia y Brasil, en Minas Gerais. Dentro de este panorama los Archivos de Perú –Cuzco y Lima– y de Bolivia –Sucre– representan un importante porcentaje de material documental original. Después de la independencia, hubo en el continente una época de reestructuración geopolítica realizada por la mayoría de las ex colonias de América Latina y la música clásica en latinoamericana también continuó su desarrollo, en otras palabras: su historia. Me gustaría mencionar algunos ejemplos como la Escuela de Chacao en Venezuela, dirigida por el Padre Sojo, los compositores de Minas Gerais como José Joaquín Emerico Lobo de Mesquita en Brasil, los compositores de la Escuela de Puebla, o la escuela cubana dirigida por Manuel Saumell, Ignacio Cervantes y Nicolás Espadero. La música durante este período de la historia sigue estando fuertemente influenciada por la estética europea. Sin embargo, este fenómeno no se mantendrá por más tiempo porque con el nacimiento de cada estado-nación en América Latina un particular enfoque hacia la composición de la música por parte de los compositores autóctonos estaba naciendo. Este punto de inflexión cultural e histórica se conoce como "Nacionalismo". Por ejemplo; en Brasil, Ernesto Nazareth y Alberto Nepomuceno escribieron música inspirada en el folclore brasileño y alentaron a los compositores a expresar sus ideas musicales usando elementos de la cultura autóctona brasileña. Durante el siglo XX un grupo significativo de compositores de América Latina, así como intérpretes, alcanzaron el reconocimiento internacional. Alberto Ginastera, Carlos Guatavino y Astor Piazzolla de Argentina, Heitor Villalobos, Lorenzo Fernandez y Camargo Guarnieri de Brasil, Antonio Estevez, Inocente Carreño y Antonio Lauro de Venezuela, Manuel Ponce, Carlos Chávez y Silvestre Revueltas de México, entre otros, son una muestra de esta sinergia de creación latinoamericana. Además, ellos fueron invitados para interpretar y dirigir sus obras con las principales orquestas del mundo en Berlín, Nueva York, Boston, París, Viena, Barcelona, Leipzig, Madrid, Londres, Filadelfia. Prominentes intérpretes como Arthur Rubinstein, Andrés Segovia, Nicanor Zabaleta, Erik Kleiber, Ernest Arsemet y Leonard Bernstein, han dedicado programas y grabaciones a compositores latinoamericanos. Aun más, la música de América Latina ha sido una fuente de inspiración para los compositores del siglo XX. Igor Stravinsky escribió un tango en su ópera The Rag Progress, Leonard Bernstein, escribió un mambo en su obra West Side Story. Por otra parte, Aaron Copland, que viajó extensamente por América Latina intercambiando ideas y amistad con muchos compositores latinoamericanos, escribió piezas inspiradas en este continente como Three Latin American Sketches, Danzón, y el Salón México. Hay más ejemplos como: Darius Milhaud Saudades do Brazil, Hans Werner Henze Memorias del Cimarrón, o Xavier Montsalvatge Cinco canciones negras, entre otros.

Los conciertos para violín existen a partir del Barroco y desde esa época, hasta ahora, ha habido grandes obras en las diversas etapas de la música clásica. A lo largo de la Historia y, en cada uno de sus respectivos periodos, ha habido una serie de conciertos de referencia. El violín, que nace allá por en el siglo XVI, tiene una extensa y muy rica literatura. Los más grandes compositores han escrito hermosos conciertos para este instrumento, considerado, junto al piano, el de mayor virtuosismo. El concerto grosso italiano y la orquesta italiana fueron el prototipo de composición y de ejecución a seguir por toda Europa occidental. La enorme influencia de Corelli llevó el estilo italiano a toda Europa. El Barroco conoció la transformación de los instrumentos renacentistas hacia modelos dinámicamente más flexibles y vio aparecer la orquesta en el sentido moderno del término. La técnica violinística tuvo un enorme empuje con autores como Ignaz von Biber, Locatelli, Vitali, Vivaldi, Tartini y J.S.Bach. En el programa de hoy escucharemos conciertos para violín de Biber, Locatelli, Vitali, Vivaldi, Tartini, Corelli, Telemann y J.S. Bach.

