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Tú no puedes volver atrás porque la vida ya te empuja como un aullido interminable. Así comienza este bello poema de José Agustín Goytisolo titulado “Palabras para Julia”. VERSIÓN EN PIANO DE LA CANCIÓN DE PACO IBÁÑEZ DEL POEMA “PALABRAS PARA JULIA” DE JOSÉ AGUSTIN GOYTISOLO: https://www.youtube.com/watch?v=2C0xxEB_jY4 José Agustín Goytisolo era el hermano mayor de Luis y Juan Goytisolo también escritores y Julia era en nombre de su madre Julia murió durante los bombardeos de Barcelona a manos de la aviación fascista en Marzo de 1938. Esta pérdida de la madre marcó para siempre y de manera profunda a una saga de escritores que tuvieron durante toda su vida un marcado compromiso moral y político. José Agustín puso a su hija el mismo nombre de la madre perdida, Julia y en este poema reunió la memoria y el mensaje que querría mandar a las Dos mujeres de su vida, aunque fue creado en 1965 no fue publicado hasta 10 años después cuando en 1975 fue incluido en libro del mismo nombre “Palabras para Julia” pero antes ya fue musicalizado….. eso os lo cuento ahora. PACO IBAÑEZ: https://www.youtube.com/watch?v=Sa7T72nWa_A Paco Ibáñez es uno de los mayores referentes de la canción de autor Española y ha dedicado casi toda su carrera a la canción protesta con una fuerte carga política musicalizando poetas españoles tanto contemporáneos como clásicos y como tal puso música a este poema por primera vez en 1968 publicándolo más tarde en su disco “Paco Ibáñez 3” de 1969. MERCEDES SOSA: https://www.youtube.com/watch?v=Fa2v069uNNw Mercedes Sosa es una cantante de música folclórica argentina y fundadora de la llamada nueva canción latinoamericana. También utilizó este poema para darle el tono cálido, aterciopelado y melancólico de su voz. ROSA LEÓN: https://www.youtube.com/watch?v=BjRVzdHJjWo Esta es la inconfundible voz de una cantautora que seguramente reconocerán los niños de los 70 - 80 ya que acompañada de su guitarra y sus inconfundibles gafas nos cantó muchas canciones que marcarían nuestra infancia como la canción de “La Vacuna” o “Debajo de un botón”. Comenzó su carrera en el dúo Rosa y Krahe. Rosa León y digamos que apartó el mundo de la música como intérprete para ocupar cargos públicos como concejala del ayuntamiento de Madrid o directora del “Instituto Cervantes”, incluyó este poema musicalizado en su repertorio aportando su inconfundible sello. VENENO: https://www.youtube.com/watch?v=x9_rIQoRmbA Veneno es una banda compuesta por Rafael y Raimundo Amador junto a Kiko Veneno que fusionó como nadie el rock, el flamenco y la rumba y que fueron tan efímeros como geniales. En 1977 publican su único disco de nombre Veneno y se disuelven en 1978. Doce años después se volvieron a reunir, esta vez sin Rafael, para publicar un Maxi Single junto a Martirio y otros amigos que incluía esta revisión musical del poema. IVAN FERREIRO: https://www.youtube.com/watch?v=MuPjtsUFY9A Ivan Ferreiro es una de las voces más reconocibles del Indie Español, líder y principal compositor del grupo Los Piratas, en su disco “15 años entre canciones para el tiempo y la distancia” de 2019 incluye el poema lográndole dar un toque más melancólico si cabe. LOS SUAVES: https://www.youtube.com/watch?v=bXp5viG1DdI Aquí fue donde yo personalmente conocí el poema, en la versión de Los Suaves en el disco “Víspera de todos los Santos” del año 2000, donde Yosi y su banda convierte el poema en una balada con sello propio, donde destacan los solos de guitarra y batería… Un temazo. SOLEÁ MORENTE: https://www.youtube.com/watch?v=83GUL48zJeE Hay muchas otras versiones, musicalizaciones e interpretaciones del poema, este quizás sea el más reciente a la fecha de grabación de este episodio, llevada a cabo por la cantante y actriz granadina Soleá Morente, hija del genio del Albaicín Enrique Morente y la bailaora Aurora Carbonell. Esta versión se acomoda en la cálida voz de Soleá, cierto quejío flamenco y se apoya de metales y cuerdas muy de Jazz. Sin duda Palabras para Julia es un magistral poema que navega entre los dos amores de dos mujeres que comparten nombre, el amor a una hija y a una madre. PALABRAS PARA JULIA - KAMCHATKA: https://www.youtube.com/watch?v=4EPA3lHk7ic Como todos los grandes poemas de la época se musicalizó por los solistas de la época e incluso está incluida en la banda sonora de la película Hispano-Argentina Kamchatka protagonizada por Ricardo Darín y Cecilia Roth.

Hoy presentado por Ezequiel Campos (Director Grupo Radiocadena Spain y presentador de "El Baúl de mis recuerdos") Tema seleccionado Can't Help Falling In Love (Elvis Presley) Versiones: Jean Paul Égide Martini - Plaisir d'amour Julio Iglesias - Can't Help Falling In Love UB40 - (I Can't Help) Falling In Love With You Can't Falling In Love - Blackmore's Night Can't Help Falling In Love - Erasure Ingrid Michaelson - Can't Help Falling In Love IL DIVO - Can't Help Falling in Love w Haley Reinhart & Casey Abrams - Can't Help Falling In Love Can't Help Falling in Love - Jose Riaza Can't Help Falling in Love (spanish version) - Kevz Can't Help Falling in Love - Ella Roberts A-Teens - Can't Help Falling In Love (Lilo and Stitch Version) Elvis Presley & Mark Ronson - Can't Help Falling in Love (Remix)

Hola soy José Luis Flores, de onda 100 radio Extremadura. Para que nos ubiquen, esta radio nace en Zafra. Hoy estoy aquí para compartir con ustedes este Explorando Versiones de Locos por Incordiar, con la canción "solo pienso en tí", de Víctor Manuel. Este Explorando Versiones es una propuesta a dúo con Agartha de Radio Apis_Music. Solo pienso en ti es una canción compuesta por Víctor Manuel en 1978, aunque vería la luz un año después, en el álbum " Soy un corazón tendido al sol ", que fue grabado en Milán con la producción de Danilo Vaona. Subió a lo más alto de las listas de éxitos, y para muchos es la mejor canción del cantautor asturiano. Está basada en la historia real de una pareja de personas con discapacidad intelectual del centro que la Fundación Promi tiene en Cabra, que llevaron su amor hasta el matrimonio por encima de todas las trabas legales y sociales que encontraron en 1978. La pareja, Mari Luz y Antonio, se casó pocos años después, y tienen tres hijos, uno de ellos universitario. Víctor Manuel conoció su historia a raíz de una noticia publicada en el Diario Córdoba, que leyó estando en Montilla. En 2004 fue elegida la sexta canción más popular en español según el programa Nuestra mejor canción de TVE.En 2010 fue elegida por la revista Rolling Stone en el puesto 196 de su lista Las 200 mejores canciones del pop-rock español.Además fue número uno en la lista de éxitos de Los 40 principales en abril de 1979. Ese mismo año, la fundación Crisálida organizó una fiesta para celebrar la entrega de sus premios literarios. Ese año, la celebración fue en honor a la canción y a sus protagonistas: Víctor Manuel, que actuó en la fiesta, y Antonio y Mari Luz, quienes viajaron desde su lugar de residencia, Cabra (Córdoba), para asistir a la ceremonia. Coincidiendo con ese acto, Judith Colell realizó un documental basado en la canción, llamado también Sólo pienso en ti. Victor Manuel - Solo Pienso En Ti (Actuación TVE): https://www.youtube.com/watch?v=7D6pHsBf0Fg La versión original es de 1978. ANA TORROJA: https://www.youtube.com/watch?v=S9Jg1vl0hNI Tributo a Víctor Manuel, Nuestra mejor canción, 2004. TRIBUTO A VÍCTOR MANUEL: https://www.youtube.com/watch?v=V_Jr9Lwqr7E En el año 2022 se grabó esta versión en la que participaron Amaral, Andrés Suárez, Dani Martín, Iván Ferreiro, Jorge Drexler, Rozalén, Santi Balmes (Love Of Lesbian) y Sidonie. MELENDI: https://www.youtube.com/watch?v=n3T7NdJzNo8 En el año 2009 Melendi publica el álbum “Aún Más Curiosa La Cara De Tu Padre” donde se incluye esta versión. CHAYANNE: https://www.youtube.com/watch?v=l8BVHr7aA_k En 1996 Chayanne publica el álbum “Volver a nacer” donde se incluye esta versión. MANZANITA: https://www.youtube.com/watch?v=x5OeLNeMJsE En 1995 Manzanita publica esta versión que se incluye en el álbum “Sueño de amor” MALAVERGÜENZA: https://www.youtube.com/watch?v=Azw9amcVAvo El grupo Malavergüenza publica en 2014 esta versión que fue incluida en el disco "Retazos de Rock and Roll"

Hola. Soy Aurelio Martínez de la Gramola FM la canción que traigo a explorando versiones es Lili Marleen. INTRO (waldteufel78): https://www.youtube.com/watch?v=1_E6yANtGbE He elegido esta canción por ser un ejemplo de cómo pueden pasar décadas de un simple poema se puede convertir con el paso del tiempo en un himno. Esta canción tiene varias versiones en diferentes idiomas, yo en este caso he elegido cinco versiones. POEMA LILI MARLEEN - HANS LEIP: https://www.youtube.com/watch?v=ez0Njhofink La letra fue escrita en 1915 por el soldado alemán Hans Leip quien era poeta y escritor Originalmente el poema se titulaba "La muchacha bajo la farola" y hablaba de una joven esperando a su amado soldado bajo una lámpara el nombre de Lili Marleen es una combinación de dos mujeres que conoció. Lili la hija de un comerciante, y Marleen, una enfermera, reflejaba la nostalgia y el dolor de la separación durante la guerra en 1938 el compositor Norbert Schultz puso música al poema. LALE ANDERSEN: https://www.youtube.com/watch?v=YjXC4N1HXf0 En 1939 la cantante Lale Andersen grabo la primera versión de la canción bajo el título "La chica bajo la farola". Esta grabación, auque inicialmente no tuvo mucho éxito, se convirtió en un fenómeno durante la segunda guerra mundial cuando fue transmitida por radio Belgrado una emisora militar alemana la canción resonó profundamente entre los soldados de ambos bandos, convirtiéndose en un símbolo de esperanza y nostalgia MARLENE DIETRICH: https://www.youtube.com/watch?v=7heXZPl2hik A lo largo de los años Lili Marleen ha sido interpretada por numerosos artistas, pero la versión más famosa es la de Marlene Dietrich quien la grabo en 1944 para las tropas aliadas durante la segunda guerra mundial. Dietrich, una crítica abierta al régimen nazi le dio a la canción un tono más profundo y emotivo, contribuyendo su popularidad internacional, incluso el mariscal Erwin Rommel comandante del África Corps era un irador de la canción. OLÉ OLÉ: https://www.youtube.com/watch?v=E3XIGrsx8U8 la versión de Olé olé fue adaptada al español manteniendo el tono melancólico nostálgico de la original ,habla de un soldado que reflexiona sobre su amor por Lili Marleen su honor y sus experiencias en la guerra a diferencia de la versión original que tiene un tono más clásico y militar ,la versión de ole ole incorpora un estilo pop de los años 80 con sintetizadores y un ritmo más moderno característico de la banda en esa época la canción fue un éxito en España y América latina ayudando a consolidar a Olé olé como una de las bandas más populares de la década. DERRIBOS ARIAS: https://www.youtube.com/watch?v=joLzia22Rgs La versión de Lili Marleen por derribos arias es una de las más peculiares y vanguardistas que se han hecho de esta canción la banda liderada por Poch, formó parte de la movida madrileña y es conocida por su estilo experimental ,irreverente y con influencia del postpunk su adaptación de Lili Marleen transforma el tema en una versión desestructurada y con un sonido caótico y una interpretación casi irónica alejándose completamente de la solemnidad de la original la voz de Poch con su tono característico le da un aire surrealista, lo que encaja perfectamente con la actitud transgresora se Derribos Arias. INTER TERROR: https://www.youtube.com/watch?v=3YBc-SxiDJ4 La versión de Lili Marleen de Inter terror es una adaptación punk de este clásico con un sonido crudo y directo, propio de la escena punk española de los 80 Inter terror, banda de punk valenciana transformó la melancólica canción original en un tema agresivo y contestatario con guitarras rápidas y una interpretación desgarrada su versión mantiene la esencia de la letra pero con una actitud totalmente distinta en lugar de nostalgia y romanticismo transmite rabia y energía características del punk de la época. DESPEDIDA Y bueno hasta aquí mi aportación a Explorando Versiones ha sido un placer hasta pronto.