En este año 2025 recién estrenado, la Filarmónica de Viena ha interpretado por primera vez una obra de mujer. Se trata del Ferdinandus-Walzer, un vals de la compositora austriaca Constanza Geiger (1835-1890). Esta fue hija de José Geiger, y comenzó desde muy pequeña a dar sus primeros pasos como pianista, actriz, compositora y cantante. De hecho, compuso la obra interpretada en Viena a los 12 años de edad. Geiger fue precoz en prácticamente todo lo relacionado con el arte: debutó a los seis años como concertista de piano, a los nueve ya componía y a los 13 se subió por primera vez a un escenario como actriz. Sin embargo, su carrera profesional finalizó cuando se casó con el príncipe Leopoldo de Sajonia-Coburgo y Gotha, en 1862. Todo ello le ha valido para ser la primera compositora presente en Año Nuevo, el recital de música clásica más seguido del planeta y que se retransmite en casi 100 países. En el caso de la orquesta de Viena, apenas el 15% de todos los integrantes son mujeres. Además, las que hay solo tuvieron oportunidad de incorporarse a partir de 1997, hace menos de 30 años. En otras palabras: han pasado más de 100 años hasta que se las dejó entrar, pues esta institución se fundó en 1842. La inclusión de músicas en Viena fue, en 1997, todo un debate de Estado. En ese año, la asamblea general formada por los 150 músicos tomó la decisión de hacerlas partícipes, aunque no estuvo exento de polémica: hasta Werner Resell, el presidente de la organización, llegó a declarar que el gran escollo eran los permisos de maternidad de las mujeres. En España, el panorama no es mucho mejor. Según el estudio llevado a cabo por Pilar Pastor Eixarch en 2016 y 2017, solo el 1% de las obras programadas fueron de compositoras y el 5% de los conciertos de las orquestas sinfónicas españolas fueron dirigidos por una directora. Por su parte, las solistas representaron el 23% de los conciertos. En 2018 y 2019, algo mejoró la cosa: el 8% fueron directoras, el 5% compositoras y el 28% solistas; aunque las cifras siguen siendo ínfimas. "En este momento de la historia, en plena democracia, es muy grave que no se den las mismas oportunidades. Nos ha costado mucho acostumbrarnos a ver cirujanas, bomberas o policías, aunque el talento y la formación es la misma. Igual pasa en los estudios de composición y dirección", explica Pilar Pastor Eixarch. La presencia femenina es menor aún en los puestos de concertino (31%), solista (23%) y ayuda de solista (25%). Tan solo un 33% de mujeres ocupan una silla en las orquestas sinfónicas profesionales españolas, según revela un estudio elaborado por la Asociación Mujeres en la Música. En los puestos de liderazgo, responsabilidad y mayor retribución, aumentan las diferencias. Hay un 31% de mujeres en los puestos de concertino, un 23% en los de solista y un 25% en los de ayuda de solista. En la dirección titular la ausencia de mujeres es completa, ya que no hay ninguna entre las 25 agrupaciones musicales analizadas en el estudio. Por instrumentos, la sección de cuerda presenta más presencia femenina, ya que supone un 42% frente al 16% del total de los instrumentos de viento. Dentro de las cuerdas, la sección de violines está próxima a la paridad, con un 49% de mujeres violinistas. Las secciones de violas y violonchelos, con un 44%, tampoco están lejos. Son las secciones de contrabajos, por el contrario, las más masculinizadas, con la presencia de tan solo un 9% de mujeres. Dentro de la poca presencia femenina en las secciones de viento, es en la madera donde se observa mayor número de mujeres: un 26%, frente al muy escaso 5% de los metales. Entre los instrumentos de viento con más presencia femenina están las flautas, con un 49%. Por el contrario, la presencia masculina es masiva en tubas con un 0% de mujeres y los trombones, con solo una mujer solista de trombón en la Orquesta Sinfónica de Tenerife. La sección de percusión, con un 10% de mujeres, también está altamente masculinizada. Resulta llamativo el caso de las arpas, con un 100% de mujeres intérpretes de este instrumento. Por lo que respecta a los datos globales por orquestas, las más masculinizadas son la Filarmónica de Málaga y la Simfònica del Vallés, con tan solo un 25% de mujeres en sus plantillas. La más feminizada es la Real Filharmonía de Galicia, con un 43% de mujeres. En el programa de hoy escucharemos música de Lili Boulanger, Teresa Carreño Constanza Geiger y obras dirigidas e interpretadas por mujeres (Alison Balsom -solista de trompeta- y Alondra de la Parra -directora de orquesta-)  