Hola amigos, soy Francisco y hoy en Explorando Versiones vamos a sumergirnos en el mundo de Javier Krahe y su canción “La Tormenta”. Esta pieza, es una adaptación del tema "L'orage" del mítico cantautor francés Georges Brassens y nos invita a disfrutar de una narrativa cargada de humor, sensualidad y la peculiar visión del amor que ambos artistas compartían. Pero antes de entrar en los detalles de la canción, repasaremos un poco la vida y obra de Javier Krahe, un cantautor único que dejó una huella imborrable al mezclar humor, poesía y mirada crítica, con un estilo que lo convertiría en una figura única dentro de la música española. Javier Krahe no era solo un músico; era un cronista mordaz de la sociedad, un poeta irónico y un maestro del humor inteligente. En sus inicios, formó parte del mítico grupo La Mandrágora, junto a Joaquín Sabina y Alberto Pérez. Este proyecto, cuyo álbum homónimo publicado en 1981 se convirtió en un clásico, marcó el inicio de una carrera donde la sátira y la poesía serían sus señas de identidad. Sus críticas llegaron a traspasar la música y Krahe no tenía miedo de abordar temas controvertidos, y es precisamente esta audacia la que lo llevó a explorar los límites de lo convencional, como ocurrió con su polémico corto "Sobre la cristofagia". Este vídeo, grabado en 1978, planteaba con ironía una receta ficticia para cocinar un crucifijo, llevando al extremo la expresión de "tomar el cuerpo de Cristo". Aunque el corto permaneció inédito durante décadas, en 2004 salió a la luz en el documental “Esta no es la vida privada de Javier Krahe” y fue emitido en una entrevista para el programa Lo + Plus de Canal Plus. Esto desató un revuelo mediático que, casi una década después, en 2012, lo llevó a los tribunales. Fue acusado de un "delito contra los sentimientos religiosos" por el Centro Jurídico Tomás Moro. La acusación pedía una multa desproporcionada, pero Krahe defendió su derecho a la libertad de expresión argumentando que el vídeo era una obra de humor sin intención de ofender. Finalmente, el juez lo absolvió, declarando que se trataba de una manifestación artística. Un triunfo para la libertad de expresión. Además de su música, Krahe participó como socio fundador de la discográfica 18 Chulos, junto a figuras como El Gran Wyoming, Pepín Tre, Pablo Carbonell o Santiago Segura. Este sello nació como un espacio para que los artistas con espíritu libre publicaran sus obras sin presiones comerciales. Lamentablemente, el 12 de julio de 2015, Javier Krahe falleció a los 71 años en su casa de Zahara de los Atunes. Pero su legado, sus canciones y su humor permanecen con nosotros. Y ahora que conocemos un poco más de la vida de Krahe, vamos a hablar de "La Tormenta", su brillante adaptación de "L'orage" de Georges Brassens. Krahe no sólo tradujo la canción original; lo adaptó con ese toque castizo y desvergonzado que lo caracterizaba. Si Brassens narraba un encuentro amoroso en medio de una tormenta con su humor francés, Krahe le añadió su propio ingenio, creando una pieza que, aunque fiel al espíritu del original, tiene una personalidad única. GEORGES BRASSENS - L'ORAGE: https://www.youtube.com/watch?v=BOij7jbRldU La letra de “L’orage” relata un encuentro amoroso inesperado, provocado por una tormenta que obliga al narrador a buscar refugio en la casa de una vecina. A medida que el temporal ruge fuera, los dos personajes, que inicialmente parecen mantener las distancias, terminan sucumbiendo a la atracción en un contexto lleno de tensión y encanto. La tormenta se convierte en una metáfora de la pasión y el deseo, destacando el estilo típico de Brassens de entremezclar la naturaleza y las emociones humanas. “L’orage” es una de las canciones más icónicas de Georges Brassens, el legendario cantautor francés conocido por sus letras poéticas y su ingenio irónico. Publicada en 1953 en el álbum "Le Vent", esta canción muestra la habilidad de Brassens para narrar historias con humor, sensualidad y un toque de melancolía. NANNI SVAMPA - IL TEMPORALE: https://www.youtube.com/watch?v=ptr4Xk2G4P8 Esta versión que estamos oyendo es la de Nanni Svampa, uno de los más reconocidos traductores e intérpretes de Georges Brassens al italiano. Svampa adaptó muchas de sus canciones, incluyendo "L’orage", transformándola en "Il temporale". Su versión mantiene el espíritu poético del original, pero lo adapta con maestría al contexto y la sensibilidad cultural italiana, sin perder la esencia humorística y la elegancia de Brassens. Además, Svampa logró acercar la obra del cantautor francés a un público que quizás no habría descubierto sus canciones de otra manera, dejando un legado que celebra tanto la música como la capacidad de la poesía para cruzar fronteras. ALBERTO PÉREZ - LA TORMENTA: https://youtu.be/zWMPPbyOOe8?feature=shared La Mandrágora, es el primer álbum de los cantautores españoles Joaquín Sabina, Javier Krahe y Alberto Pérez, acompañados por el guitarrista Antonio Sánchez, grabado en directo en 1981. Por aquel entonces los tres cantautores actuaban juntos en el sótano del bar madrileño del mismo nombre, situado en la Cava Baja del barrio de La Latina. Y es precisamente en este álbum es donde aparece la primera versión de "La Tormenta", adaptada al español por Javier Krahe, e interpretada por Alberto Pérez, que utiliza la adaptación de Krahe de la letra original de Georges Brassens. JOAQUÍN SABINA - LA TORMENTA: https://www.youtube.com/watch?v=-YlWykW2Rts “La sonrisa de Krahe” es un álbum homenaje a Javier Krahe publicado en 2019. Este disco recoge el concierto realizado el 20 de noviembre de 2016 en la sala Galileo Galilei de Madrid, en la que los amigos del cantautor interpretaron su obra junto a su banda habitual, bautizada tras su fallecimiento como Los huérfanos de Krahe. En este álbum, Joaquín Sabina se une a las voces que recuerdan a Krahe y presenta su versión de “La Tormenta”. Sabina aporta su estilo inconfundible y su voz rasgada, imprimiendo una intensidad diferente a la canción. LOS TOREROS MUERTOS - LA TORMENTA: https://www.youtube.com/watch?v=pHsLlxsvYKo En 2017, Los Toreros Muertos prepararon un espectáculo en directo titulado “Colegio público Javier Krahe”, un recorrido musical por la obra del maestro, al que tanto iraban. Sin embargo, este homenaje no se publicó oficialmente hasta 2020, cuando lanzaron un álbum doble. La versión de “La Tormenta” que Los Toreros Muertos incluyen en este disco mantiene su característico estilo atrevido y teatral, fusionando su sentido del humor con la ironía inherente a las letras de Krahe. Es un tributo que celebra la obra del cantautor con un tono festivo y desenfadado, en línea con la personalidad de la banda. JAVIER KRAHE - LA TORMENTA: https://www.youtube.com/watch?v=fp0lKTfyWhs Para finalizar este viaje, aunque fue Alberto Pérez quien interpretó la primera versión grabada de "La Tormenta" en el disco de La Mandrágora, Javier Krahe también la llevó a su repertorio habitual, añadiendo su estilo inconfundible. Es un ejemplo perfecto de cómo Krahe no sólo tradujo la canción de Brassens, sino que la reinventó, haciéndola suya y dándole una nueva vida en español. CONCLUSIONES Y así llegamos al final de este episodio de Explorando Versiones. Hoy hemos viajado por las diferentes interpretaciones de "La Tormenta", desde su origen en francés como "L’orage", pasando por las distintas versiones de Alberto Pérez, Joaquín Sabina o Los Toreros Muertos y, por supuesto, Javier Krahe, quien la convirtió en parte de su legado. Espero que os haya gustado y nos vemos en el siguiente capítulo. Un saludo.

Sean todos y todas bienvenidos y bienvenidas a un programa más de Explorando Versiones. Quien tiene el gusto de conectar con ustedes, Pedro A Luís. Hoy hablaremos de una canción para muchos, icónica. Para otros, el himno del rock, llamada: Smoke on the Water. DEEP PURPLE: https://www.youtube.com/watch?v=Q2FzZSBD5LE La banda creadora de este increíble clásico se formó en 1968 en Inglaterra y rápidamente se consolidó como uno de los grandes nombres del rock y del hard rock. Estamos hablando de Deep Purple. Haciendo un poco de historia, el grupo, en el año 1972, se encontraba en Montreux, Suiza, con la finalidad de grabar su álbum Machine Head. Lo que nadie se podía haber imaginado es que se presenta un incendio con características catastróficas en el casino de Montreux. Unos dicen que fue generado por un fans que le dispara con una pistola de bengala a Franz Zappa durante su concierto. Otros dicen que un grupo de fanáticos encendieron fuegos artificiales dentro del escenario o dentro del concierto como tal. Esto genera un incendio, como lo dije anteriormente, con características descomunales, afortunadamente sin víctimas que lamentar, y que terminó al final con la destrucción del casino por completo. Este evento particular inspira a Ritchie Blackmore a describir uno de los riffs más reconocidos de la historia. El incendio como tal deja una espesa columna de humo que se refleja en las aguas del lago de Ginebra. Esa imagen fue la chispa que prendió la creación de Smock On The Water. La letra como tal no solo hace referencia al incendio, sino también a la frustración y a las dificultades de grabar en condiciones caóticas, improvisadas, lejos del estudio original. Sin embargo, el resultado fue una de las grandes canciones del rock. CARLOS SANTANA: https://www.youtube.com/watch?v=O_Wst_CYuo8 Habiendo escuchado la canción original, vamos ahora a presentarles nuestras versiones. Comenzaremos con Carlos Santana, dentro del álbum "Guitar Heaven: The Greatest Guitar Classics Of All Time". Es un álbum de estudio, el número 21, lanzado el 21 de septiembre del 2010. Es un álbum de covers y de rock clásico y cuenta con la participación de grandes artistas. Entre los que están es India Arie, Joe Cocker, Chris Connor, y para la versión de Smoke on the Water, Carlos Santana invitó a Jacoby Shaddix. Oigamos la versión, me parece espectacular. AZUCARILLO KINGS: https://www.youtube.com/watch?v=0YviPuYL768 Otra de las bandas invitadas para este podcast es una banda española barcelonesa conocida por su mezcla de rumba, música disco, tiene mucho ska y algo de son latino, formada en 1996. Esta banda ganó muchísima popularidad en sus actuaciones, pues son muy enérgicas, dinámicas y tienen un estilo muy distintivo. El grupo se reúne en el año 2018 y ha seguido actuando desde entonces. Azucarillo Kings realiza una versión muy humorística de la canción Smoke On the Water, de Deep Purple, titulada Humo en el Water. Esta adaptación se incluyó en el álbum de 1998. RAINBOW: https://www.youtube.com/watch?v=FzhGmtG7LGk Otro de los invitados del día de hoy es Ritchie Blackmore, quien formó Rainbow después de dejar Deed Purple en 1975. Es una banda con un sonido más orientado hacia el hard rock y al metal neoclásico. Aunque Rainbow interpretó alguno de los temas de Deep Purple en vivo, no se conoce una grabación de estudio de Smoke on the Water. Escuchemos la versión de Ritchie Blackmore y de Rainbow en el Live Nippon Budokan (Tokio Japan) de 1984, una excelente versión. Y como es de costumbre en todos mis podcasts, siempre deseo y quiero compartir con ustedes una de mis anécdotas vinculada a la música. Era el verano de 1976. Me encontraba trabajando en una tienda de ropa, como era de costumbre, en una localidad muy populosa, bulliciosa y no menos peligrosa del oeste de la ciudad capital, es decir, de Caracas. La localidad se llama Quinta Crespo. En fin, eso era un microcosmo total. Pero aquí viene lo interesante de ese verano del 76, en el que escuchaba por primera vez, Smoke on the Water. Unos chicos que me doblaban en edad, también bien enrollados en esto de la música y de la tienda de al lado, me regalaron como muestra de empatía y de cariño, un par de autovías blancas. Eso no eran líneas, eso eran autovías. Recuerdo, como si fuese ayer, quedar paralizado y petrificado del miedo. Pensaba rápidamente: Eso no va conmigo. Tan rápido como lo pensaba, lo aspiré. Me di cuenta que aunque eso no estaba hecho para mí, pero al final de cuenta, qué carajo, lo probé. Y después experimenté las hostias y los coñazos que me dieron en casa, porque a fin de cuenta mis padres se enteraron. Pero la cosa no queda ahí. Muchos años después, ya casado y con hijos, y viviendo aquí en Sevilla, tuve el privilegio de escuchar la banda en vivo, lo que me hizo rememorar y transportarme aquellos días de pubertad en la tienda de ropas, de la libertad que solo la juventud puede tener y de aquel microcosmos llamado Quinta Crespo. Deep Purple: https://www.youtube.com/watch?v=qK7j_EERgT4 Y así, entre Riffs legendarios y una historia marcada por el fuego, el rock y mis anécdotas, cerramos este episodio del día de hoy. Viajamos en el tiempo hasta Montreux, sentido el humo sobre el agua y revivido la magia de Deep Purple en su icónica canción, Smoke on the Water. Quien se despide de ustedes, Pedro A. Luís. Hasta la próxima.