MÚSICA CLÁSICA PARA TODOS LOS PÚBLICOS // PUBLIKO GUZTIENTZAKO MUSIKA KLASIKOA. El contenido corresponde a coros de opera, arias de zarzuela y ópera muy emotivas y conocidas. Además de números de musicales de Broadway y algún guiño a la música clásica euskaldun de Sorozabal, Guridi, Aita Donostia, etc. Música para cantar por lo bajinis...y empezar el año con alegría y buen humor.

MÚSICA CLÁSICA PARA TODOS LOS PÚBLICOS // PUBLIKO GUZTIENTZAKO MUSIKA KLASIKOA. El contenido serán  piezas de música clásica, las más famosas y divertidas, cortitas, que les suenen a todo el mundo y puedan entretener incluso a los oyentes más reacios. Además, disfrutaremos de clásicos a ritmo de jazz y música de cine.

MÚSICA PARA EL RECUERDO //Oroimenerako doinuak. El contenido es música muy familiar, pensada para la gente más mayor, los abueletes y padres de taitantos años que agradecerán escuchar músicas de su juventud, de cuando eran (éramos) más jóvenes... músicas de siempre, con boleros, tangos, canciones románticas, aquellas canciones protesta que marcaron toda una época.. siempre aludiendo a las emociones: amor, solidaridad, generosidad, compromiso, valores universales, contra la violencia y el sinsentido, por la alegría de la que hablaba Mario Benedetti y la esperanza.

El contenido del programa de hoy Nochebuena es música navideña euskaldun, castellana, sudamericana, africana, ucraniana, familiar, con villancicos gitanos y música de broadway navideña. Músicas del mundo a ritmo de villancicos.

Música clásica de Navidad poco conocida

Con la Ilustración, con la mirada puesta en Europa y sobre todo en Francia, comenzaron los intentos por modernizar la música clásica vasca. La Real Sociedad Bascongada de Amigos del País fue la base de este movimiento y desarrolló, no sin oposición, una intensa actividad musical desvinculada de lo religioso. En aquel ambiente surgió la figura del compositor Juan Crisóstomo Arriaga quien compuso su primera obra a los once años. Su muerte prematura sin cumplir los veinte años privó a la música vasca de una figura excepcional. En el ambiente musical madrileño de finales del XVIII destacaron dos músicos de origen vasco: Hilarión Eslava y Blas de Laserna. El primero marcó la transición en la música española de los usos religiosos al patronazgo profano. El segundo fue el gran maestro de la tonadilla escénica. A fines del siglo XIX surgen en buena parte de Europa las llamadas escuelas nacionalistas, que buscan integrar las tradiciones musicales de cada pueblo dentro de la música erudita. En el caso vasco, esos elementos serán el zortziko, que se identifica de la mano de José María Iparragirre y, en mucha menor medida, la jota. A principios del siglo XX hubo el intento de elaborar una ópera nacional en euskera, pero este proyecto se vio eclipsado por el éxito de la zarzuela en castellano. Las zarzuelas de Jesús Guridi y Pablo Sorozabal tuvieron un gran éxito. Mientras, Jose Antonio Zulaika Aita Donostia despuntaba en la investigación de la música vasca. En este podcast se abordan compositores como Juan de Antxieta, Tomás Garbizu. Serbastián Iradier, José María Usandizaga o Víctor Zubizarreta, desgranando su obra y estilo, así como los rasgos biográficos más importantes, todo ello aderezado con ejemplos musicales.