Hola, hola. ¿Qué tal!? Buenas madrugás,Soy Raulillo. En éstas fechas quiero hablaros de una canción que forma parte de una Ópera Rock, la más famosa y mejor Ópera Rock que he oído nunca. Una obra que cuenta la parte más crítica y terrenal de los personajes protagonistas en los últimos días de Jesús de Nazareth. Nos habla de un Judas, que lejos de ser un traidor, es algo así como un héroe mártir que salva a los suyos de ser masacrados por el imperio Romano y de una María Magdalena enamorada del profeta. EPIC ORCHESTRAL COVER: https://www.youtube.com/watch?v=CAxqrhlv_90 Pero concretamente de una canción de esa obra. Hablo de Getsemaní, también conocida como la canción de la oración del huerto. Me quiero centrar en ésta canción porque creo que es la más representativa de ésta Ópera. Esta canción tiene toda la esencia de lo que aquí se quiere contar. Y ésta canción en concreto nos enseña a un Jesús humano que después de 3 años llevando a cabo la voluntad del plan de Dios, duda y no entiende por que al final debe morir.” Si he de morir, quiero saber que voy a conseguir” sentencia el Nazareno. Un ser humano más que como todos nosotros, creyentes o no, nunca entenderemos por que tenia que morir. Si, como ya habréis imaginado con éste planteamiento, la ópera Rock Jesucristo Superstar, tuvo sus dificultades y críticas inquisitoriales por parte de los cristianos más puritanos. Que le quisieron poner piedras en el camino, pero consiguieron todo lo contrario, darle publicidad y hacer de ésta obra como ya he dicho, la Ópera Rock más popular de todos los tiempos. No bromeo si os digo que casi cada Semana Santa veo la película. Puestos a ver una película Bíblica, esta es más entretenida que Ben-Hur y además la música Rock Psicodélica con toques orquestales, es de lo mejor que he oído en mi vida. Además, la blasfemia atrae a los blasfemos y para blasfemo un servidor. Comenzamos este viaje por el corazón lleno de amargura y la mente llena de dudas del Jesucristo más humano? Pues nombremos a Dios en vano y empecemos!! IAN GILLAN: https://www.youtube.com/watch?v=gOjyGy1NR4Y A finales de los años 60 un veinteañero Tim Rice (Creador de exitosos musicales como El rey león o Evita) Tuvo la idea de contar los últimos días de vida del Nazareno, desde la perspectiva más crítica de Judas Iscariote, usando un lenguaje contemporáneo y con una banda sonora en clave de rock Psicodélico. Una mezcla explosiva. Una puta genialidad que nadie quiso producir, era demasiado arriesgado y adelantado para la época. Pero el bueno de Tim encontró la solución. Unos años antes, la banda Británica The Who, sacó Tommy un álbum conceptual con bastante éxito. Así que Tim Rice decidió hacer lo mismo y empezó con un álbum conceptual que se lanzó en 1970. Fue un disco que contaba la historia completa con canciones, literalmente una ópera rock. El disco contó ni más ni menos que la voz de Jesús con la voz de Ian Gillan, el vocalista de la que por aquella época era considerada la banda más ruidosa del mundo… Deep Purple, casi nada. Me cayo y escuchamos a Ian Gillan reprochar a su Dios psicópata ese plan sangriento que le tenía preparado. TED NEELEY: https://www.youtube.com/watch?v=I3mFBh2z9sc El álbum fue un bombazo, sobre todo en EE.UU. Llegó al número 1 de Billboard en 1971. Pero también generó protestas: grupos religiosos lo acusaban de blasfemia, por presentar a un Jesús humano, dudoso, e incluso por sugerir una atracción amorosa entre él y María Magdalena. La controversia ayudó a su fama. Y con el éxito del disco, finalmente llegó la oportunidad de llevarlo al escenario, primero en Broadway (1971) y luego en Londres (1972). Y qué pasa cuando una ópera o musical se vuelve exitoso y rentable? Pues que da el siguiente paso y lo llevan al cine.En 1973, tan solo tres años tras la publicación del álbum se estrenó la película. Para el papel de la película se pensó en quien dio voz a Jesus en el disco original. Pero los productores pensaron que poner a una superestrella del rock como cara visible de la película, sería contraproducente, porque podría sacar a los espectadores de la película. Aunque al final no se contó con él, vale la pena recordar que la versión original de Ian Gillan, el cantante de Deep Purple, aún hoy se considera una de las mejores versiones vocales de esa canción. Así que para la película se contó con Ted Neeley, un cantante tejano de rock, soul y balada romántica. Y en mi opinión acertaron de pleno. No en vano es mi Jesucristo Superstar favorito. Éste tipo ya tenía experiencia en musicales hippies, ya que participó en el musical contraculturas Hair. Cuando audicionó para la película y oyeron cómo era capaz de llegar a notas altísimas, casi imposible, no se lo pensaron. Ted, sería Jesús. Dirigida por Norman Jewison, Ésta Ópera mezcla de rock psicodélico, teatro, simbolismo bíblico y contracultura setentera, se rodó en Israel. Usando escenarios naturales del desierto y ruinas antiguas. Con una estética muy hippie, tanques, y soldados romanos con metralletas y gafas de sol, la película adquiere un contraste entre lo antiguo y lo moderno que le da una lectura política y social contemporánea a este relato. La película comienza con los actores llegando en bus, montando el escenario en el desierto y después de interpretar la obra, marchándose. Todo menos Jesús, que es abandonado en el desierto clavado en la cruz. Dando a entender, que sus seguidores, solo estuvieron con él en las buenas. Ésto generó mucha controversia, siendo criticada de nuevo por grupos religiosos. Y esto también hizo que ésta obra sea una de las más influyentes entre los jóvenes de la época, quienes conectaron con su mensaje, emocional, humano y crítico. Hoy en día es una película que se reestrena en cines, se analiza en universidades para generar debates didácticos. CAMILO SESTO: https://www.youtube.com/watch?v=KSr6ozHUktk Hablemos de la versión más conocida en España. La de Camilo Sesto. Cuando la estrella española de la música vio la representación de la obra en un teatro Londinense, se empeñó en traerla a los teatros españoles para interpretar al hijo de Dios. Se hizo con los derechos, eso no le costó mucho, pero estrenarla le costó sangre, sudor, lágrimas y casi la vida. En la España de los últimos momentos de Franco,Camilo tuvo que enfrentarse a censura, presiones políticas y ataques de sectores religiosos, pero aun así tiró adelante. Esta obra chocaba de frente con el fanatismo religioso fascista del conservadurismo del régimen. Y esto llevó a que se atentara contra la vida de Camilo en el propio teatro. Una bomba ni más ni menos. Con Ángela Carrasco como Maria Magdalena y Teddy Bautista como Judas, triunfaron. Teddy Bautista además fue director musical e hizo algo nunca visto en una representación de esta ópera. El foso de músicos era pequeño para la parte musical orquestal. Así que hizo los arreglos musicales para convertir las partes orquestales a música hecha con sintetizadores. Lago que todo el mundo reconoció como una genialidad. Todo esto lo se de la serie Camilo Superstar. En la que se cuenta como Camilo trajo esta pedazo de obra a España. Una serie que cambió para bien mi opinión de Camilo Sesto. Que no era nada buena seguramente por culpa de un imitador de mi ciudad natal, que hacía tributo al maestro bajo el nombre de Camilo Manuel. Posiblemente lo podréis encontrar en YouTube participando en el rancio programa musical “Lluvia de estrellas” del también rancio presentador Bertin Osborne. Con eso lo digo todo. Os dejo disfrutar de Camilo sesto y del gran trabajo de traducción que hicieron Ignacio Artime y Jaime Azpilicueta. PARK EUN TAE: https://www.youtube.com/watch?v=oD-Kg65yhHg Jesucristo Superstar ha sido interpretada en todo el mundo. Y si tenemos en cuenta que si reunimos a todas las doctrinas cristianas del mundo y las sumamos, los cristianos no llegan a ser ni el 20% de las personas religiosas de este planeta. Y que más del 50% de la humanidad no sabe ni quién fue Jesucristo… Pues que se haya representado por todo el mundo... coño pues esto tiene mérito. una de las más impactantes fue la producción en corea del sur de 2013 y posteriores, donde Park Eun-tae quien estáis oyendo interpretó el papel de Jesús. ¿Se os hace raro oírlo en Coreano? A mi me parece tan buena interpretación, que el idioma no me importa en absoluto. COCOLOCONOCTURNO: https://www.smule.com/sing-recording/1764735353_5036397728 Durante la pandemia hubo una red social para músicos que lo petó. Smule, donde personas apasionadas por la música, pueden compartir sus interpretaciones musicales con sus colegas haciendo comunidad y pasándoselo haciéndoselo pasar de puta madre a todos y entre todos. No solo de teatros musicales y películas vive la Ópera de Tim Rice. Éste es Cocoloconocturno, bueno, ese es su perfil. Éste de smule es un apasionado de los musicales como El fantasma de la ópera. He podido hablar con él personalmente y tengo que deciros que cuando grabó esta versión, de la versión de Camilo Sesto, estaba pachuchillo. Y menos mal porque el tío lo hace de lujo. Acercaos a ésta red social, os podéis llevar gratas sorpresas como la de este Cocoloconocturno y muchas más. LEO JIMENEZ: https://www.youtube.com/watch?v=n88KYi7Wx6I Ahora la versión de un metalero Español. Leo jimenez. En 2013, Leo Jiménez interpretó el papel de Jesús en una producción de Jesucristo Superstar que se representó en Madrid, pero con una propuesta muy diferente a las versiones tradicionales. En este caso, Leo, conocido por su trabajo en bandas como Stravaganzza y Saratoga, Las canciones de Jesús, especialmente "Gethsemane", adquirieron una fuerza y una intensidad brutales, con un enfoque más rockero que el de las versiones más líricas o teatrales. La versión de aquel que dijo no a Mago de Oz cuando salió José Andrea, Leo Jiménez, está publicada en forma de Bonus track en el álbum “Factoría del contraste” de 2016. Fue muy bien recibida por el público que sigue su carrera musical. Los fans del rock y del heavy metal vieron en su interpretación un enfoque único y fresco. Sin embargo, algunos puristas de la obra de Tim Rice se mostraron algo reacios, ya que el tono agresivo y metalero contrastaba con las versiones más suaves o melódicas que se habían hecho previamente. Mi opinión? Aunque me encanta Leo Jimenez, me declaro purista de la obra original y diré que aunque Leo destaca en las partes más agresivas y agudas de la canción. A mi en los primeros compases me saca de la canción , ya que la necesidad de hacerlo de una forma más grave en esta parte de la canción, ahoga la voz de Leo y me parece un bien, pero no tanto. RAFA BLAS: https://www.youtube.com/watch?v=UzZSkOfl9A4 Y del que dijo “no” a Mago de Oz, cuando aún molaban, nos vamos al que dijo que sí cuando ya solo era un grupo de mercenarios a la orden de Chus di Felatio. Éste chico al que estáis oyendo es Rafa Blas. Es conocido por ser el ganador de la primera edición de La Voz España en 2012.Cantante de rock y heavy metal, con una voz potente, muy teatral, y un rango vocal amplio. Interpretó “Getsemaní” como parte de un homenaje/versión especial, no como parte de una producción completa del musical. A pesar de no formar parte de una obra escénica, su interpretación causó un gran impacto, especialmente en redes sociales y plataformas como YouTube. Tanto fans como crítica , valoran mucho que un cantante salido del mundo televisivo y del heavy metal reivindique un clásico del teatro musical con tanto respeto y pasión. Algunos fans incluso lo comparan favorablemente con las versiones clásicas de Ted Neeley o Camilo Sesto, por la fuerza y autenticidad emocional que le pone. Éste Rafa Blas no es que sea santo de mi devoción. Todo lo que salga de concursos de talentos musicales, me la trae al pairo. Pero tengo que decir que no me saca de la canción como la versión de Leo Jimenez y creo que lo hace mejor. Ea! Ya lo he dicho! TED NEELEY 2006: https://www.youtube.com/watch?v=xCMrX28MnSw Y así llegamos al final de este episodio… pero no podemos irnos sin escuchar uno de los momentos más conmovedores de Jesucristo Superstar y, quizá, uno de los más impactantes de la historia del teatro musical. Lo que vas a escuchar a continuación es "Gethsemane (I Only Want to Say)", interpretada por Ted Neeley en el año 2006, durante una gira revival del musical en Estados Unidos. No fue en Broadway, pero sí pasó por grandes teatros, incluyendo Nueva York, llevando esta obra a miles de personas, más de treinta años después de su mítica interpretación en la película de 1973. En ese momento, Ted Neeley tenía ya más de 60 años. Su voz, como es natural, ya no era la de un joven de treinta. Pero lo que pierde en agilidad vocal, lo gana en profundidad, en emoción, en humanidad. Cada nota que canta, cada susurro, cada grito, está cargado de una vida entera de interpretar a este Jesús que no solo es figura religiosa, sino hombre que duda, que ama, que sufre y que finalmente acepta su destino. "Gethsemane" no es solo una canción. Es un desgarro espiritual, es el momento en que Jesús se quiebra y clama: "¿Por qué debo morir?", buscando respuestas, como cualquiera de nosotros en nuestros momentos más oscuros. Y Ted... Ted lo entrega todo. Porque él ya no actúa a Jesús: lo habita, lo respira, lo vive. A sus sesenta y tantos años, con la voz más cansada, su interpretación es más poderosa que nunca. Porque ya no canta solo con la garganta. Canta con el alma. En fin amigo explorador. Si eres de los que disfrutan persiguiendo procesiones, te deseo una feliz semana santa. Y si eres de los que como yo, todo ésto se lo toma como unas mini vacaciones más… pues felices vacaciones de primavera. Pero a ambos, tanto a capillitas como a ateos os pido que os pongáis la peli y le deis una oportunidad a ésta pedazo de obra. Y ahora si me despido con el mismo consejo de siempre: Pon el oído, y sube el volumen SO FRIKI!!

¡Bienvenidos a Explorando Versiones! Soy Ramón y hoy nos sumergimos en los mares oscuros y místicos del heavy metal para hablar de uno de sus himnos más icónicos: Holy Diver, de Dio. Esta canción, lanzada en 1983, ha dejado una huella imborrable en el mundo del metal y ha sido reinterpretada por numerosos artistas a lo largo de los años. ¡Preparaos, que hoy toca levantar los cuernos bien alto! \m/ Para aquellos que no estén familiarizados, Ronnie James Dio fue una de las voces más reverenciadas en el heavy metal. Su trayectoria abarca desde sus inicios con Rainbow, pasando por su etapa con Black Sabbath, hasta su exitoso proyecto en solitario, Dio. Con su poderosa voz y su carisma en el escenario, Dio se ha ganado un lugar en el Olimpo del metal. Holy Diver, el tema principal del álbum debut de Dio, es una obra maestra que combina riffs poderosos, una atmósfera épica y letras cargadas de simbolismo fantástico. En este episodio, vamos a explorar la historia detrás de esta canción, su impacto en la escena musical y cómo ha sido reinterpretada por otros artistas a lo largo del tiempo. DIO - HOLY DIVER: https://www.youtube.com/watch?v=2lvs2FzF64o Publicada en 1983 como tema principal del álbum debut en solitario de Ronnie James Dio, Holy Diver no tardó en convertirse en un clásico del heavy metal. Tras su paso por bandas legendarias como Rainbow y Black Sabbath, Dio decidió seguir su propio camino y, ¡vaya si acertó! Con riffs poderosos, una atmósfera épica y letras cargadas de simbolismo fantástico, Holy Diver es una especie de cuento heroico que mezcla imágenes medievales y místicas con un mensaje de resistencia y libertad. ¿Y quién podría olvidar ese riff inicial? Ese que arranca como si una tormenta eléctrica se colara por los altavoces y te dijera: "Agárrate fuerte, que vienen curvas." El videoclip también merece su mención: Dio convertido en una especie de guerrero medieval que reparte justicia al estilo de Conan el Bárbaro. KILLSWITCH ENGAGE: https://www.youtube.com/watch?v=NR7dG_m3MsI Una canción así no podía quedarse sin reinterpretaciones. Probablemente la versión más conocida y celebrada es la de Killswitch Engage. En 2006, estos reyes del metalcore la llevaron a su terreno con guitarras afiladas, una batería demoledora y un sonido más moderno, pero sin perder el espíritu épico de la original. Tanto caló que formó parte de la banda sonora del videojuego Guitar Hero y acabó siendo un clásico dentro del propio repertorio de Killswitch Engage. Guitar Hero Versión: https://www.youtube.com/watch?v=F89a2wiar3k PAT BOONE: https://www.youtube.com/watch?v=qjQV3omTRtk En 1997, Pat Boone, famoso en los años 50 por sus baladas románticas y versiones suavizadas de canciones de rock, decidió incursionar en el heavy metal con su disco In a Metal Mood: No More Mr. Nice Guy. Y ahí, sin despeinarse, se atrevió con Holy Diver, transformándola en algo así como jazz elegante con toques de swing. Imagínate a tu tío abuelo en bata cantando heavy metal... pero con orquesta y un rollo swing jazzero. Y ojo, que hasta el propio Ronnie James Dio dijo que le había gustado. Ahí queda eso. JACK BLACK: https://www.youtube.com/watch?v=J3_sWF0Z4CE Actor, comediante y cantante —sí, todo a la vez—, Jack Black, el mismísimo protagonista de Escuela de Rock, no perdió la oportunidad de rendir tributo a Holy Diver durante su visita al programa Late Night with Jimmy Fallon en diciembre de 2010. En directo, con toda su energía desbordante, su vozarrón y esos gestos marca de la casa, se lanzó a cantar el tema como si estuviera encabezando un festival de metal. Más que una versión, fue un espectáculo en sí mismo. PUDDLES PITY PARTY: https://www.youtube.com/watch?v=ZsxeKx-u5NY Si no conoces a Puddles Pity Party, te lo presento: un payaso triste, vestido de blanco, de voz profunda y capaz de convertir cualquier clásico en una balada melancólica. En 2021, se atrevió con Holy Diver, dándole la vuelta por completo y llevándola al terreno del drama y la nostalgia. Olvídate de guitarras afiladas y gritos desgarradores: aquí todo es delicado, suave, como si Dio hubiera escrito la canción después de una ruptura amorosa y se la hubiera entregado a un crooner venido del circo. Inquietante, inesperado… pero fascinante. NINA HERMANS: https://www.youtube.com/watch?v=r_DgyIjfiK0 En su versión de Holy Diver, Nina Hermans rinde homenaje al clásico de Dio con un enfoque único, inspirado en la interpretación de Killswitch Engage. Su cover aporta una mezcla de melodías intensas y poderosas, con una interpretación vocal que mantiene la energía de la original, pero con una suavidad emocional que le da una nueva dimensión. La versión de Hermans toma el espíritu del metal melódico, fusionando la potencia con el lirismo de su voz, lo que la convierte en una propuesta fresca y cargada de emoción. CONCLUSIÓN Así terminamos nuestro viaje por las diferentes versiones de Holy Diver, un tema que sigue demostrando su capacidad para reinventarse a través de los años, desde los riffs más duros hasta las interpretaciones más suaves y dramáticas. Lo que está claro es que una canción como esta no tiene límites: se puede transformar, adaptar y, por supuesto, rendir homenaje de mil maneras diferentes. Así que la próxima vez que escuches Holy Diver, recuerda que, aunque Dio la hizo inmortal, hay todo un universo de versiones esperando ser descubiertas. Y como siempre, no olvides levantar esos cuernos bien alto y seguir explorando. ¡Nos vemos en el próximo episodio de Explorando Versiones!

¡Hola, hola, exploradores! ¿Qué tal? Buenos días, tardes o noches, dependiendo de… ya sabéis qué. Yo soy Raulillo, esto es Explorando versiones, y quiero robaros un poco de lo más valioso que tenéis: vuestro tiempo, para hablaros de un clásico del rock y algunas de sus versiones. ¿Os venís conmigo a explorar las versiones de Don’t Stop Believin’ de Journey? JOURNEY - DON’T STOP BELIEVIN’: https://www.youtube.com/watch?v=jidZEUOR6zs Journey es una banda de rock creada en 1972 en San Francisco, Estados Unidos. Originalmente, una banda de estilo rock progresivo que fue convirtiéndose a un estilo más melódico y comercial, sobre todo con la incorporación del vocalista Steve Perry en 1978. Don't Stop Believin' (en español: No dejes de creer) es el título de una power ballad interpretada por la banda de rock estadounidense Journey, incluida en su séptimo álbum de estudio, Escape (1981). La canción fue escrita por Jonathan Cain (teclista de la banda), y su riff de teclado es considerado como uno de los más reconocibles de la historia del rock. CBS Records la lanzó el 5 de octubre de 1981 como el segundo sencillo del álbum. A menudo considerada como su canción insignia, alcanzó un puesto entre las diez primeras canciones de la lista Billboard Hot 100. Se vendieron más de un millón de copias en vinilo. Es la canción número uno de descarga digital pagada lanzada en el siglo XX. Ha vendido más de 7 millones de unidades digitales en los EE. UU. hasta julio de 2017. La base de datos en línea All Music la describe como la “canción perfecta”, y la revista Forbes la sitúa como la canción de rock más grande de todos los tiempos. En mi opinión, es muy buena, pero aquí creo que se han venido un poco arriba. La historia que cuenta la canción podría considerarse autobiográfica. Narra la historia de un chico y una chica de mundos distintos que viajan lejos de casa para cumplir el sueño de vivir de la música. Es justo lo que hizo Jonathan Cain. El título de la canción proviene de algo que el padre del tecladista Jonathan Cain le decía con frecuencia cuando era un músico en dificultades que vivía en Sunset Boulevard, en Los Ángeles. GLEE: https://www.youtube.com/watch?v=3Dc1d46O3O8 Como todo temazo rockero que se precie, Don’t Stop Believin’ está presente en la pequeña y gran pantalla. La lista de producciones audiovisuales en las que aparece, tanto en su versión original como en versiones para la ocasión, no es corta: • La mejor de mis bodas (1998) de Adam Sandler. • La oscarizada Monster de 2003, con Charlize Theron y Christina Ricci. • Como no, en el musical Rock of Ages, que saltó de los teatros de Broadway para convertirse en una película en 2012, protagonizada, entre otros, por Tom Cruise y Alec Baldwin. He visto tanto la peli como el musical, y el argumento es literalmente el de la canción. No es “la leche”, pero para un domingo en el que San Pedro juega a los bolos en el cielo, te puede quitar el aburrimiento. • En la pequeña pantalla se puede ver en la famosa serie Los Soprano en 1999. Tras esta aparición, la canción volvió a romperlo en cuanto a ventas y relanzó la carrera de Journey. • Y, como no, también podéis oír la versión que estáis escuchando en la serie Glee de 2009. Una serie musical del típico High School yanqui, es una auténtica oda a la cultura woke. Es la máxima expresión del audiovisual inclusivo, en el que tenemos desde la típica capitana de animadoras, reina del baile, hasta el tío más chungo y malote, pasando por chicos frikis gafaplastas, chicas guays, flacas, gruesas, afroamericanas, parapléjicos, gays, lesbianas, orientales, latinos y hasta algún pelirrojo. Sí, así es, pelirrojos: el precio a pagar por el resto de mortales para que podamos disfrutar de las pelirrojas. Ahora disfrutemos de esta versión coral, bastante pastelosa aunque no mala del todo, para la serie Glee. THE HOLOPHONICS: https://www.youtube.com/watch?v=xxv-_3S0zUU ¿Qué tal un poquito de ska? Si queréis oír un huevo de versiones de temazos de todos los tiempos en clave de ska, no podéis dejar de visitar la discografía de The Holophonics. Esta versión está incluida en su disco de versiones Maskarades Vol. 11. Y que sepáis que ya van por el Vol. 17. Los tejanos que comenzaron en esto allá por el 2012 dicen ser un grupo de progressive ska. Chiquillos pretenciosos… si sabes hacer música progresiva, no haces punk ni ska. En fin, sea como sea, sus discos de versiones son muy disfrutables, kalimotxo en mano. POSTMODERN JUKEBOX: https://www.youtube.com/watch?v=UngXu2zwF9E Estáis oyendo Postmodern Jukebox. Algo así como “la gramola postmoderna”. Otra agrupación dedicada enteramente a las versiones. Pero vienen bien para que se te baje el subidón del fiestón ska que te acabas de pegar. No te voy a mencionar a sus integrantes porque son ciento y la madre. Si te van las versiones de los éxitos del rock y pop de todos los tiempos en clave de jazz suave, dos cosas te digo: 1. Este es tu grupo; no dudes en escucharlos. 2. A mí no me hables. STEEL PANTHER: https://www.youtube.com/watch?v=r2o9KAplnu4 Ahora vamos con metal de mentira o de chichinabo. Me explico: estos son Steel Panther, un cuarteto que en el 2000 comenzó a tener popularidad en el Sunset Strip hollywoodiense. Este sitio, básicamente, es el nido de serpientes andróginas travestidas que son los grupos de glam metal, de la escuela de Poison, L.A. Guns, Mötley Crüe y compañía. Estos grupos, dedicados en cuerpo y alma a llevar la vida de rockstar, sin reparar en si su música es de verdadera calidad o no. Esta versión se lanzó como single en 2009, y, como podéis oír, no se diferencia mucho de la original. Es lo que pasa cuando andas corto de talento. Ahora, en serio, y una vez que me he vaciado de bilis, quiero aclarar una cosa: es cierto que a los jovenzuelos y rockeros más maduros no nos va mucho este estilo. Pero, en realidad, todos lo hemos consumido. Por eso, amigo, si te gusta este u otro grupo de glam, no te avergüences por mucho que los critiquen. Muchos empezaron oyendo estas cosas y, tirando del hilo, han descubierto grupazos y se han convertido en verdaderos metalhead masters. Recuerda: Don’t Stop Believin’. NORTHERN KINGS: https://www.youtube.com/watch?v=9uynzC4BrLE Don’t Stop Believin’ es una canción un tanto peculiar. No oiremos el estribillo hasta el final. Esta canción es como el sexo tántrico: te mantiene arriba todo el tiempo hasta 50 segundos antes de concluir, que es cuando entra por primera vez su estribillo. Por cierto, pedazo de estribillo que te eleva el alma al séptimo cielo. Pero existe un grupo que es capaz de usar esta canción para hacerte cruzar la laguna Estigia de la mano del barquero Caronte y llevarte a las capas más oscuras del reino de Hades. Son Northern Kings, un supergrupo de versiones finés con un estilo oscuro de metal sinfónico y épico, compuesto por cuatro de los más reconocidos músicos del metal nórdico: Jarkko Ahola (Teräsbetoni), Marco Hietala (Nightwish y Tarot), Tony Kakko (Sonata Arctica) y Juha-Pekka Leppäluoto (Charon). Comenzaron este proyecto en 2007 con su álbum Reborn, donde aparece esta versión de la canción de Journey, junto a otras versiones como We Don’t Need Another Hero de Tina Turner, Broken Wings de Mr. Mister o Ashes to Ashes de David Bowie, entre otros. En fin, más te vale tener el alma pura y limpia antes de oír un disco de este grupazo. FLATIRONS COMMUNITY CHURCH:: https://www.youtube.com/watch?v=XhNP7fZG2O4 Y si de verdad queréis limpiar vuestro alma, vamos a darle al rock cristiano. Flatirons Community Church. Esto no es solo un grupo, es mucho más: una escuela de base cristiana con sedes en Westminster y Genesee (Colorado). La iglesia ofrece música de adoración moderna, dirigida principalmente por líderes de adoración específicos del campus, junto a conferencias de corte cristiano durante un servicio (que es como llaman por allí a las misas) típico de fin de semana. La música no se limita a canciones de adoración, sino que incluye canciones seculares de bandas populares como Queen, Imagine Dragons, Foo Fighters, Coldplay, Twenty One Pilots, Bleachers y más. La iglesia recibe regularmente a más de 19,000 asistentes por fin de semana entre los cinco campus que atesoran. Un servidor, que se declara agnóstico aborrecedor de cultos religiosos, ministros de dioses en la tierra y demás supercherías humanas… convencido está de que si las misas católicas montasen estos bolos, me levantaría temprano todos los domingos para asistir a misa de las 10. JORN: https://www.youtube.com/watch?v=JUcW9meI73k Si alguien escuchó el Explorando versiones de Hotel California, ya sabrá quién es este señor. Es Jorn Lande, ex-Masterplan (la banda de power metal formada por Roland Grapow y Uli Kusch tras su salida de Helloween). Con su proyecto en solitario, Jorn, sacó el disco de versiones Heavy Rock Radio en 2016. Y, aún a riesgo de repetirme con este artista, lo pongo sin ninguna vergüenza, ya que si algo tiene el hacer Explorando versiones, es que se aprende un huevo y se descubren proyectos musicales que sorprenden a cualquiera. Y este descubrimiento se está convirtiendo en uno de mis artistas favoritos en el último año. Dejo que disfrutéis de Jorn Lande y su magistral control sobre sus cuerdas vocales. BAD BONES: https://www.youtube.com/watch?v=WaCI0t6b9cM Bad Bones es una banda italiana de hard rock y heavy metal formada en 2007 en Ceva, Italia. La fundaron los hermanos Steve (bajo) y Lele Balocco (batería), junto con el guitarrista y vocalista Mekk Borra. Su sonido está influenciado por bandas clásicas como AC/DC o ZZ Top. Esta versión del himno de Journey es de 2014 y está incluida en la versión Deluxe de su disco de 2012, Snakes n’ Bones. Este álbum fue el culpable de darles el empujoncito que les llevó a girar por toda Europa y Estados Unidos, llegando a tocar en sitios emblemáticos como el Whisky a Go Go de Los Ángeles, donde compartieron escenario con los anteriormente mencionados Steel Panther. Estos Bad Bones son un grupo que acabo de descubrir, y si os gusta oír rock de toda la vida con sonido a directo en sus grabaciones y sin sintetizadores, os animo a que os deis un paseo por la discografía de estos italianos. HALOCENE: https://www.youtube.com/watch?v=qCvqnTEApro Halocene, Banda originario de Phoenix, Arizona, Bradley Amick no han parado de trabajar duro y con pasión desde 2008. Después de haber estado de gira de costa a costa en una camioneta destartalada, abriendo para bandas como Blink 182. Halocene encontró su camino como banda influencer en YouTube, subiendo contenido semanalmente y obteniendo más de 30 millones de vistas. También es una de las primeras bandas en transmitir regularmente sus actuaciones en vivo en Twitch. Pero Raulillo, vas a despedirte con unos creadores de contenido? En serio? Pues si, hay que aceptar que la musica como todo, va en esa dirección y joder, se ven verdaderos talentos que se tienen que buscar la vida por su cuenta en estos formatos. Como hace nuestra amiga Merchi en Smule con sus amigos, que es una gozada ver como crean comunidad y disfrutan y nos hacen disfrutar haciendo musica practicamente por amor al arte. Y estos Halocene, tiran de comunidad para no estar solos con esta versión de Journey. Otros amigos de distintas plataformas musicales se unen a ellos para la ocasión. Violet Orlandi, Lauren Babic, Cole Rolland. En total 4 voces femeninas que empastan que te mueres. Amigos exploradores, yo ya me voy y os dejo disfrutar de este himno a la lucha y esfuerzo por llegar a conseguir los sueños sin parar de creer. Joder que moña he sonado. En fin amigos exploradores. Soy Raulillo y me despido con el mismo consejo de siempre. Pon el oido y sube el volumen, So friki!!

Hola soy Sergio Serrato y vengo otra vez a este nuestro podcast favorito Explorando versiones… Ponte tus pantalones de pitillo, coge tu chupa de cuero y péinate ese tupé imposible a lo James Dean porque hoy nos sumergimos en una canción y sus versiones de lo más Rocker... Hoy en Explorando versiones os hablamos de “Apuesta por el Rock And Roll” MÁS BIRRAS - APUESTA POR EL ROCK’N’ROLL (Primera Versión): https://www.youtube.com/watch?v=1a6vfjH1oPQ Mauricio Aznar Müller fue un poeta y músico nacido en Zaragoza en el año 1964 y fundador de bandas de estilo Rocker como “Golden Zippers”, “Más Birras” y “Almagato”. Con un marcado estilo Rockabilly Mauricio es el autor de esta canción incluida en el mini LP del grupo “Más Birras” del año 1987 “Al Este del Moncayo” Aunque la banda Mas Birras se fundó en 1984, no alcanzó gran popularidad nacional hasta que en 1987 “Apuesta por el Rock And Roll” fue lanzada por Jesus Ordás en Radio 3. La canción en sí es como una novela corta que narra una historia de declaración de amor hacia un estilo de vida, un anhelo de una libertad absoluta, una carrera en busca del sueño de vivir como uno quiere, donde el protagonista ofrece a su chica que lo acompañe en esta aventura que es la vida, la que él ha elegido vivir. Esta complejidad narrativa es inusual en las canciones de rock de la época y sin duda obedece al sello de su letrista, Gabriel Sopeña, músico, poeta, escritor y profesor de filosofía, además de amigo de la infancia de Mauricio Aznar, que colaboró en algunos temas de Más Birras. En Más Birras está todo el sentir de una juventud española de principios de los 80, el paro, la mili y la heroína eran lo que ahora llaman Trading Topic. HÉROES DEL SILENCIO: https://www.youtube.com/watch?v=0-GqJPqYSKc Muchos de los Fans de Heroes del Silencio seguramente no sepan el origen de esta canción e incluso atribuyan la autoría al grupo liderado por Bunbury y es que casi nunca una canción de una banda quedaba tan como anillo a ldedo de otra…. parece que Mauricio Aznar y Gabriel Sopeña creasen esta canción pensando en unos Heroes del Silencio que ni siquiera existían aún….. aquí podemos escuchar una versión en directo de este tema que Heroes incluyó en su primer disco recopilatorio del 1996 “Rarezas” JOAQUÍN CARDIEL (HÉROES DEL SILENCIO), AMARAL Y ARIEL ROT: https://www.youtube.com/watch?v=up3qYoPeNO0 Otros ilustres Zaragozanos como Amaral grabaron junto a Joaquin Cardiel de Heroes y con Alejo Stevens de Tequila a la guitarra esta versión durante la grabación del programa de televisión Española “ Un país para escucharlo” GABRIEL SOPEÑA Y JAVIER MACIPE: https://www.youtube.com/watch?v=29iWGyP5g0E El propio autor de la letra que como he dicho es tambien músico interpretaba la canción en directo durante la entrega de los premios de la musica Aragonesa celebrada en 26 de Marzo acompañado de Javier Macipe LOS LOCOS TRISTES: https://www.youtube.com/watch?v=g9TNM-LnX58 El duo Indie de Rock and Roll en bares y cantinas Cubano, que así se definen nos dejaron esta version demostrando que se hace buen Rock And Roll en la Isla…. HÉROES DEL SILENCIO Y LOQUILLO: https://www.youtube.com/watch?v=Ti4XvrAYMYQ Como es una canción que vive del espiritu del directo y es ahí donde se encuentra su verdadero sentido, os dejamos esta interpretación de Heroes del Silencio junto a Loquillo en un concierto en Barcelona…. disculpenme por la calidad del sonido pero esto es Rock And Roll puro…. MÁS BIRRAS - APUESTA POR EL ROCK’N’ROLL: https://www.youtube.com/watch?v=zCAw7kNOlLw Mauricio Aznar es una figura poco conocida y aun menos reconocida en la historia del Rock And Roll nacional, en sus últimos años empezo a interesarse por el tango y el folclore de una zona en concreto del noreste de Argentina…. nos dejó a la temprana edad de 36 años en el año 2000 por una sobredosis una semana después del suicidio de su hermano Pedro. Días antes de morir entregó a su amigo un libro de poemas manuscritos y a Gabriel sopeña casi una veintena de canciones inéditas a modo de herencia musical y cultural...

Hola amigos, soy Francisco, os doy la bienvenida a Explorando Versiones. Hoy hablaremos en «Soy un macarra», una de esas canciones que marcaron un antes y un después en la historia del rock en español. Acompañe mientras exploramos no solo la canción original, sino también algunas de las versiones que ha hecho a lo largo del tiempo. ILEGALES - SOY UN MACARRA: https://www.youtube.com/watch?v=jIJcT8IAExw Para ponernos en contexto, Los Ilegales es una banda asturiana que comenzó su andadura en los inicios de la década de los 80 y que está liderada por Jorge Martínez. Su estilo, que mezcla el punk y el rock con letras mordaces, los convirtió en una de las formaciones más icónicas y controvertidas de la época. Para Jorge Martínez, "Soy un macarra" no es solo una canción; tiene un mensaje que trasciende su aparente simpleza. “Soy un macarra” abre la cara B de su segundo disco titulado “Agotados de esperar el fin” y que fue publicado en 1984. El tema también se lanzó como sencillo bajo el mismo título, donde aparecía la canción “Soy un macarra” en su cara A y “Para Siempre” en la cara B. Como curiosidad, la portada del single es la mano del batería, David Alonso, haciendo la señal de los cuernos y al que le falta un dedo que perdió de crío de un accidente cuando jugaba con un hacha. Y aunque esta canción los lanzó al éxito, no era precisamente la favorita del grupo. De hecho, estuvo a punto de quedarse fuera, ya que la consideraban de poca valía, pero fue la discográfica la que decidió apostar por ella. TEKNO-LIMA (Perú): https://www.youtube.com/watch?v=0zLM7hGruag En 1986, el grupo peruano Tekno-Lima hizo su propia versión de "Soy un macarra". Aunque respeta la base de la canción, esta reinterpretación incorpora toques electrónicos y elementos de rock que le dan un aire futurista y experimental. Con su sonido rudimentario, logra crear una atmósfera casi distópica, sin perder el carácter rebelde de la original. RESACA para la gente (Venezuela): https://soundcloud.com/laresaca/resaca-soy-un-macarra La banda venezolana de hard rock Resaca lanzó en 2010 su disco de debut titulado “Historias de noches extravagantes, perversiones y placer…”. El álbum está compuesto por 9 temas, 8 temas originales más este cover que está sonando de la canción “Soy un Macarra” de los Ilegales, notándose una clara influencia en el sonido de la banda PAPAYA: https://www.youtube.com/watch?v=V3t2gKxcL28 El grupo Indie Papaya, liderado por Yanara Espinoza, lanzó en 2018 el disco “Corazón abierto” y en el que se incluía esta versión en la que se reimagina al macarra dándole un aire surfero. Su estilo pop, fresco y juguetón, le da un giro radical al tema, que se convierte en un himno veraniego con tintes irónicos. MUSCARIA HARDCORE (Ecuador): https://www.youtube.com/watch?v=DGxvRDLZvmE Desde Ecuador, la banda Muscaria lleva esta canción a los terrenos del hardcore metal. En esta versión lanzada en 2011, los riffs agresivos y la batería atronadora amplifican la actitud desafiante de la canción original. Aquí, el macarra parece más un guerrero urbano que un chulo de barrio, pero mantiene intacto el espíritu de rebeldía que caracteriza a Los Ilegales. SINIESTRO TOTAL: https://www.youtube.com/watch?v=Wm4Y_y9kIqI Y por fin llegamos a la versión que más me gusta: la de Siniestro Total. Esta reinterpretación se incluyó en su segundo álbum en directo, Cultura Popular, lanzado en 1997. El disco reúne versiones de grandes canciones de grupos españoles, abarcando desde los años sesenta hasta los noventa. En "Soy un macarra", los arreglos destacan especialmente por la incorporación del saxo de Jorge Beltrán, que aporta un toque fresco y diferente al clásico de Los Ilegales. CONCLUSIONES "Soy un macarra" no es solo una canción; es una actitud, un himno a la transgresión y una obra maestra de la ironía que ha dejado huella en la música y la cultura popular. Espero que hayáis disfrutado de este recorrido por las versiones de uno de los temas más icónicos de Los Ilegales. Nos vemos en el próximo capítulo.

Hola, quién tiene el gusto de conversar como ustedes, Pedro A. Luis, en un nuevo capítulo de "Explorando versiones". Hoy hablaremos de la canción "The Letter" y de sus versiones. THE VENTURES: https://www.youtube.com/watch?v=vvhuEjFYGXg Es muy importante resaltar la estrecha vinculación de la música con la emergente revolución social del momento. A fin de ponerlo en un contexto histórico, la canción se hizo muy popular en una entre la guerra de Vietnam. La revista Rolling Stone la situó en el puesto 363 de sus 500 mejores canciones de todos los tiempos. En el mismo año en que Jerry Rubin, junto con Abbie Hoffman, reconocidos líderes del movimiento hippie y quienes fundaron el Partido Internacional de Juventud cuyas siglas en inglés dan al nombre de los hippies, dan inicio a la cultura hippie, la contracultura, sacudiendo los cimientos de la sociedad, sea el parto revolucionario, algo que perturba a la clase media dominante conservadora blanca de aquella época. La moda no se quedó atrás e impulsó la minifalda, la cual llegó para quedarse, como símbolos de expresión de rebeldía de la mujer, ante la opresora sociedad conservadora de aquellos tiempos. Definitivamente, fueron épocas de oro, de momentos interesantes y de grandes cambios. THE BOX TOPS: https://www.youtube.com/watch?v=HIWY8UyW9bw Año 1967, "The Letter", una canción escrita por Wayne Carson Thompson, llevada a la fama por el grupo de Box Tops. Vocalizada por Alex Chilton, dentro del álbum del mismo nombre, alcanzando el número 1 de la revista Billboard Hot 100. "The Letter", la carta, sirvió como un lazo emocional entre dos almas que se aman. La insistente repetición de la frase "my baby just a-wrote me a letter", algo sí como que mi chica me escribió una carta, trasciende a la distancia y el tiempo, priorizando un vuelo de inmediato sobre otras alternativas de transporte más lentas, poniendo fin a los días de soledad con la frase "lonely days are gone". EVA CASSIDY: https://www.youtube.com/watch?v=RPITXIRwlv0 Iniciamos nuestras versiones de hoy con Eva Marie Cassidy, conocida como Eva Cassidy. Nacida en Oxon Hill, Washington DC, Estados Unidos de Norteamérica, un 2 de febrero de 1963. Fue cantante, guitarrista, dibujante, pintora y paisajista, definitivamente toda una gran artista. Eva nunca grabó composiciones propias, a pesar de todo su talento. Todo el material publicado son versiones de otros autores. Sin embargo era una mujer excepcional, mezclaba géneros como el jazz, el blues, el folk, y el soul de manera muy versátil, logrando que la versión "The Letter" destacara por su tono potente, pero manteniendo su melancólica voz. Aunque Eva no nos acompañó en este plano de vida por mucho tiempo, sí definitivamente su presencia quedó marcada como una de las mejores voces más dulces y sutiles de aquella generación de artistas. SUSAN TEDESCHI: https://www.youtube.com/watch?v=PG1_LAAL4w0 Otra gran artista es Susan Tedeschi, una cantante, guitarrista y compositora norteamericana conocida por su poderosa voz y su estilo musical y que fusiona el blues, el rock, el soul y el gospel, nace en 1970 en Massachusetts. Les puedo decir que aunque poco sabía de Susan, pues al oírla me cautivó y forma parte de mis preferidas en los playlist. Ha sido nominada varias veces a los premios Grammy, ha lanzado numerosos álbumes, tanto en solitario como en colaboración con su esposo Derek. Tanto Susan como Derek, han versionado "The Letter". La enérgica voz de Susan, ha sido un tributo potente a la canción original, la llena de emoción, fuerza y energía. JOE COCKER: https://www.youtube.com/watch?v=LlX5IWwizGg Y dejamos el cierre de este episodio al grande, hablamos de John Robert Cocker, o Joe Cocker como mejor lo conocemos. Nace un 20 de mayo de 1944 en Sheffield, Reino Unido. Fue un cantante y músico de rock y de blues, conocido por su voz, fuerte y áspera, centró parte de su carrera musical en versionar canciones de otros artistas. Cocker se entregaba por completo a la música, su gestualidad era genial y fue en el mejor festival musical de la historia, por lo menos a mi juicio, es decir, Woodstock del 69, en su última canción de su repertorio llamada "A Little Help from My Friends", donde nuestro querido Joe, por primera vez, tocó la guitarra imaginaria, sin colonizando el movimiento de sus manos y brazos, con la música. A partir de ese momento, y aunque ustedes no lo crean, se convirtió en el padre inventor de lo que se conoce como Air Guitar, le pregunto, ¿Quién de nosotros nos han tocado la guitarra imaginaria alguna vez en la vida? Cuando escuchamos sobre todo la canción de rock que tanto nos gusta, y ni hablar si vamos a un concierto. Yo lo hice en presencia a mis padres y hermanos, quienes reían a carcajada limpia, de seguro lo hacían con cariño, y iraban la pasión que le ponía, hoy en día lo sigo haciendo y lo seguiré haciendo por el resto de mis días. Retomando la versión "The Letter", hecha por Joe Cocker, vamos a oirlo acompañado de Mad Dogs & Englishmen, Leon Russell, Don Preston, y quien luego sería una estrella, Rita Coolidge, nos brinda una presentación por demás épica en el concierto The Fillmore East 1970, Nueva York, Estados Unidos. De modo pues que disfrutemos de la interpretación de Cocker, en esos momentos de profundos cambios sociales, cuando su música no solo reflejaba su talento, sino también el espíritu de una época llena de reclamos y transformaciones. JOE COCKER: https://www.youtube.com/watch?v=CUwm4w0mp1k Y con esta última versión cerramos nuestro capítulo del día de hoy, espero que lo hayan disfrutado tanto como yo. Gracias por su compañía y atención, me despido de todas y todos ustedes, su seguro servidor, Pedro A. Luis, hasta la próxima.

JOHN DENVER - TAKE ME HOME, COUNTRY ROADS (OFFICIAL AUDIO): https://www.youtube.com/watch?v=1vrEljMfXYo EDDY ARNOLD - TAKE ME HOME, COUNTRY ROADS: https://www.youtube.com/watch?v=MIH10gTutzI Versión de 1971 que sale en Reader´s Digest, cuyo autor es Eddy Arnold. TOOTS AND THE MAYTALS - TAKE ME HOME COUNTRY ROADS: https://www.youtube.com/watch?v=lQFKMar4x-w Versión del grupo reggae Toots and the Maytals, cuya versión sustitute a "Virginia Occidental" por "casi cielo, Jamaica Occidental". Esta versión describe Jamaica. También esta versión fue utilizada y reversionada en una película alemana del año 2005 dirigida por Ed Herzog. HEIKE MAKATSCH & THE JOLLY BOYS - COUNTRY ROADS: https://www.youtube.com/watch?v=rsdkbXuuRk0 La trama de la película es una chica alemana con una enfermedad terminal que sueña con ser cantante de country. LANA DEL REY - TAKE ME HOME, COUNTRY ROADS: https://www.youtube.com/watch?v=muWEOXE5zeQ En 2023 Lana del Rey homenajea a John Denver con su propia versión de "Take me Home, Country Roads" que fue lanzada a todas las plataformas digitales. KINGSMAN - MERLIN'S LAST SONG - TAKE ME HOME, COUNTRY ROAD: https://www.youtube.com/watch?v=Ag8mgowTHPE Versión de 2017 de la película Kingsman, el círculo dorado que se convierte en la canción de una de las escenas finales, reversionada por el actor Mark Strong. OLIVIA NEWTON-JOHN - TAKE ME HOME, COUNTRY ROADS: https://www.youtube.com/watch?v=uHOTmMpux9E YUJI NOMI (SUSURROS DEL CORAZÓN) - COUNTRY ROAD: https://www.youtube.com/watch?v=JuoTo5dFISo Versión japonesa derivada de la versión de Olivia Newton-John que sale en el anime del Estudio Ghibli YUJI NOMI (Susurros del corazón) en el año 1995. VERSIÓN EN ESPAÑOL DE LA CANCIÓN DE SUSURROS DEL CORAZÓN: https://www.youtube.com/watch?v=5pcz4mpbzM0

Hola, ¿Qué tal? Amigos, amigas. Soy Vicente Almodóvar de Sonido de Valencia Radio y hoy en este nuevo episodio de Explorando Versiones os vengo a presentar una canción que a mí realmente me marcó muchísimo. Es el "Sultans of Swing" de los Dire Straits. DIRE STRAITS - SULTANS OF SWING: https://www.youtube.com/watch?v=0fAQhSRLQnM De esta canción en particular tengo muy buenos recuerdos. Corría el año 1988 y en el sorteo de la vida me tocó hacer la mili en Madrid y el servicio militar era una mezcla de rutina y descubrimientos. Y en medio de este caos organizado, mi mejor aliado no llevaba uniforme, sino eran unos auriculares, un walkman. Sí, un walkman siempre listo para transportar mi mente pues lejos de los barracones. Y la cinta que más giró en su interior fue el "Alchemy" de los "Dire straits" y esta gloriosa canción. Fue la banda sonora de mi escape mental. En aquellos tiempos pues había que ser ingenioso pues las pilas del walkman era un bien muy preciado. La verdad es que había pocos recursos económicos, y así que cuando se terminaba la cinta, pues no quedaba otra que sacar un boli Bic y así con movimientos de la mano, pues rebobinabas la cinta manualmente. Y así aprovechaba cada giro como si estuvieras ajustando las manillas del tiempo. Pues en un ritual, vuelta tras vuelta, pues imaginaba a Mark Knopfler rasgando su guitarra, mientras yo intentaba ahorrar la energía para la siguiente escucha de la cinta. Y así pasaban los días, entre marchas y maniobras, el "Sultans of Swing" sonaba a mi cabeza como si el mismo Knopfler me acompañara en cada paso. ¿Y quién necesita un escuadrón cuando tienes un solo de guitarra como compañía? Pues a día de hoy cada vez que escucho esta canción, me llega el eco de aquel boli girando y es un vídeo del walkman al arrancar de nuevo. Es curioso cómo algo tan sencillo como rebobinar una cinta se puede convertir en el símbolo de una época. Y la habilidad que debería incluirse en cualquier currículum sobre todo si has vivido en los 80, que es rebobinar una cinta de cassette con un boli Bic. "Sultans of Swing" es una de las canciones más emblemáticas los Dire Straits, lanzado en su álbum debut, en 1978, está compuesta por Mark Knopfler y esta pizza se adentra en el mundo de una banda amateur que toca en un bar casi desierto, capturando la esencia de la pasión por la música y sin preocuparse por el éxito comercial. La mezcla de rock clásico con toques de blues y jazz se siente en cada acorde, y la letra refleja una autenticidad que resuena con muchos músicos que luchan por ser escuchados en un entorno tan competitivo. "Dire Straits" es considerada una de las bandas más influyentes del rock destacando por su autenticidad y su habilidad para mezclar géneros. Su música sigue resonando en nuevas generaciones gracias a su calidad atemporal y a la maestría de Mark Knopfler como compositor y guitarrista. El origen de la banda se formó en Londres en 1977 y estaban entre sus originales pues los hermanos Knopfler, Mark y David con guitarra y luego estaba John Illsley como bajista y Pick Withers como batería. Y el nombre de "Dire Straits" viene a decir aquello como "Duras penas", y fue sugerido por un amigo, reflejando las dificultades económicas que se enfrentaban los en sus inicios. Y su estilo musical "Dire Straits" pues destaca por su enfoque minimalista, en un momento en el punk, el disco y el rock progresivo dominaban la escena. Su sonido combina elementos del rock clásico, del blues, del jazz y del folk y esta canción aparece en su primer álbum en 1978. DIRE STRAITS - SULTANS OF SWING (LIVE AID): https://www.youtube.com/watch?v=JVZTP_kX5BE Y lo que podemos escuchar en primer lugar es una versión ya en sí, porque el álbum original es del año 1978, es donde aparece ya esta canción. Pero la versión en vivo más famosa está en el álbum "Alchemy" de "Dire Straits live" en 1984, donde la canción se extiende a más de 10 minutos con unos solos de guitarra que son increíbles. Se convierten una de las piezas más esperadas de los conciertos de la banda, mostrando la habilidad de Knopfler como guitarrista. Hay que decir que Mark Knopfler tenía una manera muy peculiar de tocar la guitarra. Prácticamente la acariciaba punteando con la yema de los dedos. Y sin duda alguna dejó una huella después del concierto donde se grabó el "Alchemy" en 1985 en el "Live Aid". LEO MORACCHIOLI Y MARY SPENDER: https://www.youtube.com/watch?v=x0RV0kgdqJU Y esta versión que os presento, esta primera versión, es muy metalera, es muy heavy metal, la verdad que sorprende mucho. Esto es un cover producido por Leo Moracchioli con Mary Spender que es la cantante. La verdad es que es alucinante también como tocan la guitarra. Disfrutadlo. 40 FINGERS: https://www.youtube.com/watch?v=yJnZh6pOLXs Y esta siguiente versión que os ponemos ahora está realizada por los 40 fingers. Esto es un grupo, un cuarteto de guitarristas italianos, que desde luego también tienen la esencia de lo que tenía esta canción originalmente. Disfrutadla también. VINTAGE CAFÉ: https://www.youtube.com/watch?v=EmwjlVft7Hs Y esta versión que os presentamos a continuación es también maravillosa, es un blues. Esto está en un álbum del año 2010 que se llamó "Vintage Cafe" y está producido por uno de los que fue componentes de los "Modern Talking" un grupo de allá, alemán, de los años 80. CONCLUSIONES Y con esta canción ya me despido. La verdad es que ha sido una maravilla poder estar aquí, poder haber contado lo que fue para mí esta canción de los "Dire Straits" y todo lo que ha significado este grupo a lo largo de la historia. No solo los grupos, sino también el propio Mark Knopfler en solitario. La verdad es que sigue cosechando muchísimos éxitos y eso es lo que esperamos también en un futuro. Así que nada, muchas gracias y escuchar esta última canción. Así que un abrazo muy fuerte de vuestro amigo Vicente Almodóvar. Nos escuchamos.

Buenas, soy Sergio Serrato y estoy de vuelta en nuestro podcast favorito, pero me vais a permitir que me salte un poco la filosofía de Explorando Versiones y hoy me marque un Explorando Canciones. KIKO VENENO - JOSELITO: https://www.youtube.com/watch?v=5JeTnZi2wek Hoy os voy a hablar de la canción “Joselito” de Kiko Veneno. Kiko Veneno de nombre artístico y José María López Sanfeliú en el DNI es un musico español nacido en Figueras Gerona y como diría mi padre Criao y engordao entre Sevilla y Cádiz, bético para más inri y eso se nos nota... El disco que contiene “Joselito” se llama “Échate un cantecito” de 1992. Se puede decir que era el último intento de Kiko de hacer algo en la música, ya que el artista llevaba tiempo retirado del mundo de arte incluso ya tenía un empleo fijo en la diputación de Sevilla. En una visita de su amigo Santiago Aón, de Radio Futura, le comento a este que iba a hacer un disco y si no triunfaba dejaba la música. Aón tenía que ayudar a su amigo y le propuso ser algo así como su coach en la creación y grabación del disco. Incluso participó en algunos coros del mismo y vaya si consigo reflotar la carrera de su amigo Kiko. El temazo que nos ocupa hoy no debe su nombre al niño prodigio conocido como el pequeño ruiseñor, aunque bien podría ser, sino que debe su inspiración a José Marín Rodríguez. Os cuento quien es José Marín. José Marín era un vecino de Conil de la Frontera, jornalero del Mar, aficionado al cante y gran bebedor mollatoso…. Kiko Veneno y Joselito se conocieron en los años 80 cuando, cuando, tras la disolución del grupo Veneno, que juntó para la historia a Kiko y los hermanos Amador, Kiko apartó su carrera musical y se afincó en la localidad gaditana de Conil de la frontera donde montó algo así como un chiringuito/Pub, el Adán se llamaba. Fue allí donde conoció a Joselito al que el propio Kiko definía de esta manera:“ Era un marinero temporero muy golfo, se levantaba para ir a la mar, se tomaba dos copas y ya no iba a pescar ni ná”. Eso sí Joselito manejaba unas frases y expresiones muy particulares que gustaron tanto a Kiko que se las apunto. El Adán era el último bar de la ronda de Joselito ya que estaba a dos casas de la suya, allí se tomaba la última antes de irse a su casa a dormir la tajá... y así lo inmortalizó Kiko en su canción. En otra estrofa de la canción se nombran las botellas de Coca-cola llena de vino de Chiclana y es que así se servía este mollate en el bar ligero que también era parada obligatoria de Joselito donde se bebía siempre unas pocas. Según cuentan los tabernáculos coincidentes de Joselito, tenía mala bebida y si fresco era un tío educadísimo con la papa era faltón y metepatas. pero eso sí, tenía la suerte de que su primo era el jefe de los municipales y no fueron pocas las veces que los guardias lo metían en el calabozo a dormirla para evitarle broncas. El Adán era el sitio donde le dejaban cantar y allí entonaba La Zarzamora, eso sí con una letra inventada por el llena de chistes, cargas e ironía. Cuentan que tenía una gran voz por eso lo de “el de la voz de oro”. Estás ocurrencias de Joselito se hicieron canción pasadas por la pluma de un poeta de bar y cronista de barrio como Kiko Veneno. Soltero de por vida, tuvo siete novias, más novias que un moro como reza la canción, porque como dice su sobrina Paqui, que mujer iba a aguantar la vida de Joselito. Dejo Joselito de subir con los ojos brillantitos por la calle peñón y empezó a dejarse ver por el hogar del jubilado vendió su casa y se mudo con sus sobrinas, el Adán sigue existiendo pero Kiko no es su dueño y la vida siguió su ritmo impasible hasta que el 30 de Septiembre de 2008 Joselito nos dejó, el tabaco paso factura y el cáncer reclamo el pago. Cuenta su sobrina que lo cuidó que hasta sus últimos días canturreó “Yo soy Joselito, el de la voz de oro”.

Hola a todos. Un saludo de Ruben. Normalmente podéis escucharme en el podcast Diskobox, que podéis encontrar en iVoox, buscando por el nombre del programa, Diskobox (con K y con B). Pero el programa de hoy es un especial para el podcast “Explorando Versiones”, y el especial de hoy va a estar dedicado a la canción “Train Kept a Rollin’ ”. Una canción que tiene múltiples y variadas versiones, y de las que he seleccionado para el programa de hoy las que considero las más interesantes. JOHNNY BURNETTE & THE ROCK AND ROLL TRIO: https://www.youtube.com/watch?v=VuwEaxdsonc Si he de empezar por la versión más representativa de este tema, tengo claro que debo empezar por el grupo que popularizó la canción en la década de los años 50. Johnny Burnette and the Rock and Roll Trio. Que en 1956 publicaron uno de los discos más importantes en la génesis del Rockabilly, titulado como ellos “Johnny Burnette and the Rock and Roll Trio”. A mediados de los 50, nace el Rock and Roll. Dentro de las corrientes paralelas que surgieron de la mezcla del Rhythm and blues con diversos estilos, el Rockabilly fue aquella que mezcló el Rhythm and Blues con el country, adoptando una formación, en su formato más clásico, de guitarra eléctrica, contrabajo y caja. Dentro de este disco se encuentra la que es la versión de referencia del “Train Kept a rollin’ ”, que fue publicada como single también ese mismo año. El disco, y la propia canción, son considerados como el arquetipo del rockabilly más primitivo, y una de las piezas clave del nacimiento del Rock and Roll. La voz de Johnny Burnette, es afilada, casi violenta, y la guitarra eléctrica de Paul Burlison tiene un sonido absolutamente inaudito para la época en la que se grabó la canción. Un sonido que ha sido una influencia para guitarristas como Jimmy Page o Jeff Beck, y que nació de casualidad. En el amplificador de Burlison había dos válvulas que no estaban bien instaladas. Se habían desencajado debido a un golpe que se había llevado el amplificador. Eso provocó una vibración en la membrana del altavoz que producía una especie de saturación muy particular. Un efecto de Fuzz, pero ojo, porque el pedal Fuzz aún no se había inventado. Así que este sonido se convirtió en algo innovador, y que por supuesto le dio personalidad al sonido del grupo. El grupo se separó poco después, y Johnny Burnette paso a un estilo más melódico, alejado de este rockabilly salvaje, con el que interpretan este “Train Kept a Rollin’ ”. TONY BRADSHAW: https://www.youtube.com/watch?v=eiScL3wIUwI Pero esta versión, aunque es la versión de referencia, no es la original. Fue Tony Bradshaw, quien compuso y grabó esta canción en 1951. Tony Bradshaw fue pianista, batería, cantante y director de orquesta, y comenzó su carrera en los años 30 haciendo Swing, y derivó en los años 40 hacia el jump blues, la forma primigenia del Rhythm and Blues, La canción pasó completamente desapercibida cuando se publicó. Ni siquiera llego a entrar en las listas de Rhythm and Blues. Curioso, porque luego se ha convertido en un clásico, gracias a la versión de Johnny Burnette and the Rock and Roll Trio. Es impresionante ver hasta qué punto estos modificaron la canción, haciéndola sonar completamente diferente, alejada del estilo Rhythm and Blues de la original. THE YARDBIRDS: https://www.youtube.com/watch?v=5axZNnnDPWY Como ya os he comentado antes, la versión de “Train Kept a Rollin’ ” de Johnny Burnette influyó de una manera decisiva en guitarristas como Jeff Beck o Jimmy Page. Hasta el punto de que éstos grabarían una versión con su grupo. Y éste no era otro que uno de los grupos más importantes de la escena del Rhythm and Blues británico de los 60. El grupo del que formaron parte Eric Clapton, Jeff Beck y Jimmy Page, aunque no todos al mismo tiempo. Por supuesto, estoy hablando de los Yardbirds. Cuando Eric Clapton dejó el grupo, un tal Jeff Beck le sustituyó, dotando al sonido del grupo de una personalidad única. Mostrando que iba a convertirse en una leyenda de la guitarra, por su técnica y su habilidad para experimentar con el sonido. Fue él quien quiso hacer una versión del “Train Kept a Rollin’ ”, y la grabaron para su segundo disco publicado en Estados Unidos, “Having a Rave up”, de 1965. THE YARDBIRDS - STROLL ON: https://www.youtube.com/watch?v=AhHRWNT7Zqo Pero los Yardbirds, no contentos con hacer una versión, hicieron también una versión de la versión. Esto ocurrió en la época en la que se había incorporado también al grupo un tal Jimmy Page. El director de cine Michenagelo Antonioni se fijó en el grupo para su película de 1966 “Blow-up”. En una de las escenas aparecía un grupo de rock tocando en directo, en lo que se llamó una “rave-up”, una especie de jam en las que el grupo creaba pasajes instrumentales, solos, y comenzaba a desbarrar con sus instrumentos. Y aquí nace una de las escenas musicales en el cine más míticas de la historia, cuando Jeff Beck pierde el control, y destroza su guitarra. Lo que grabaron para esta película fue una canción llamada “Stroll On”, que no es sino una nueva versión del “Train Kept a Rollin’ ”. Debido a problemas de derechos de autor, tocaron la canción, pero con un nuevo título, la letra cambiada, y un toque algo más salvaje. La canción se incluyó en algunas versiones de la banda sonora de la película, pero lo más aconsejable por supuesto en ver la escena de la película que os he comentado, en la que también vais a poder apreciar en el escenario a Jimmy Page, ya que la película se rodó en ese corto periodo de tiempo en el que coincidieron los dos guitarristas en el grupo. Aquí os dejo el enlace a la Escena de “Blow up”: https://www.youtube.com/watch?v=R18qCKNLQdM LOS SIREX – TREN DE LA COSTA: https://www.youtube.com/watch?v=VPdWjxSdZRs Esta canción a la que estoy dedicando este especial “Explorando Versiones”, tuvo también una influencia decisiva en uno de los grupos de rock más importantes en la historia de nuestro país. Estoy hablando de los Sirex. Uno de los grandes grupos de la historia del rock en España. Y unos de los grupos más importantes de la década de los 60. Leslie, su cantante, cuenta cómo esta canción tuvo un verdadero impacto en su vida, hasta el punto de que reconoce que algo pasó dentro de él al escucharla. Lo cierto es que esta canción le cambió la vida, ya que se convirtió en uno de los grandes éxitos de la carrera de los Sirex. Leslie cuenta como quedó impactado cuando un DJ puso esta canción en un local de Barcelona. El DJ era uno de los muchos militares americanos que en ese momento estaban en Barcelona, y que eran el punto de entrada de mucha de la música de Estados Unidos. Fue tal el impacto de esta canción que Leslie se acercó al DJ para comprarle el disco. Pero no hubo suerte. Fue tal la cara de desprecio que el militar le puso a Leslie que éste acabo robándole el disco. Y acabó felizmente adaptando este tema al español. Aunque hay que decir que la letra no es una adaptación de la letra original. Es una nueva letra que no tiene nada que ver. Está inspirada en el tren que tenían que coger los Sirex desde la Estación de Francia, en Barcelona, hasta Calella, para ir a ensayar. La canción fue cara B de un EP que supuso el mayor éxito comercial del grupo. Año 1965. Vendieron más de 100.000 discos. Una auténtica barbaridad, aunque, a decir verdad, mucha de la culpa del éxito la tuvo una de las canciones más conocidas del grupo, incluida en la cara A: “La escoba”. Pero sin duda, yo personalmente me quedo con esta canción: “El tren de la costa”, su versión del “Train Kept a Rollin’ “. LOQUILLO & NU NILES: https://www.youtube.com/watch?v=DdOMjj-lfH0 Un músico español que siempre ha declarado su iración por los Sirex ha sido Loquillo. En el año 2015, Loquillo publicó, junto al grupo Nu Niles, el disco “Código Rocker”. Un disco en el que quiso volver a sus raíces de “rocker”, y volvió a grabar algunas de las canciones de toda su carrera, y también alguna canción nueva. Precisamente aprovechó este disco para grabar su versión del “Tren de la costa”, haciendo así un homenaje a su irado grupo. Como decía el propio Loquillo, “Los Sirex, el primer grupo en vestirse de cuero sobre un escenario”. MOTORHEAD: https://www.youtube.com/watch?v=TqF6TEwBtoo Termino este especial “Explorando Versiones”, dedicado al tema “Train Kept a Rollin’ “, con un Bonus track muy especial. El primer disco de Motorhead contenía también una versión de este tema. Y es que, a alguien que no conozca bien a Lemmy, su cantante, le puede sorprender que haya elegido este clásico del Rockabilly para hacer una versión. Pero Lemmy, además de idolatrar a los Beatles, era un irador del rock and roll de los años 50, como demostró cuando se juntó, a principios de los años 2000, con Slim Jim Phantom, batería de los Stray Cats, y el guitarrista Danny B, para formar un grupo de versiones de rock and roll de los años 50. Pero ya en el primer disco de Motohead, Lemmy acudió a Johnny Burnette y su Rock and Roll Trio para realizar esta versión, aunque esta vez llevada al terreno más eléctrico y pesado de Motorhead. En su disco homónimo de 1977 incluyeron esta versión. En lo que fue el primer disco publicado en la carrera de Motohead, aunque no es el primer disco que grabaron. Su primer disco en realidad se grabó en 1976, aunque la discográfica no se decidió a publicarlo hasta 3 años mas tarde, cuando ya Motorhead tenía ya cierto renombre en la escena inglesa, y se publicó con el nombre de “On Parole”. Pero eso ya es otra historia. Espero que hayáis disfrutado de este especial “Explorando Versiones”. Un saludo de Ruben, y hasta un próximo programa. Enlace a Ivoox del podcast Diskobox: https://ivoox.librosgratis.biz/podcast-diskobox_sq_f11248636_1.html

Hola soy Laly y he sido invitada a participar en Explorando Versiones. Yo os voy ha hablar de una de mis canciones favoritas…..¿Os acordáis de aquel videoclip a finales de los 80 donde un gato de plastilina intenta colarse en un club para ver a una gatita cantar? NINA SIMONE - MY BABY JUST CARES FOR ME: https://www.youtube.com/watch?v=3ZS7iKdRo5Q Si, exacto! MY BABY JUST CARE FOR ME de Nina Simone. No recuerdo exactamente cuando vi el video por primera vez, que fue el que me descubrió la canción, sería en casa de mis padres en Torreblanca, o como dicen por aquí: White Tower o Torre White. Me encantó esa voz, esa manera de cantar, el piano… Recuerdo hablar de esta canción con mi amigo Ción en el autobús de Alcalá (de vuelta del Instituto). Hablamos de esta y de otras canciones de Nina Simone, y de otras canciones y de otros grupos. Buenos ratitos hablando de música, así se hacía más corto el camino de vuelta… EDDIE CANTOR: https://www.youtube.com/watch?v=oaNStTkU-cA La canción no es original de Nina Simone. Había sido compuesta en 1930 por Walter Donalson (la música) y Gus Kahn (letra) como tema para la película WHOOPEE!, dirigida por Thorntor Freeland, interpretada por Eddie Cantor, el primer black face, esto es que sale primero con la cara pintada de negro y luego sin pintar. La canción tuvo cierta popularidad y fue grabada por artistas como Harry James, Natking Cole, Count Basie… Suenan muy diferentes a la versión de Nina. Las hay instrumentales, big band… y todas tienen su punto. HARRY JAMES (instrumental): https://www.youtube.com/watch?v=V0Yz87_VbGM Nina la grabó en 1958 para su primer álbum: «Little girl blue» y la canción pasó desapercibida. NINA SIMONE - I LOVE YOU POGGY: https://www.youtube.com/watch?v=tq5A0YadWKs El éxito del disco fue “I Love You Poggy” de George Gershwin. COUNT BASIE: https://www.youtube.com/watch?v=NVXxohDstyw “My baby just care for me” se publicó como single en 1962. La versión de Nina es muy especial. Comienza con una característica introducción a piano con una sucesión de escala descendente que cuando la oyes ya sabes que canción es. Entra luego la batería y la voz cálida y característica e inconfundible de Nina y después de la segunda frase un característico break que se repite al final de otra frase. La instrumentación se limita o se reduce a la sección rítmica: piano, bajo y batería, tocada con escobilla, que le da un toque íntimo pero con swing. HADA BROOKS - CHOP CHOP BOGGIE: https://www.youtube.com/watch?v=5pHEEX259qY Las versiones anteriores como ya hemos dicho tenían un toque de jazz y big band. La introducción es similar a la del tema de 1958 “Chop Chop Boggie”, de Hada Brooks, que es instrumental. Hada Brooks recordamos que es la reina del boggie, también pianista, vocalista y compositora como Nina. ANUNCIO DE CHANEL Nº 5: https://www.youtube.com/watch?v=Jo1QN812S6g Pero tenemos que esperar hasta 1987 cuando un fragmento de medio minuto de esta canción aparece en un anuncio de Chanel Nº 5… Y entonces recibió el reconocimiento popular con 30 años de retraso y se convierte en un gran éxito, se vuelve a grabar el single, llegando al número 5 de las listas británicas, y con ella se popularizó el videoclip de animación donde Nina aparece como una gatita de plastilina cantando la canción en un club nocturno y un gato enamorado va a verla. Lo echan varias veces y vuelve a entrar por una claraboya del techo, cayendo en los brazos de ella y besándose. ¡Una monada! FRANK SINATRA: https://www.youtube.com/watch?v=zxCdLthupeM La letra nos habla de Baby, su bebé, su amor, que solo tiene ojitos para ella, ni actrices famosas, ni ropa, ni coches… Ella se pregunta si él no ve lo que ven los demás, ni lo que piensen de ella ni de su amor, lo que explicaría un poco el video clip. Ella trabaja en un club nocturno, no tiene buena reputación, pero a él no le importa nada lo que digan los demás. Él está enamorado. Posteriormente la versionarían: Frank Sinatra, George Michael, Michael Buble, Natalie Cole, Sophia Milman y otros. BANDA SONORA DE “EVERYONE SAYS I LOVE YOU” DE EDWARD NORTON): https://www.youtube.com/watch?v=WsiIPY_vzFU También se ha incluido en películas como “Todos dicen I Love You“ de Woody Allen de 1996 en una bonita escena de baile de Eduard Norton y Natasha Lyonne siguiendo el estilo clásico de los musicales de Hollywood. GEORGE MICHAEL: https://www.youtube.com/watch?v=Vjp3Wu4qny0 Nina nació el 21 de febrero de 1933 en Tyron, Carolina del Norte, como Eunice Katheen Waymon y conocida como “La Alta Sacerdotisa Del Soul”.. Ella, como otras estrellas de la canción, empezó cantando y tocando el piano en la iglesia metodista de Carolina del Norte y junto a su madre recorría todo el condado. Ella, Mary Kate, era una piadosa y reconocida predicadora metodista y ama de llaves. Su padre John Divine Waymon era un artista reconvertido en empresario. Fue gracias a la familia Miller, donde trabajaba su madre como ama de llaves a finales de los años 30, que pagarían las clases de piano y a la señora Mazzy, su profesora de piano, que hizo una colecta por su ciudad en lo que hoy llamaríamos un Crowdfunding. Fue como la pequeña obtuvo el dinero para sus estudios de secundaria y piano. Se trasladaron a Filadelfia para que pudiera ingresar en el prestigioso “Curtis Institute Of Music” pero fue rechazada por puro racismo… “Nunca me pude recuperar de aquello”, dijo Nina en alguna ocasión. SOPHIE MILMAN: https://www.youtube.com/watch?v=pqLa6u6_TBo Tras una época de desaliento, en los 50 comenzó a trabajar acompañando a su profesora de piano y a los con los que tocaba clásicos de jazz y del momento. También empezó a tocar el piano en locales de Atlantic City, como no quería que su madre viera su nombre en los carteles, se puso de nombre artístico NINA por un novio latino que tuvo que la llamaba niña, y SIMONE por SIMONE SIGNORET, actriz sa a la que iraba. Y así comenzó a tocar el piano. La primera noche tras 7 horas de recital-actuación, el dueño le preguntó porqué no cantaba y ella contestó que era pianista, no cantante y él le dijo “mañana serás cantante o no vuelvas“ y así comenzó a cantar y a tocar el piano. MICHAEL BUBLÉ: https://www.youtube.com/watch?v=KgmFXye1FLc Fue Sid Nathan quién viendo el talento de aquella pianista le ofreció su primer contrato discográfico en 1958. Grabó durante 14 horas temas de jazz, góspel y varias canciones propias que arregló sobre la marcha y este le pidió que añadiera algo más animado para el final y ella eligió «My Baby Just Care For Me». Este primer disco se llamó «Little Baby Blue» y aunque pasó sin pena ni gloria, la hizo despuntar como cantante entre el jazz, el soul, el pop. Le dió un nombre, una reputación y bastante trabajo en los 60 y los 70. En el 61 se casa con Andy Stroud, quien se convertiría en su manager y que la explotó y la maltrató. En él tuvo a su única hija. En los 80 ya era una vieja gloria en algún cartel de jazz, hasta que 1987 llegaron noticias del triunfo de esta canción en Europa. Ella llamó a su representante y comprobó que no tenía derecho a un solo céntimo de los royalties después de 30 años. Nina reconoció que allá por 1958, y tras 14 horas de grabación, Nathan le dio a firmar unos papeles y lo hizo sin leerlo. Había renunciado a prácticamente todo lo generaron sus grabaciones. Llegó a grabar unos 50 discos. NATALIE COLE: https://www.youtube.com/watch?v=bVQjEWHW1_0 Con una vida marcada por el racismo, la explotación musical y el maltrato, Nina a partir de los 60 se involucró mucho en el movimiento por los derechos civiles. Fue una gran activista de los derechos de las mujeres afroamericanas grabando algunas canciones de carácter político y de injusticia social. NINA SIMONE - MY BABY JUST CARES FOR ME: https://www.youtube.com/watch?v=3ZS7iKdRo5Q Decepcionada por los políticos de su país del momento y tras la muerte de Martin Luther King vivió en diferentes países, estableciéndose definitivamente en el sur de Francia, donde moriría de cáncer de mama el 21 de abril de 2003. Dos días antes de su muerte, el 19 de Abril, le fue concedido el diploma Honorio en el “Curtis Institute Of Music” de Filadelfia, el instituto que la rechazó por ser negra. ¿Creéis que lo hubiera recibido? Ahí lo dejo… yo pienso que no… ¡Aparcao! He dicho.

Hola, les habla Pedro A. Luis en un episodio más de Explorando Versiones. THE BEATLES - WHILE MY GUITAR GENTLY WEEPS: https://www.youtube.com/watch?v=rp7dMLeSTT0 Iniciaremos el programa con una frase que extraje de la canción que va a ser objeto de este episodio. Se llama así “I'm sitting here doing nothing but aging”, que significa “Mientras estoy sentado aquí, haciendo nada más que envejecer”. Es como que va pasando el tiempo sin poder hacer algo significativo. sentimiento común en momentos de introspección o desilusión, cuando las personas sienten que sus vidas se están desperdiciando o que no están alcanzando su pleno potencial. While My Guitar Gently Weeps, a mi juicio toda una obra de arte musical y casi celestial, es una de las composiciones más hermosas que he oído a lo largo de mis 61 años de vida. Mientras las luchas por los derechos civiles, la igualdad racial y la oposición a la explotación laboral, ocurrían con rotunda fuerza, George Harrison nos entregaba esta excepcional canción. George, lanza al mundo esta hermosa pieza musical llena de arte en el año 1968 como parte del Álbum Blanco (The White Album) de los BEATLES. Esta joya musical destaca y atrapa la atención colectiva de inmediato por su profundidad lírica como por su melodía eternamente conmovedora, constituyéndose así en una inigualable irreverente referencia histórica universal. Harrison, inspirado por el concepto oriental de interconexión, sobre el impacto del azar en las cosas cotidianas, lo llevó a escribir y a componer esta pieza musical que reflexiona sobre la falta de amor y de conexión en el mundo, utilizando la guitarra como una metáfora emocional. Para los Beatles no era habitual incorporar músicos externos en sus grabaciones, sin embargo sin lugar a dudas fue una tenaz y gran decisión de Harrison, convenciendo a Clapton para que colaborara, lo que añadió una capa emotiva y distintiva a la pieza. Musicalmente, combina elementos del rock, blues y psicodelia, destacando tanto la expresividad de la guitarra como la sensibilidad de las letras. Es una obra que ha trascendido generaciones, consolidándose como un himno atemporal de extraordinaria belleza. PRINCE, TOM PETTY, JEFF LYNNE AND STEVE WINWOOD: https://www.youtube.com/watch?v=dWRCooFKk3c La primera de las versiones que escucharemos pertenece a Prince Rogers Nelson, mejor conocido como Prince. Con una actuación magistral de su carrera durante la ceremonia del Salón de la Fama del Rock & Roll en 2004, interpretando "While My Guitar Gently Weeps". Acompañado por Tom Petty, Jeff Lynne, Steve Winwood y Dhani Harrison, transformó un homenaje que se le hacía a George Harrison en un espectáculo legendario. Los ensayos estuvieron marcados por tensiones y problemas de coordinación. Jeff Lynne, quien reprodujo traste por traste el solo de guitarra de Clapton, no permitió la entrada a Prince a la pieza musical, quien pacientemente se mantuvo al margen, hasta que el productor por fin logró un entendimiento entre los músicos. Particularmente respecto al protagonismo de Prince en el acto final. Sin embargo, el resultado fue un momento maravilloso, sublime y por demás épico. Destilando muchísima emoción, deslumbrando al público con su energía única y enorme talento y reafirmando su estatus como maestro de la música y del escenario. Esta descarga eléctrica, como se decía en mi época refiriéndome al solo de guitarra, lo describo como uno de los mejores de todos los tiempos, también simbolizó las luchas culturales y raciales dentro del rock. Prince brilló entre los demás músicos, Tom Petty y Harrison hijo quedaron maravillados dejando claro que el momento no solo fue un tributo a Harrison, sino una afirmación de su propio lugar en la historia de la música. CARLOS SANTANA: https://www.youtube.com/watch?v=L-5M1_DKvb0 La segunda de las versiones de la obra de arte de Harrison es de Carlos Santana, a quien he escuchado desde muy joven. Como un inciso anecdótico, los temas de Europa y Samba pa tí, clásicos inmortales de Santana que mi madre no dejaba de reproducir con bastante frecuencia. Recuerdo que ella tenía la costumbre de repetir una y otra vez la canción de su agrado, hasta que al final terminaba grabado en mi muy joven disco duro. Les puedo asegurar que no se me olvidarán jamás, ni las canciones, ni aquellos momentos!. No se imaginan lo mucho que disfruté de los comentarios hechos de los grandes conciertos que dio Carlos Santana en Maracaibo, Valencia y Caracas por allá en 1973. Entre porros, ácidos y anis "el mono”se construyeron historias de todo tipo, lo que sí es cierto fue el lamentable fallecimiento de dos jóvenes, uno de ellos se lanzó al vacío muriendo de manera instantánea y el otro murió por aplastamiento. Estos conciertos marcaron un hito en el rock venezolano. Es decir, un antes y un después. En fin aunque me salí un poco del tema, al fin de cuentas son historias que me encanta compartirlas y relatárlaselas a ustedes. Volviendo con la conversación, este grande del rock, nació Tijuana (Mexico), reimaginó "While My Guitar Gently Weeps" en su álbum "Guitar Heaven: The Greatest Guitar Classics of All Time" editado y lanzado a mercado en el año 2010, acompañado por dos artistas de gran calibre, a quien desconocía hasta el día de hoy, como es India Arie, cantante afroamericana, compositora y guitarrista, y Yo-Yo Ma, chelista Franco Americano de origen chino. India aportó una interpretación vocal conmovedora y llena de soul, mientras que Yo-Yo Ma añadió un toque clásico con su chelo. Santana, con su muy particular estilo fusionó el blues y rock con influencias latinas, creando una versión profundamente expresiva, ofreciendo un homenaje especial al legado de George Harrison. GEORGE HARRISON: https://www.youtube.com/watch?v=RdgXJ0jQtVw Y con esta última versión cerramos nuestro capítulo de hoy. Espero que lo hayan disfrutado tanto como yo. Gracias por su compañía y atención. Me despido de todas y todos ustedes, su servidor, Pedro A. Luis. ¡Hasta la próxima!

¡Hola amigos! Soy Francisco, y hoy en Explorando Versiones hablaremos de Siniestro Total, una de las bandas que marcó mi juventud y la de toda una generación y de su canción "Ayatollah". La primera que les hizo famosos a nivel nacional. ST: AYATOLLAH (MAQUETA): https://www.youtube.com/watch?v=NTICW_V62HA Y es que este tema les hizo dar el gran, gracias, en parte, al icónico programa de radio “Esto no es Hawai” que presentaba Jesús Ordovás en Radio 3. Por aquel entonces Julián Hernandez, creador de la canción, estudiaba en Madrid y ó con Jesús para hacerle llegar esta maqueta para que la pusiera en el programa, y cuando Jesús la escuchó, ¡quedó tan impactado que no dejó de ponerla una y otra vez! Tal fue el impacto que el programa confeccionaba una lista de canciones que votaban los propios oyentes y «Ayatolah!» se alzó al número uno rápidamente. ST: AYATOLLAH (AYUDANDO A LOS ENFERMOS): https://www.youtube.com/watch?v=FuCHOVBunVw Pero, antes de entrar de lleno en la canción, un poco de contexto. Siniestro Total es un grupo gallego se formó en Vigo en 1981, en pleno auge de la denominada Movida Viguesa. La primera formación de la banda estaba compuesta por Germán Coppini, Miguel Costas, Alberto Torrado y Julián Hernández. Con esta alineación, lanzaron su primer EP llamado “Ayudando a los enfermos” en el que se incluye esta primera versión de Ayatollah. Vamos a la letra. A simple vista, "Ayatollah" puede parecer absurda, pero es la perfecta muestra del estilo irreverente del grupo usando mucha retranca y sorna gallega. Estamos en los años 80 y el Ayatolá Jomeini estaba en todos los titulares internacionales tras la revolución iraní. Éste había protagonizado una revolución que le llevaría al poder aupado por una población que había estado sometida a la tiranía de la monarquía del Sha de Persia Mohammad Reza Pahlevi. Pronto se convertiría en una nueva tiranía teocrática y fundamentalista de corte islámico con imágenes duras de gente colgada de los pies o con las manos cortadas. En el estribillo, "Ayatollah, no me toques la pirola", al igual que en la canción de Elvis y sus zapatos de gamuza azul, el protagonista de la canción pide que le pueden hacer cualquier cosa menos tocarle la pirola. Esta mezcla entre lo infantil y lo polémico era un sello distintivo del grupo, haciendo que lo que podría haber sido una crítica política pesada se transformara en algo ligero y memorable. Y en lugar de abordar este tema con solemnidad, Siniestro Total hizo todo lo contrario: usaron el humor más corrosivo y absurdo para denunciar tales abusos. Musicalmente, el tema es puro punk: directo, sencillo y con mucha actitud. Aunque la banda en ese momento no destacaba por su virtuosismo instrumental y pelo lo compensaban con una gran energía y desparpajo. ST: AYATOLLAH (¿CUANDO SE COME AQUÍ?): https://www.youtube.com/watch?v=wKartIt095E En este viaje por las versiones de Ayatollah empezaremos por la versión incluida en el primer álbum de larga duración de la banda llamado ¿Cuando se come aquí? grabado en octubre de 1982. En la portada de este disco aparecen los 4 siniestros originales caricaturizados como los hermanos Dalton (de los comics de Lucky Luke). Este fantástico dibujo es obra de Óscar Mariné sobre una idea del propio grupo y de Pepo Fuentes (amigo de Julián y road mánager del grupo). El título del disco también fue sacado del famoso cómic creado por Morris: se comenta que tras pasar tres días grabando el disco encerrados sin comer nada y muy lejos del bar más cercano, Pepo Fuentes recordó el cómic donde aparece Averell Dalton diciendo eso de "¿Cuándo se come aquí?" ST: AYATOLLAH Nº9 (MENOS MAL QUE NOS QUEDA PORTUGAL): https://www.youtube.com/watch?v=HoJL-7nXhSU La siguiente versión se llama “Ayatollah Number 9” y aparece como bonus track del tercer disco de estudio titulado “Menos mal que nos queda Portugal” publicado en 1984 y como cara B del single “Si yo canto” publicado un año más tarde, en 1985. Esta versión es más sosegada, cantada con desgana y con una instrumentación más acústica y en la que destaca el acompañamiento de percusión. ST: AYATOLLAH (ANTE TODO MUCHA CALMA): https://www.youtube.com/watch?v=UKyJiethQaE En el año 1992, en su auge de popularidad, el grupo publica el doble álbum en directo titulado Ante Todo: Mucha Calma, y en el que para mí es el mejor disco de la banda, en el que aparece la versión que está sonando. Con un ritmo más rockero, esta versión destaca por los riff de guitarra de Javier Soto y la personalidad que le da Julian Hernandez y Miguel Costas cantando a dúo este tema. NINGOONIES + GERMAN COPPINI: https://www.youtube.com/watch?v=p_qLRIalDVM Pero hay más vida ahí afuera aparte de las propias versiones de Siniestro Total y en este repaso nos tenemos que detener en la versión que hicieron en junio de 2013 el grupo Ningoonies junto a Germán Coppini en el que interpretaron en directo esta versión con motivo del treinta aniversario de la publicación del álbum ¿Cuándo se come aquí?, el primer álbum de estudio de Siniestro Total. La colaboración de Germán junto a Ningoonies añadió un toque muy particular, ya que Coppini, como uno de los fundadores, aportó una carga nostálgica y emocional a la ocasión, más si cabe con el fallecimiento meses después del propio German Coppini por una enfermedad hepática. LAGARTIJA NICK + JOSE MAROTO: https://www.youtube.com/watch?v=R71knmbEuMo Tras el fallecimiento de Germán Coppini en diciembre de 2013, su influencia y legado fueron reconocidos por varias bandas. Tanto es así que en abril de 2014, el grupo granadino Lagartija Nick, junto con José Maroto (ex-KGB), le rindieron un sentido homenaje interpretando “Ayatollah” en un concierto especial en la sala El Tren de Granada. Esta versión, con el estilo rock experimental de Lagartija Nick, añadió una identidad única al tema, destacando la fuerza emocional de la letra. La colaboración aportó un enfoque nostálgico y, a la vez, potente, con un sonido crudo y directo que capturaba perfectamente el espíritu de Coppini y el impacto que dejó en la música española. ILEGALES: https://www.youtube.com/watch?v=nl-A0d8WXpQ Nos tenemos que poner en pie ante esta versión de los Ilegales que grabaron para el disco “Sótano Total”, publicado en noviembre de 2022 y hacen un homenaje a Siniestro Total impulsado por el programa El Sótano de Radio 3 ya que esta interpretación va más allá de una simple adaptación. En esta versión, el grupo asturiano logra darle su propio sello. La música incorpora reminiscencias árabes que aportan un aire exótico y misterioso, mientras que la voz inconfundible de Jorge Ilegal aporta una nueva profundidad y gravedad, logrando que la canción adquiera una dimensión única y oscura. ANARQUÍA TROPICAL: https://www.youtube.com/watch?v=ZcB9SB6su08 Y como en este mundo tiene que haber de tó, en junio de 2024 se publica esta adaptación tropical de Ayatollah en un canal de youtube llamado “Anarquía Tropical”. Bajo el nombre de “Anarquía Tropical Vol 2” encontramos este tema salsero que lejos de perder la esencia punk, la lleva a un terreno inesperado, lleno de ritmos latinos y percusiones tropicales. En esta interpretación, los compases rápidos y enérgicos de Ayatollah se fusionan con la cadencia y el sabor caribeño, logrando que la crítica y el humor de la letra adquieran un tono juguetón, casi festivo. DEF CON DOS: https://www.youtube.com/watch?v=cl4HvRZozA0 La versión más reciente es la que ha lanzado el grupo Def con Dos en octubre de 2024 en la que se aporta un giro fresco y potente al clásico de Siniestro Total. Def Con Dos ha modernizado el tema, integrando su característico estilo de rap metal con una mayor carga de guitarras y una base rítmica más intensa. Esta versión no solo rinde homenaje a la original, sino que también la revitaliza para un público nuevo, introduciendo un sonido más agresivo y contemporáneo, fiel a la identidad de la banda. SINIESTRO TOTAL (40 AÑOS SIN PISAR LA AUDIENCIA NACIONAL): https://www.youtube.com/watch?v=DB435_hFGnw Para rematar este viaje por la canción de Ayatollah os dejo esta versión. Esta es la última vez que Siniestro Total ha tocado el tema y fue en su concierto de despedida de los escenarios en el concierto “40 Años Sin Pisar La Audiencia Nacional”, celebrado los días 6 y 7 de mayo de 2022. Para esa ocasión se volvieron a reunir todos los músicos que han pasado por la banda en esos 40 años de trayectoria. CONCLUSIÓN: Y aunque hoy día Siniestro Total ya no está en los escenarios, su legado sigue vivo y es tan relevante como en aquellos primeros años. A través de Ayatollah, esta canción que a priori parecía una broma punk de corta duración, el grupo logró condensar la ironía y el humor corrosivo que los caracterizaban, y ofreció una forma distinta de hacer crítica social y política. Al fin y al cabo Ayatollah se ha convertido en un tema que desafía el paso del tiempo, logrando que, 40 años después, siga siendo igual de provocador y relevante. Así que, ya sabéis, 'no me toquéis la pirola'... ¡y tampoco os perdáis el próximo episodio de Explorando Versiones! Nos vemos pronto.

Hola, aquí José Carlos, de los Bar-Kings. SLIM HARPO - I'VE GOT LOVE IF YOU WANT IT: https://www.youtube.com/watch?v=fXLhbwSHK30 Ni en sueños se podía imaginar el amigo James Moore, más conocido como Slim Harpo, que la cara B de su primer single, grabado años atrás en un destartalado estudio de los pantanos de Luisiana, iba a ser todo un éxito siete años después en la pista del Scene Club, un garito subterráneo de Londres donde un DJ llamado Guy Stevens parece que lo pinchaba anoche sí y noche también. THE YARDBIRDS - I GOT LOVE IF YOU WANT IT: https://www.youtube.com/watch?v=Ufia9nPmppo Entre los asiduos al Scene estaban los Yardbirds que hicieron una tremenda versión de este tema en su primer LP grabado en directo en el Marquee, aunque no es la que he escogido, sino otra adaptación un tanto más particular grabada casi al mismo tiempo. THE HIGH NUMBERS - I'M THE FACE: https://www.youtube.com/watch?v=bW9j_-zm_80 Como es natural, el disco original de Slim Harpo en una pieza imposible de encontrar en Londres por aquel entonces, pero un chico que andaba siempre merodeando por el Scene llamado Peter Meaden consiguió que Guy Stevens le prestara su copia. Este chaval, con todo el morro, le cambió la letra a su antojo. La llamó I’m the face, se atribuyó la autoría y le pasó el disco a un grupo a los que estaban intentando representar por aquellos días y que había bautizado como de The High Numbers. Los High Numbers la grabaron, recibieron su paga en anfetaminas, el disco se editó sin ninguna repercusión y poco más. Así que los chavales dejaron a Meaden, se fueron con otros managers, se cambiaron el nombre a The Who y el resto es historia. CONCLUSIONES: Como no, le tengo que dedicar este tema con todo mi cariño al Slim Harpo de Torreblanca, al face de la Caverna: el imprescindible Ción Cabana. Va por ti maestro.